Городские пейзажи в стиле импрессионизма. Лучшие картины импрессионистов с названиями и фото

В этой статье вы увидите петербургский городской представленный в художественной галерее «Арт-Бриз». Здесь собраны произведения различных авторов, которые выполнены в различных стилях и техниках. Все эти работы объединяет одно — на них изображен Санкт-Петербург, такой, каким его увидел художник.

Городской пейзаж , как жанр живописи сформировался довольно поздно, в 18-м веке. Именно тогда города стали приобретать свой современный характер и число городских жителей начало стремительно увеличиваться. До этого лишь некоторые средневековые художники изображали города на своих полотнах. Эти изображения были очень примитивными, в них отсутствовала топографическая точность и служили они для обозначения места действия событий, которым посвящался сюжет картины. Родоначальниками городского пейзажа в живописи можно назвать голландских художников 17-го века Вермера Делфтского, Я.Гойена и Я.Рейсдала. Именно на их произведениях можно встретить городской пейзаж таким, каким мы привыкли его видеть на современных картинах.

Современные художники, которые выставляют собственные городские пейзажи в питерской художественной галерее «Ар-Бриз», изображают Санкт-Петербург, в основном, туманным приморским городом с оживленной жизнью и великолепной архитектурой. Большая часть картин созданы в стиле импрессионизма и классики. Насыщенность красок и возможность заполнения холста светом, которую предоставляет техника живописи импрессионистов, наиболее полно позволяет отразить дух этого города на Неве!

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)

Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекция

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840-1926 гг.)

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье

3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)

Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru

Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье

4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье

5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж

Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

string(5796) "Выделению ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА в отдельный жанр способствовал архитектурный пейзаж. Мастера этого направления, складывавшегося под влиянием теории линейной перспективы, видели свою главную задачу в построении сложной, тщательно разработанной композиции, с учетом одной, главной точки зрения. Большой вклад в развитие этого жанра внесли итальянские художники эпохи Возрождения — Рафаэль, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья. Почти одновременно с архитектурным пейзажем развивалось и другое направление — изображение городских ландшафтов. Немецкие, голландские и французские живописцы ХVI-ХVII вв привозили из путешествий многочисленные альбомы с натурными зарисовками. К середине ХVII века ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ прочно занимает позиции в качестве самостоятельного жанра, становясь излюбленным сюжетом голландских художников. При изображении уголков Амстердама, Делфта, Харлема, художники стремились сочетать геометрическую четкость городских построек с бытовыми эпизодами и пейзажем. Реальные городские виды можно встретить у таких крупных голландских художников ХVII века как Я.Гойен, Я.Рейсдал, Вермеер Дельфтский. Один из наиболее ярких и удачных примеров ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА этого периода — «Вид города Делфта» Вермеера Дельфтского, поэтически воспевшего образ родного города. В ХVIII веке сформировалась особая разновидность пейзажного жанра, тесно связанная с ГОРОДСКИМ ПЕЙЗАЖЕМ, — ведута. Ведута, в зависимости от характера воспроизведения городской местности, подразделялась на реальную, идеальную или фантастическую. В реальной ведуте художник старательно и скрупулезно изображал реальные здания в реальном ландшафте, в идеальной — реальные здания были изображены в окружении вымышленного ландшафта, фантастическая ведута была целиком и полностью фантазией автора. Расцветом этого вида живописи стала венецианская ведута, а главой школы венецианских ведутистов — художник Антонио Каналетто. В эпоху романтизма у художников сохранялся интерес к изображению археологических памятников, старины, античных храмов. В середине ХIХ века художники-пейзажисты обратились к жанровым сценам. ГОРОДСКИЕ ПЕЙЗАЖИ, запечатлевшие виды Лондона, встречаются на гравюрах французского художника Гюстава Доре. Интересовали городские виды, правда уже Парижа, и другого французского художника, мастера ГОРОДСКИХ ПЕЙЗАЖЕЙ, Оноре Домье. Новую страницу в истории ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА открыли художники-импрессионисты. Их внимание привлекали мотивы улиц в разное время дня, вокзалы, силуэты и очертания зданий. Стремление передать ритм жизни города, уловить постоянно меняющееся состояние атмосферы и освещение привели импрессионистов к открытию новых средств художественной выразительности.
В разделе картин, посвященных ГОРОДСКОМУ ПЕЙЗАЖУ, представлены предметы с изображением различных городов, архитектурных памятников, улиц и достопримечательностей. В данном разделе Вы найдете виды Москвы, Санкт-Петербурга, а также Рима и многих других городов. Мы предлагаем Вам купить предметы из раздела ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ в нашем Комиссионном Антикварном Магазине. Раздел ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ постоянно обновляется, следите за новыми поступлениями. "

ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ — жанр изобразительного искусства, в котором основным сюжетом становится изображение города, его улиц и зданий. Первоначально ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ не был самостоятельным жанром, городские виды средневековые художники использовали лишь как обрамление библейских сцен. По-новому переосмыслили ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ старонидерландские мастера, которые с особой тщательностью и любовью запечатлевали окружающий мир.

Выделению ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА в отдельный жанр способствовал архитектурный пейзаж. Мастера этого направления, складывавшегося под влиянием теории линейной перспективы, видели свою главную задачу в построении сложной, тщательно разработанной композиции, с учетом одной, главной точки зрения. Большой вклад в развитие этого жанра внесли итальянские художники эпохи Возрождения — Рафаэль, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья. Почти одновременно с архитектурным пейзажем развивалось и другое направление — изображение городских ландшафтов. Немецкие, голландские и французские живописцы ХVI-ХVII вв привозили из путешествий многочисленные альбомы с натурными зарисовками. К середине ХVII века ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ прочно занимает позиции в качестве самостоятельного жанра, становясь излюбленным сюжетом голландских художников. При изображении уголков Амстердама, Делфта, Харлема, художники стремились сочетать геометрическую четкость городских построек с бытовыми эпизодами и пейзажем. Реальные городские виды можно встретить у таких крупных голландских художников ХVII века как Я.Гойен, Я.Рейсдал, Вермеер Дельфтский. Один из наиболее ярких и удачных примеров ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА этого периода — «Вид города Делфта» Вермеера Дельфтского, поэтически воспевшего образ родного города. В ХVIII веке сформировалась особая разновидность пейзажного жанра, тесно связанная с ГОРОДСКИМ ПЕЙЗАЖЕМ, — ведута. Ведута, в зависимости от характера воспроизведения городской местности, подразделялась на реальную, идеальную или фантастическую. В реальной ведуте художник старательно и скрупулезно изображал реальные здания в реальном ландшафте, в идеальной — реальные здания были изображены в окружении вымышленного ландшафта, фантастическая ведута была целиком и полностью фантазией автора. Расцветом этого вида живописи стала венецианская ведута, а главой школы венецианских ведутистов — художник Антонио Каналетто. В эпоху романтизма у художников сохранялся интерес к изображению археологических памятников, старины, античных храмов. В середине ХIХ века художники-пейзажисты обратились к жанровым сценам. ГОРОДСКИЕ ПЕЙЗАЖИ, запечатлевшие виды Лондона, встречаются на гравюрах французского художника Гюстава Доре. Интересовали городские виды, правда уже Парижа, и другого французского художника, мастера ГОРОДСКИХ ПЕЙЗАЖЕЙ, Оноре Домье. Новую страницу в истории ГОРОДСКОГО ПЕЙЗАЖА открыли художники-импрессионисты. Их внимание привлекали мотивы улиц в разное время дня, вокзалы, силуэты и очертания зданий. Стремление передать ритм жизни города, уловить постоянно меняющееся состояние атмосферы и освещение привели импрессионистов к открытию новых средств художественной выразительности.
В разделе картин, посвященных ГОРОДСКОМУ ПЕЙЗАЖУ, представлены предметы с изображением различных городов, архитектурных памятников, улиц и достопримечательностей. В данном разделе Вы найдете виды Москвы, Санкт-Петербурга, а также Рима и многих других городов. Мы предлагаем Вам купить предметы из раздела ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ в нашем Комиссионном Антикварном Магазине. Раздел ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ постоянно обновляется, следите за новыми поступлениями.

ЧИТАТЬ ПОЛНОСТЬЮ

Коровин Константин Алексеевич - выдающийся русский художник, декоратор, один из крупнейших русских художников рубежа веков(19-20). Коровин - мастер пленэра, автор пейзажей, жанровых картин, натюрмортов, портретов. Родился художник в Москве. Учился в Петербурге и Москве, у Саврасова и Поленова. Константин Коровин входил в объединения: «Товарищество передвижных художественных выставок», «Союз русских художников» и «Мир искусства». Считается одним из самых ярких представителей «русского импрессионизма».

В творчестве Коровина видно стремление достичь синтетических живописных решений через светотеневые модуляции, гармонию тональных отно­шений. Таковы «Северная идиллия» (1886), «У балкона. Испанки Леонора и Ампара» (1888), «Гаммерфест. Северное сияние» (1895) и другие. А рядом вещи иной «коровин­ской» ориентации - портрет солистки Русской частной опе­ры Т. С. Любатович (2-я пол. 1880-х), привлекающий изы­сканной колористической концепцией, ликующе-празднич­ным образным строем, или этюд начала 1890-х годов «Па­рижское кафе», где впервые у Коровина так проникновен­но передан едва уловимый живописный «аромат» самого воздуха французской столицы.

Ядро метода Коровина - умение самый заурядный и даже явно не­привлекательный мотив преобразить посредством точно увиденного и как бы мгновенно запечатленного цветового его содержания в высокое эстетическое зрелище.

Париж на картинах Коровина

Пребывание в Париже во время подготовки Всемирной выставки - пребывание это было вторичным и гораздо более осмысленным - открыло глаза художнику на совре­менную французскую живопись. Он изучает импрессиони­стов, столь созвучных его устремлениям, но остается чужд всем постимпрессионистическим движениям. В 1900-е годы Коровин создает свою знаменитую серию «Парижей». В от­личие от импрессионистов, его виды Парижа написаны гораздо более непосредственно и эмоционально. В них преоб­ладает желание мастера «сорвать очарование, которое в дан­ный момент заключено в пейзаже» (по словам ученика Коровина Б. Иогансона).

Художник ищет тончайшие переходные и неожиданные состояния в жизни города - утренний Париж, Париж в сумерках, вечерний и ночной город («Париж, Утро», 1906; «Париж вечером», 1907; «Сумерки в Париже», 1911). Ут­ренняя дымка и трепетный свет встающего солнца, сирене­вые сумерки с еще не потускневшей зеленью деревьев и уже зажигающимися фонарями, бархатная густота темно- синего неба и яркая лихорадочная россыпь огней ночного Парижа... Коровин в этих маленьких вещах достигает почти документальной истинности зрительного впечатле­ния, а между тем это приводит к удивительной одухотво­ренности, первозданности образа города. Благодаря методу комплексного цветотонального решения он в маленьком этюде добивался, и предельной высказанности на уровне большой законченной картины, и эффекта волнующей эмо­циональной причастности зрителя увиденному.

«Мне хочется, чтобы глаз зрителя тоже эстетически на­слаждался, как ухо души - музыкой», - сказал как-то Коровин.

Фотографии картин

Париж на картинах Коровина