А. Крученых, В

Наталья Гончарова — русская художница, живописец, график, театральный художник, книжный иллюстратор. Представительница русского авангарда начала 1910-х годов, один из самых ярких сценографов XX века.

Наталья Сергеевна Гончарова родилась 3 июля 1881 года в деревне Ладыжино Тульской области. Принадлежала к старинному дворянскому роду Гончаровых, приходилась двоюродной правнучкой жене Александра Сергеевича Пушкина .

Сергей Михайлович, отец Натальи, был архитектором, представителем московского модерна. Мама Екатерина Ильинична — дочь московского профессора духовной академии. Детство художницы прошло в Тульской губернии, где её отцу принадлежали несколько сёл и усадеб, что привило ей любовь к сельской жизни. Именно с этим искусствоведы связывают декоративность её зрелого творчества.

В 1891 году, когда девочке исполнилось 10 лет, семья переехала в Москву.

Образование

В Москве Наталья Гончарова поступила в женскую гимназию, которую окончила в 1898 году с серебряной медалью.

Несмотря на склонности к рисованию, в юности Гончарова не рассматривала серьёзно возможность стать художником.

В 1900 году поступила на медицинские курсы, но бросила их через три дня. В том же году в течение полугода училась на историческом факультете Высших женских курсов.

Тогда же стала сильно интересоваться искусством и через год поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, в класс скульптуры С. Волнухина и П. Трубецкого.

В 1904 году она получила малую серебряную медаль за свои работы, но вскоре оставила учёбу.

Наталья Сергеевна Гончарова Фото: Commons.wikimedia.org

Встреча с мужем

Во время обучения в Московском училище живописи, ваяния и зодчества Гончарова познакомилась со своим будущим мужем: живописцем Михаилом Ларионовым . Встреча с ним изменила жизнь и намерения девушки: она начинает много писать и искать свой стиль. Именно Ларионов посоветовал ей не тратить время на скульптуру и заняться живописью. «Откройте глаза на свои глаза. У вас талант к цвету, а вы занимаетесь формой», — сказал он.

В 1904 году Гончарова возвращается к учёбе, но переходит в студию живописи к Константину Коровину . Ранними работами Гончаровой стали картины в духе импрессионизма. Скульптуру девушка не забросила и в 1907 году получила ещё одну медаль.

В 1909 году Наталья окончательно решает оставить учёбу. Она прекращает вносить оплату за обучение, и её отчисляют из училища.

Связав свою жизнь с Михаилом Ларионовым, она разделила его устремления и художественные взгляды. Гончарова пробует себя во многих направлениях живописи: кубизме («Портрет М. Ларионова», 1913) и примитивизме («Мытьё холста», 1910).

В это время художницу привлекает тематика крестьянского искусства. Она стремится познать сущность творчества народа. Гончарова возвращается к декоративно-прикладному искусству: пишет рисунки для обоев, оформляет фризы домов.

Репродукция картины Натальи Гончаровой «Мытьё холста». 1910 год. Фото: « РИА Новости »

С 1908 по 1911 годы она даёт частные уроки в художественной студии живописца Ильи Машкова .

Иллюстрирование

Художница участвовала в деятельности общества футуристов, сотрудничая с Велимиром Хлебниковым и Алексеем Кручёных . Дружба с футуристами привела её к книжной графике. В 1912 году Гончарова оформила книги Кручёных и Хлебникова «Мирсконца», «Игра в аду». Она одной из первых книжных графиков в Европе использовала технику коллажа.

Выставки

24 марта 1910 года в помещении литературно-художественного кружка Общества свободной эстетики Гончарова организует свою первую персональную выставку, на которой было представлено 22 картины. Выставка продолжалась лишь один день: из-за представленной картины «Натурщица (на синем фоне)» Гончарова обвинялась в порнографии, несколько работ были конфискованы. Вскоре суд оправдал её.

В 1911 году она вместе с Ларионовым организует выставку «Бубновый валет», в 1912 — «Ослиный хвост». Далее — «Мишени», «№ 4». Художница входила в мюнхенское общество «Синий всадник». Гончарова активно поддерживала многочисленные акции и начинания того времени.

В 1912 году на знаменитой выставке «Ослиный хвост» Наталья Гончарова выставляла цикл из 4 картин «Евангелисты». Эта работа вызвала ярость у цензоров своим нетривиальным изображением святых.

В 1914 году состоялась большая персональная выставка работ Гончаровой, было выставлено 762 полотна. Но также не обошлось без скандала: были сняты 22 работы, после этого цензоры обратились в суд, обвинив Гончарову в кощунстве.

В 1915 году состоялась последняя выставка работ Гончаровой в России. В июне Дягилев приглашает Гончарову и Ларионова для постоянной работы в его «Русских сезонах», они покидают Россию.

Эмиграция

Гончарова и Ларионов приехали во Францию, где супруги остались до конца жизни. Вернуться в Россию им помешала революция.

Они поселились в Латинском квартале Парижа, где любил бывать весь цвет русской эмиграции. Гончарова и Ларионов устраивали благотворительные балы для начинающих живописцев. В их доме часто бывали Николай Гумилёв и Марина Цветаева .

Гончарова очень много работала в Париже, её циклы «Павлины», «Магнолии», «Колючие цветы» говорят о ней как о зрелом живописце. Марина Цветаева писала: «Как работает Наталья Гончарова? Во-первых, всегда, во-вторых, везде, в-третьих, всё. Все темы, все размеры, все способы осуществления (масло, акварель, темпера, пастель, карандаш, цветные карандаши, уголь — что ещё?), все области живописи, за всё берётся и каждый раз даёт. Такое же явление живописи, как явление природы».

Наталья Гончарова. Павлин под ярким солнцем, 1911 Фото: Commons.wikimedia.org

Однако больше всего сил Гончарова отдавала работе в театре. Вплоть до смерти Дягилева в 1929 году она была одним из ведущих художников его антрепризы. Она оформила балеты «Испанская рапсодия» (на музыку М. Равеля ), «Жар-птица» (на музыку И. Стравинского ), «Богатыри» (на музыку А. Бородина ), оперу «Кощей Бессмертный» (на музыку Н. Римского-Корсакова ).

В пятидесятые годы Наталья Сергеевна писала многочисленные натюрморты и полотна «космического цикла».

В шестидесятые годы произошло возрождение широкого интереса к искусству Ларионова и Гончаровой, их выставки прошли во многих странах и городах Европы и Америки. В 1961 году в Лондоне Советом искусств Великобритании была организована крупная ретроспектива работ Ларионова и Гончаровой.

Наталья Гончарова скончалась в Париже 17 октября 1962 года. Похоронена на кладбище в Иври-сюр-Сен.

После её смерти Музей современного искусства в Париже посвятил ей и Ларионову крупную ретроспективу.

Гончарова Н.С. «Бабы с граблями» 1907 г. Холст, масло

«Павлин под ярким солнцем» 1911 г. Холст, масло. 129 x 144 см.
Государственная Третьяковская галерея

Описание картины

Художница изображала одного и того же павлина в 10 стилях (в «египетском» стиле, в виде «русской вышивки», футуристическом, кубистическом и др.). Была создана целая серия под названием «Художественные возможности по поводу павлина». Он был ее символом, символом ее искусства.

Павлин был близок Гончаровой, поскольку это глубокий целостный символ. К примеру, в римском искусстве он мог обозначать триумф дочерей императора. На Востоке павлин являлся выражением души, которая из принципов единства черпала свою силу. В христианстве павлин считался образом веры в бессмертие и воскресение, а его оперение из «тысячи глаз» указывало на всеведение. Многоцветие оперения намекало на красоту мира (в Китае) и сам акт творения в исламе - символ Вселенной).

Павлин может восприниматься как знак единства Бытия. Символизм его ассоциируется с теми древними синкретическими культурами, которые так полюбила художница. В египетском варианте головка и шея павлина изображены в профиль, а хвост, согласно канонам египетского искусства, развернут фронтально. При этом он как будто распластан по плоскости темного фона, выделяясь своим неповторимым оперением. Он как будто покрыт не перьями, а яркими красками, действуя на зрителя больше физиологически.

В ярких красках воплощена поистине первозданная энергия, напоминающая об аналогичных воплощениях человеческих эмоций в русском народном творчестве. Предположительно в этой картине отразилось увлечение молодой художницы картинами Гогена с их красочной экзотикой и свободой природной жизни.

Гончарова Н.С. «Стрижка овец» 1907 г. Холст, масло

«Велосипедист» 1913 г. Холст, масло. 78x105 cm.
Государственнй Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Описание картины

В картине точно передана стремительная скорость движения. Мимо мчащегося велосипедиста мелькают уличные вывески и сливаются в одно целое. Быстрое движение колес передано через их многократное повторение друг возле друга.

И сам человек, пригнувшийся к рулю, расслаивается, становится подчиненным общей идее - скорости. Это основные признаки футуризма - смещение контуров, повторение деталей и вкрапление незаконченных фрагментов. Разлагая формы видимого мира, Гончарова, тем не менее, сумела создать целостный образ динамики в жизни отдельного человека.

В этой картине воплощена эстетика ХХ века - века технического прогресса и ускоренного темпа жизни.

Уже произошла 1 Русская революция 1905 года. Накануне Первой Мировой войны, начавшейся в 1914 году, неспокойная обстановка в общества была тонко уловлена художницей и выражена в невинном сюжете - условной фигуре человека на велосипеде.

Это одна из лучших картин художницы в стиле кубофутуризма. Последующее творчество Гончаровой шло в духе нового, изобретенного М. Ларионовым стиля «лучизм».

«Хоровод» 1910 г. Холст, масло Историко-художественный музей, Серпухов, Россия

«Архистратиг Михаил» 1910 г. Холст, масло 129.5 x 101.6 cm

Гончарова Н.С. «Литургия, св. Андрей» 1914 г.

Гончарова Н.С. «Богоматерь с младенцем».Описание картины

Картина выполнена в духе русской иконографии. Художница пользовалась традиционными схемами и приемами, и в то же время ее не сковывали никакие рамки.

Богоматерь изображена в желтых одеждах с коричневыми складками. На ее левой руке сидит младенец, которого она придерживает правой. Вопреки православным традициям, ребенок не смотрит ни на нее, ни на зрителя. Простой синий фон заполнен примитивно трактованными зелеными растениями и фигурами ангелов. Условная трактовка лица Божией Матери дополняется его нетрадиционной раскраской, что характерно для лучизма.

Свободная пластическая трансформация фигур ангелов и ребенка Христа дополняется звучностью ярких красок, что отдаляет картину от иконописных канонов и ставит на достойное место среди достижений единомышленников.

Гончарова Н.С. «Покос» 1910 г.

Гончарова Н.С. «Урожай» 1911 г.

Гончарова Н.С. «Маленькая станция» 1911 г.

«Аэроплан над поездом» 1913 г. Холст, масло. 55 x 83 см
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань, Россия

Гончарова Н.С. «Кошки» 1913 г.

Гончарова Н.С. «Крестьянские танцы» 1911 г.

Гончарова Н.С. «Цветы» 1912 г.

Гончарова Н.С. «Прачки» 1911 г.

Гончарова Н.С. «Динамо-машина» 1913 г.

«Портрет Ларионова» 1913 г. Холст, масло. Museum Ludwig, Cologne, Германия

Гончарова Н.С. «Натбюморт с тигром» 1915 г.

Гончарова Н.С. «Посадка картофеля» 1908-1909 г.

Гончарова Н.С. «Лен» 1908 г.

Гончарова Н.С. «Соляные столпы» 1908 г. Описание картины

Для картины характерны большая архитектоничность, усложнение и многофигурность композиции, разнообразие ракурсов, свобода в построении форм.

Используя прием «живописного рассказа», за основу композиции Гончарова берет библейскую легенду о Лоте, но пересказывает ее с отступлением.

Точкой притяжения для кубистической трактовки является момент превращения человеческой фигуры в соляной кристалл на фоне повергаемого города.

В гончаровской трактовке в столпы превратились все участники сцены - и Лот, и его жена, и дочери, даже их будущие дети.

Многие живописно-пластические приемы перетекают из предыдущей картины «Бог плодородия», а именно - трактовка лица, особенно двойная обводка глаз, линия бровей, переходящая в нос, голова, посаженная на плечи, тонкие руки и ноги, жесткие деформации пропорций, доминирование 4-угольных форм.

В живописной разработке поверхности намечается и новый элемент - имеющий форму «ласточкиного хвоста» в изображении Лота. Здесь он еще не выявлен в достаточной степени ни функционально, ни живописно, но в последующих работах найдет свое место.

Гончарова Н.С. «Каменная дева» 1908 г.

Гончарова Н.С. «Крестьянки» 1910 г.

Гончарова Н.С. «Обнаженная негритянка». Описание картины

Эта картина - показательный пример примитивизма Гончаровой. Она дышит сверхэнергией движения натуры и динамичностью самой живописи. Одновременно она близка и Пикассо, и Матиссу.

В трактовке ступней ног, кистей рук и особенно в форме и постановке головы чувствуется пластическая близость «Дриаде» и «Дружбе» Пикассо. Штрихующий мазок на лице вызывает ассоциации с «Танцем с покрывалами».

Влияние Матисса ощутимо в группировке фигуры, изображенной в стремительном танце, позволяющем показать ее одновременно в разных ракурсах, цветовых контрастах (черная фигура на малиново-розовом фоне), в экспрессии движения, сжатости фигуры в минимальном пространстве и сверхрельефности контуров, в оптимистичности образов.

Гончарова смягчает кубистическую огранку и добивается большей пластичности изображения, по сравнению с эмоциональными изломами фигур на полотнах своих кумиров. Популярности картины способствовала культурная экспансия населения из покоренных стран, охватившая страны Европы. Увлечение новыми формами было подхвачено русскими художниками вслед за европейскими коллегами.

Гончарова Н.С. «Пустота» . Описание картины

Эта картина - исключение и одновременно новаторство. В творчестве Гончаровой впервые едва ли не во всей русской авангардной живописи появляется абстрактная структура в виде разноцветных концентрических колец неправильной формы.

Эта структура, имеющая биологическую, белковую форму, неустойчива по своим очертаниям, сжимающаяся и разжимающаяся вширь и в глубину, похожа на неведомую материальную субстанцию, на всплеск энергии. Она наполнена, как всегда у Гончаровой, дыханием жизни, правда, жизни другого уровня - жизни мыслящей материи.

Ритмичность и чередование синих и белых колец убывающих размеров с меняющейся шириной ленты плотной гладкой фактуры создает свое собственное пространство, перетекающее внутри этих форм, обтекаемое другим пространством, формируемое живописной массой черно-зелено-лилового цвета с матовой фактурой. Окружающее пространство становится проницаемым, несмотря на свойство темной матовой структуры поглощать весь свет.

Гончарова нарушает физику цвета и физику вещества, разрушая единство и материальную плотность, создаваемые красящими пигментами, введением белильных живописных элементов, напоминающих зеркальные блики. Плоскость всего живописного поля картины, кажется, теряет свои материальные границы. А композиция готова преодолеть их, становясь как бы иллюстрацией положения о 4 измерениях: «Картина является скользящей, дает ощущение того, что можно назвать 4 измерением, - вневременного и внепространственного…».

Материальный объем - краски, их фактура, т.е. «полное» - изображает «пустое»: «полное» рождает «пустое», объем становится категорией пространства. Картина может показаться чисто абстрактной. Если задуматься о теософских знаниях, можно представить, что центральное белое пятно - как бы обозначение туннеля, который ведет в иной мир, в мнимую «пустоту». Это потусторонний цвет. Синие кольца - своего рода ступени перехода по этому туннелю в иной мир.

Тема перехода в иной мир не впервые поднимается в творениях художниках. Подобные туннели присутствовали в работах других художников-духовидцев. Яркий пример - «Рождение души человеческой» 1808 года немецкого романтика Ф.О. Рунге.

Гончарова Н.С. «Ангелы, мечущие камни на город». Описание картины

Одна из 9 экспрессивных картин общего цикла под названием «Жатва».

В этой картине Гончарова строит свою религиозную картину мира. Вершина этого мира - божеский небесный мир. Все на земле вершится под его покровительством, а ангелы-воины вмешиваются непосредственно в земную жизнь, противоборствуя техницизму и урбанизму и одновременно охраняя пашни и сады. Таким образом, выстраиваются оппозиции «город-деревня» и «естественное-техническое».

Кроме того, сильна идея возмездия, небесной кары, судьбы, рока, в целом, апокалиптические настроения, соотносимые с христианской символикой. Картина создавалась художницей в период творческих исканий: лучизм, футуризм - все это было впереди. Только примитивизм и участие в «Бубновом валете» пока составляли творческий опыт Гончаровой. Так что это полотно в неопримитивистском стиле считается одной из лучших.

Как и многие другие, эта картина отличается выдающимися декоративными достоинствами. В частности, заметно ритмическое движений линий и пятен, ярко проявляется акцентированное тяготение к плоскости - земле. Все это подчеркивало стремление Гончаровой к монументальным формам.

Гончарова Н.С. «Желтый и зеленый лес». Описание картины

Один из серии «лучистых пейзажей». Все в этой картине размыто проблесками пересекающихся лучей, за ними едва угадываются очертания деревьев. В центре композиции - 2 уходящих ввысь ствола, глухого синего и коричневых тонов. Интенсивное пятно желтого цвета в кроне дерева, из которого вырываются лучи, густые зеленый и темно-синий тона доходят до абсолютной глубины цвета.

Высокие кроны деревьев - все в пересекающихся лучах. Даже в густом коричневом тоне земли вспыхивают проблески лучей света. Это привносит в пейзаж взволнованное и приподнятое, но нереальное, почти мистическое звучание.

Есть мнение, что этот пейзаж - простая иллюстрация к философским построениям П.Д. Успенского «Tertium Organum. Ключ к загадкам мира». Мистика и эзотерика переплелись в его жизненном пути с оккультизмом и целительством. Предложенная философом новаторская модель Вселенной, в которой не 3, а 4 измерения, в том числе время. Также призывал к созданию мира на основе идеи синтеза Психологии и Эзотерики, что вело к высшему уровню осмысления и осознания жизни человека.

Родилась 16 августа 1881 года в деревне Ладыжино Тульской области. Наталья воспитывалась в семье архитектора. Этот род принадлежал к старинному роду Гончаровых.

Увлекшись искусством, Гончарова начала обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, которое продолжалось с 1901 по 1909 год. Сначала Наталья занималась преимущественно скульптурой, а впоследствии стала увлекаться живописью. Первым наставником начинающей художницы стал К.А. Коровин. При этом скульптурные работы художницы тоже получили высокую оценку.

Ранними работами Гончаровой стали картины в духе импрессионизма. Эти полотна успешно экспонировались на выставках «Мира искусства» и МХТ. Позднее она получила приглашение от С.П. Дягилева. Он предложил начинающей художнице участвовать в Осеннем Салоне в Париже.

В этот период Гончарова пишет в основном улицы со старинными зданиями, городские парки в технике пастели. Особенности мировосприятия, прослеживающиеся в этих полотнах, явно говорят о влиянии на художницу творчества мастеров группы «Наби». Однако тот нежный лиризм, который отличал работы раннего периода, вскоре уступил место последовательному неопримитивизму.

Еще во время обучения в училище Гончарова знакомится с М.Ф. Ларионовым. Вскоре это знакомство приведет к теплым отношениям, а Ларионов станет супругом художницы. Вместе с ним Гончарова участвовала в различных русских и европейских выставках. Творческий подъем молодой художницы был связан с 1906 годом, когда Гончарова вплотную занялась картинами в духе примитивизма. Художницу привлекает тематика крестьянского искусства. Она стремится познать сущность творчества народа во всей его глубине.

Позднее Гончарова будет работать и в других стилях, активно используя традиции разных эпох. В это время появляются картины «Мать», «Хоровод», «Уборка хлеба», «Евангелисты».

В 1913 году Гончарова много работает над иллюстрациями к литературным произведениям, среди которых издания С.П. Боброва, А.Е. Крученых, В.В. Хлебникова. С 1914 года художница оформляет театральные постановки, такие как «Золотой петушок». В поздний период творчества Гончарова создает много работ, поддерживающих идею беспредметного искусства. В это время появляются картины «Лучистые лилии», «Орхидеи».

В 1915 году Гончарова вместе с мужем уезжает во Францию. Здесь жизнь художницы и оборвется 17 октября 1962 года.

Самая дорогая картина - «Цветы» Н.Гончаровой - была продана на аукционе Кристи за $10,9 млн в 2008 году.
И это рекорд для произведений искусства, созданных женщинами.

Наталья Гончарова «Цветы» (1912 год)

Эта картина считается знаковой для русского авангарда. В ней Гончарова смешала последние
веяния европейского искусства (она изучала полотна Гогена, Матисса, Пикассо) и собственное
новое направление - лучизм. Этот стиль - одну из ранних форм абстракционизма -
Гончарова придумала вместе с мужем, футуристом Михаилом Ларионовым.
Художники изображали лучи света цветными линиями, и таким образом передавали
образ предметов.Они считали, что предметы в восприятии человека —
это «сумма лучей, идущих от источника света,отраженных от предмета
и попавших в поле нашего зрения» (из «Манифеста лучизма»).

Луиза Буржуа «Паук» Цена: $10,7 млн Аукцион: Christie’s 2011

Американка французского происхождения Луиза Буржуа дожила почти до ста лет и
попробовала себя практически во всех основных направлениях искусства ХХ века —
кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме.
Но прославилась Буржуа, прежде всего, как скульптор. Все ее работы объединяет уникальная
система символов.Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания.
Паук, а точнее паучиха, в знаковой системе Буржуа — это символ матери.
«Она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха.
И она умела защитить себя», — говорила художница о своей матери.
Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луизы Буржуа бьют рекорды на аукционных торгах.
Последней рекорд принадлежит почти семиметровой «Паучихе» из частной коллекции
в долине Напа неподалеку от Сан-Франциско: 8 ноября 2011 года ее приобрели
на Christie’s за $10,7 млн.

Наталья Гончарова «Испанка» (1916 год) Цена: $10,7 млн Аукцион: Christie’s 2010

Это полотно было написано Гончаровой во время Первой мировой войны. Тогда в жизни художницы произошли серьезные перемены. Она переехала из России в Париж, где делала декорации для «Русских балетов» Дягилева. В «Испанке» проявилось мастерство Гончаровой как театрального художника: в композиции была передана мощная энергия испанского танца.
При этом ей удалось сочетать детализацию театральных декораций и упрощение, присущее абстрактному искусству.
В «Испанке» проявилась радикально новая техника, которую позже назвали театральным конструктивизмом.

Наталья Гончарова «Сбор яблок» (1909 год) Цена: $9,8 млн Аукцион: Christie’s 2006

По итогам торгов «Импрессионисты и мастера XX века» в 2006 году «Сбор яблок» установил рекорд для русской живописи.
Правда, кто купил картину, не известно: покупатель пожелал остаться неизвестным.
В тот момент, когда была написана эта работа, художница увлекалась импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но особенно ощутимо в ней влияние Гогена. Вдохновлялась Гончарова и русской иконописной и лубочной традицией. В результате возник целый цикл «Сбор плодов», выполненный в совершенно оригинальной манере.

Джоан Митчелл «Без названия» (1959 год) Цена: $9,3 млн Аукцион: Sotheby’s 2011

«Без названия» - одна из первых работ Митчелл в новом для нее на тот момент стиле абстрактного экспрессионизма. Митчелл, по данным берлинской трейдинговой компании Artnet.com, является самой успешной художницей по аукционному обороту. За период
с 1985 г. по 2013 г. было продано 646 ее работ, за них покупатели заплатили в общей сложности $239,8 млн. В отличие от других американских художников, работавших в стиле абстрактного экспрессионизма, Митчелл обращалась к европейской традиции.

Тамара де Лемпицка «Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне») (1927 год)

Цена: $8,5 млн Аукцион: Sotheby’s 2011

Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, которая некоторое
время жила в Санкт-Петербурге. Она работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х
годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана Лемпицка в плодотворный
парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы.
До этого самыми дорогими ее работами были проданные в 2009 г.
«Портрет Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).

Джоан Митчелл «Салют, Салли!» (1970 год) Цена: $7 млн Аукцион: Chistie’s 2012

Эта картина посвящена старшей сестре Митчелл, Салли. Работа резко отличается от ее прежних полотен. В жизни художницы настали светлые времена, что отразилось на холсте. «Салют, Салли!» — яркая и солнечная картина. К 1970 г. Митчелл обрела постоянный дом, поселившись в небольшом городке Ветей в 55 км от Парижа. Там она наблюдала за природой и постоянно рисовала на своей террасе, в основном подсолнухи и прочие яркие цветы. Митчелл получила признание парижской публики — первая персональная выставка абстракционистки прошла в французской столице в том же 1970 г.
Картина написана маслом по холсту. До продажи полотно находилось в частной коллекции.

Кэди Ноланд «Озвальд» (1989 год) Цена: $6,6 млн Аукцион: Sotheby’s 2011

Американка Кэди Ноланд — скульптор и автор инсталляции, работающий в стиле постмодернизма. Пик ее творчества пришелся
на 1980-1990 гг., а свою последнюю работу Ноланд создала 11 лет назад. Это, впрочем, не мешает ее картинам дорожать.
По данным Bloomberg, Ноланд - один из трех художников, чьи работы сильней всего подорожали за последние 13 лет (+ 5,488 %). Столь впечатляющих цифр она добилась в том числе и благодаря проданному за $6,6 млн «Озвальду».Скульптура изображает Ли Харви Освальда - единственного подозреваемого в убийстве американского президента Джона Кеннеди. Ноланд работала над этой инсталляцией в привычной для себя технике. Она использует образы из СМИ (вырезки из газет, кадры хроники), увеличивает их и
с помощью шелкографии, наносит на листы алюминия, а потом вырезает. Чтобы придать фигурам выразительности, в некоторых случаях она делает отверстия — следы от пуль.Произведения Ноланд находятся в ведущих галереях. Ее персональные выставки проходили в США, Японии, Европе, а работы продаются ведущими аукционными домами мира.

Тамара де Лемпицка «Спящая» (1930 год) Цена: $6,6 млн Аукцион: Sotheby’s Год: 2011

Портреты, в том числе и в жанре «ню», занимают серьезное место в творческом наследии де Лемпицка. Она создавала образ сильной и сексуальной женщины (не удивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала Мадонна). Мир художницы наполнен роскошью, дорогими платьями, идеальными телами.

Наталья Гончарова «Цветущие деревья» («Яблоневый цвет») (1912 год)

Цена: $3,96 млн Аукцион: Sotheby’s Год: 2011

В этой работе Гончарова, как утверждают критики, куда ближе к живописной французской традиции XIX века, чем к произведениям Казимира Малевича и Василия Кандинского.

10 самых дорогих произведений искусства, созданных женщинами

В Москву привезли обширную коллекцию работ Натальи Гончаровой — знаменитой русской авангардистки, уехавшей в начале XX века в Париж. Это самая крупная выставка Гончаровой в России за последние 100 лет: до 16 февраля 2014 года в Третьяковской галерее будут представлены около 400 экспонатов, большинство из которых раньше в России не выставлялись.

Гончарова получила признание не только в России, но и в мире. Ее самая дорогая работа - «Цветы» - была продана более чем за $10 млн. И это рекорд для произведений искусства, созданных женщинами.

~~~~~~~~~~~

Наталья Гончарова «Цветы» (1912 год)
Цена: $10,9 / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2008

Эта картина считается знаковой для русского авангарда. В ней Гончарова смешала последние веяния европейского искусства (она изучала полотна Гогена, Матисса,Пикассо) и собственное новое направление - лучизм. Этот стиль - одну из ранних форм абстракционизма - Гончарова придумала вместе с мужем, футуристом Михаилом Ларионовым. Художники изображали лучи света цветными линиями, и таким образом передавали образ предметов. Они считали, что предметы в восприятии человека — это «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения» («Манифест лучизма»).

Луиза Буржуа «Паук»
Цена: $10,7 млн / Аукцион: Christie"s / Год: 2011

Американка французского происхождения Луиза Буржуа дожила почти до ста лет и попробовала себя практически во всех основных направлениях искусства ХХ века — кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме. Но прославилась Буржуа, прежде всего, как скульптор. Все ее работы объединяет уникальная система символов. Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания. Паук, а точнее паучиха, в знаковой системе Буржуа — это символ матери. «Она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха. И она умела защитить себя», — говорила художница о своей матери.

Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луизы Буржуа бьют рекорды на аукционных торгах. Последней рекорд принадлежит почти семиметровой «Паучихе» из частной коллекции в долине Напа неподалеку от Сан-Франциско: 8 ноября 2011года ее приобрели на Christie"s за $10,7 млн.

Наталья Гончарова «Испанка» (1916 год)
Цена: $10,7 млн / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2010

Это полотно было написано Гончаровой во время Первой мировой войны. Тогда в жизни художницы произошли серьезные перемены. Она переехала из России в Париж, где делала декорации для «Русских балетов» Дягилева. В «Испанке» проявилось мастерство Гончаровой как театрального художника: в композиции была передана мощная энергия испанского танца. При этом ей удалось сочетать детализацию театральных декораций и упрощение, присущее абстрактному искусству. В «Испанке» проявилась радикально новая техника, которую позже назвали театральным конструктивизмом.

Наталья Гончарова «Сбор яблок» (1909 год)
Цена: $9,8 млн / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2006

По итогам торгов «Импрессионисты и мастера XX века» в 2006 году «Сбор яблок» установил рекорд для русской живописи. Правда, кто купил картину, не известно: покупатель пожелал остаться неизвестным.

В тот момент, когда была написана эта работа, художница увлекалась импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но особенно ощутимо в ней влияние Гогена. Вдохновлялась Гончарова и русской иконописной и лубочной традицией. В результате возник целый цикл «Сбор плодов», выполненный в совершенно оригинальной манере.

Джоан Митчелл «Без названия» (1959 год)
Цена: $9,3 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год продажи: 2011

«Без названия» - одна из первых работ Митчелл в новом для нее на тот момент стиле абстрактного экспрессионизма. Митчелл, по данным берлинской трейдинговой компании Artnet.com, является самой успешной художницей по аукционному обороту. За период с 1985 г. по 2013 г. было продано 646 ее работ, за них покупатели заплатили в общей сложности $239,8 млн. В отличие от других американских художников, работавших в стиле абстрактного экспрессионизма, Митчелл обращалась к европейской традиции.

Тамара де Лемпицка «Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне») (1927 год)
Цена: $8,5 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год продажи: 2011

Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, которая некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Она работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана Лемпицка в плодотворный парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы. До этого самыми дорогими ее работами были проданные в 2009 г. «Портрет Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).

Джоан Митчелл «Салют, Салли!» (1970 год)
Цена: $7 млн / Аукцион: Chistie"s / Год: 2012

Эта картина посвящена старшей сестре Митчелл, Салли. Работа резко отличается от ее прежних полотен. В жизни художницы настали светлые времена, что отразилось на холсте. «Салют, Салли!» — яркая и солнечная картина. К 1970 г. Митчелл обрела постоянный дом, поселившись в небольшом городке Ветей в 55 км от Парижа. Там она наблюдала за природой и постоянно рисовала на своей террасе, в основном подсолнухи и прочие яркие цветы. Митчелл получила признание парижской публики — первая персональная выставка абстракционистки прошла в французской столице в том же 1970 г.

Картина написана маслом по холсту. До продажи полотно находилось в частной коллекции.

Кэди Ноланд «Озвальд» (1989 год)
Цена: $6,6 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год: 2011

Американка Кэди Ноланд — скульптор и автор инсталляции, работающий в стиле постмодернизма. Пик ее творчества пришелся на 1980-1990 гг., а свою последнюю работу Ноланд создала 11 лет назад. Это, впрочем, не мешает ее картинам дорожать. По данным Bloomberg, Ноланд - один из трех художников, чьи работы сильней всего подорожали за последние 13 лет (+ 5,488 %). Столь впечатляющих цифр она добилась в том числе и благодаря проданному за $6,6 млн «Озвальду».

Скульптура изображает Ли Харви Освальда - единственного подозреваемого в убийстве американского президента Джона Кеннеди. Ноланд работала над этой инсталляцией в привычной для себя технике. Она использует образы из СМИ (вырезки из газет, кадры хроники), увеличивает их и с помощью шелкографии, наносит на листы алюминия, а потом вырезает. Чтобы придать фигурам выразительности, в некоторых случаях она делает отверстия — следы от пуль.

Произведения Ноланд находятся в ведущих галереях. Ее персональные выставки проходили в США, Японии, Европе, а работы продаются ведущими аукционными домами мира.

Тамара де Лемпицка «Спящая» (1930 год)
Цена: $6,6 млн / Аукцион: Sotheby"s / Год: 2011

Портреты, в том числе и в жанре «ню», занимают серьезное место в творческом наследии де Лемпицка. Она создавала образ сильной и сексуальной женщины (не удивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала Мадонна). Мир художницы наполнен роскошью, дорогими платьями, идеальными телами.

Наталья Гончарова «Цветущие деревья» («Яблоневый цвет») (1912 год)
Цена: $3,96 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год: 2011

В этой работе Гончарова, как утверждают критики, куда ближе к живописной французской традиции XIX века, чем к произведениям Казимира Малевича и Василия Кандинского.

Анна Намит
Forbes

24.08.2010 11:15

«О ты, чего и святотатство

Коснуться в храме не могло.

Моя напасть, мое богатство -

Мое святое ремесло!»

Каролина Павлова

Н аталья Сергеевна Гончарова (1881-1962) – известный русский живописец, театральный художник и график. Наталья Сергеевна внесла ощутимый вклад в развитие русского авангардного искусства. Кроме того, она была правнучатой племянницей супруги Александра Пушкина – Натальи Николаевны. Творческая деятельность и судьба Гончаровой были тесно переплетены с художником Ларионовым . Наталья познакомилась с ним, когда ей был 9 лет, и впоследствии пара работала вместе около шестидесяти лет – в России и во Франции. Гончарова и Ларионов не подавляли талант друг друга, несмотря на то, что оба были темпераментными, волевыми и невероятно талантливыми людьми – скорее супруги дополняли друг друга и помогали раскрыть свою индивидуальность. Однажды Наталья призналась, что Ларионов имеет идеальный художественный вкус и что этот человек является ее «совестью» и «камертоном». Более того, Гончарова была убеждена, что Михаил Ларионов относится к тем редким людям, которые «отродясь все знающие». Художница признавала, что они очень разные, но Ларионову это не мешает понимать ее.

Наталья всегда пыталась, чтобы ее художественный язык и образы были понятны почитателям. Кроме того, художница призывала друзей не поддаваться веяниям эпохи механизации, а жить в гармонии с народными традициями. Наталья Гончарова и Михаил Ларионов испытали на себе влияние кубизма и футуризма, однако пара находилась у истоков примитивизма и лучизма. И в наше время ее яркие, выразительные работы можно назвать примером творческого переосмысления своих традиций.

Наталья Гончарова родилась в деревушке Ладышино, (Тульская губерния). С 1899 по 1902 год Наталья была студенткой Московского училища живописи, ваяния, а также зодчества. Начала обучение на скульптурном отделении, и продолжила в классе живописи К. Коровина. Гончарова и Ларионов были одними из организаторов футуристических выставок – «Бубновый валет» «Мишень», «Ослиный хвост» и прочих.

Понятие футуризм происходит от слова futurum (лат.), что означает – «будущее». Так называли художественный авангардистские течения, возникшие в России, Италии и некоторых других странах Европы в период с 1910 по 1920 год. Русский футуризм больше всего проявлялся в среде литераторов, и его первыми представители были – В.Маяковский, В.Хлебников и Д.Бурлюк . Эти футуристы продвигали нигилистские лозунги, а также стремились эстетизировать урбанизацию и демократизировать свое творчество, используя фольклорные мотивы и «архаичные» приемы. Наталья Сергеевна Гончарова не была сторонницей индивидуализма, и не раз подчеркивала, что у нее случается «столкновение с обществом», которое не понимает основ искусства, и это непонимание вовсе не из-за того, что она имеет некоторые индивидуальные особенности. Хотя Гончарова отмечала, что понимать эти особенности не обязан никто.

В 1910 году художницей была написана одна из ее самых знаменитых примитивистских работ «Мытье Холста».

НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА. Мытью холста. 1910.

Также немалого внимания заслужили литографические иллюстрации, сделанные Гончаровой для сборников футуристов.

В 1912 году Наталья Сергеевна проиллюстрировала поэму Хлебникова и Крученых под названием «Игра в аду». В работах иллюстратора сталкиваются черное и белое, символизируя собой два противоборствующих начала. Рукописные тексты естественно включились в динамичные композиции Гончаровой – к примеру, один текст помещался в середину головы черта, который выглядел не устрашающе, а скорее иронично.

Наталья одна из первых начала применять технику коллажа в оформлении книг, опередив большинство европейских художников. В 1912 году мир увидел коллективный сборник «Мир конца», на обложке которого красовался вырезанный из золотистой тисненой бумаги цветочек. При этом цветок варьировался на всех экземплярах издания.

Также Гончарова проиллюстрировала повесть «Путешествие по всему свету», написанную Крученых, и поэму Хлебникова – «Вила и леший». В представлении Натальи Сергеевны образ Вилы происходит из самой природы. Некто из современников отметил, что Гончарова очень тонко понимает текст, к которому делает иллюстрации, ведь Вила – это действительно персонифицированный образ природы, и подтверждением этому является тот факт, что изначально поэма имела название «Природа и леший».

Случалось и такое, что при издании книги личность художника была так же заметна, как и личность автора. В 1913 году вышла книга, написанная Крученых под названием «Две поэмы. Пустынники. Пустынница», состоящая из семи страниц стихов и вдвое больше страниц иллюстраций. Можно сказать, что благодаря этому Гончарова стала практически соавтором Крученых. Особый интерес вызывает иллюстрация, описывающая сцену, когда отшельник поддается искушению – старец протягивает руку искушающему бесу, и мы видим слева только крылья покидающего его ангела-хранителя.

В том же году Н. Гончарова написала, ставшее известным, футуристическое полотно – «Велосипедист». В общей динамичной композиции изображен велосипедист, который проезжает мимо мелькающих вывесок.

НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА. Велосипедист. 1913.

Кроме того, Наталья Сергеевна начала работать театральным художником, и уже в 1914 году во Франции, в известной антрепризе Дягилева она оформляет спектакль «Золотой петушок», где соединяет нежные и изысканные цвета с простодушным миром русского лубка. После возвращения в Россию художница оформляет спектакль К.Гольдони «Веер» для Камерного театра. Заядлый театрал К.Сомов высоко оценил «лубочное» цветовое решение, использованное Натальей Сергеевной для сценического действия.

Гончарова вместе с супругом Ларионовым в 1915 году эмигрировала во Францию и последующие полвека семья жила в Париже в необычном старинном доме.

К квартире супругов вела крутая лестница, и их комнаты были заполнены стопками книг, среди которых попадались рисунки Сутина и Пикассо и многие другие ценные документы.

Знаменитая поэтесса Марина Цветаева не раз бывала в гостях у Натальи Гончаровой и ее мужа, и при этом отмечала, что жизнь и работа этой семьи проходит очень гармонично. Цветаева писала, что творит Наталья каждый день, находя время для акварели, масла, карандаша, угля, пастели, и при этом у нее получается выполнять все свои работы безукоризненно.

Сохранилось много альбомов, в которых Наталья Сергеевна запечатлела виды на разные города, портреты и пр. Также художница проиллюстрировала немецкое издание «Слова о полку Игореве» и многие интересные полотна – одним из них было живописное полотно «Завтрак», на котором за завтраком изображен мужчина вместе со своей женой и женщиной, с которой он изменяет супруге. Творческая манера иллюстратора была основана на искусстве русского примитива и впитала в себя черты экспрессионизма и фовизма А. Матисса. Многие соглашались с тем, что последние работы Гончаровой нужно называть не иначе, как «песнопениями», а один рецензент отметил, что женщины, изображенные в серии «Испанка» сравнимы только с соборами.

Тем не менее, больше всего работала Наталья не с полотнами, а в театре. В период с 1917 по 1940 года она оформляла для антрепризы С.Дягилева такие балеты, как «Жар-птица», «Лисица», «Садко», «Литургия» (музыка И.Стравинского), «Игрушки», «Кощей Бессмертный» (музыка Н. Римского-Корсакова), «Богатыри»(музыка А.Бородина), «На Борисфене» (музыка С.Прокофьева), «Испанская рапсодия» (музыка М.Равеля). В некоторых работах ей помогал Михаил Ларионов.

Известная художница В.Ходасевич отмечала, что от Гончаровой будто «пахнет чистотой» и при этом она была строга, и строгость эта была «как в иконах».

Качества, описанные В.Ходасевич, Наталья Сергеевна сберегла в себя даже во время тяжелой болезни. Не стало Гончаровой 17 октября 1962 года. Отмечено, что последней заметной работой художницы был фестиваль, оформленный в 1957 году в Монте-Карло, который посвятили 15-летию со дня кончины М.Фомина. Постановки его балетов в свое время раскрыли Гончарову, как потрясающего художника-стенографа.

НАТАЛИЯ ГОНЧАРОВА . Испанка. Ок. 1916. Холст, масло. 130,3 x 81,3
Christie’s. 02.02.2010. Лот № 39. Эстимейт: 4–6 миллионов фунтов. Результат: 6,43 миллиона фунтов.

Рекордная для Натальи Гончаровой сумма в 6.43 миллиона фунтов стерлингов – в эту сумму была оценена картина «Испанка», написанная в 1916 году. Полотно было продано в феврале 2010 года на Christie’s . Наталья Сергеевна заинтересовалась «испанской» темой еще предреволюционные годы, впоследствии художница возвращалась к этой теме вплоть до 1930 годов. Картина «Испанка» представляет собой динамичную абстрактную конструкцию из треугольных блоков. Композиция передает мощную энергию традиционного испанского танца и яркие краски костюма. Работа появилась на торгах в 1971 году, и ее цена варьировалась от 4 и до 6 миллионов фунтов. Предыдущими владельцами полотна были небезызвестные дилеры, такие как Galerie Gmurzynska в Кёльне, Galerie Beyeler в Базель, Leonard Hutton в Нью-Йорке.

Наталья Гончарова. Цветы. 1916.

Картине «Цветы» принадлежал предыдущий рекорд художницы – полотно было продано в июне 2008 года за 5.52 миллиона фунтов на Christie’s. В этой работе поразительное сочетание энергетики футуризма, приемы лучизма, и желто-красная цветовая гамма, которая особо характерна для иконописи и русского народного творчества. Эта работа относится к одному из наиболее значимых периодов в творчестве Гончаровой. На торги картину выставили с убедительным провенансом, а история работы «Цветы» прослеживается ещё с персональной выставки 1914 года в Париже – в галерее П. Гийома. Эта картина широко известна благодаря публикациям, принимала участие в выставках, а также была частью собраний немецких коллекционеров Хохов.