Музыкальные инструменты в эпоху просвещения. Музыкальная культура эпохи просвещения

Музыка барокко - период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма. Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660-1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo. Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов, в том числе Иоганн Бах. Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

17. Музыка эпохи Просвещения (реализм, романтизм, импрессионизм).

В эпоху Просвещения происходит небывалый взлет музыкального искусства. После реформы, проведенной К.В.Глюком (1714–1787), опера становится синтетическим искусством, соединяющим в одном спектакле музыку, пение и сложное драматическое действие. На высшую ступень классического искусства поднял Ф. Й.Гайдн (1732–1809) инструментальную музыку. Вершиной музыкальной культуры Просвещения является творчество И.С.Баха (1685–1750) и В.А.Моцарта (1756–1791). Особенно ярко просветительский идеал проступает в опере Моцарта «Волшебная флейта» (1791), которую отличает культ разума, света, представление о человеке как о венце Вселенной. Оперное искусство 18 века Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж.Руссо.

18. Жанровое разнообразие эпохи Возрождения (барокко, классицизм).

В развитии классицизма отмечают два исторических этапа. Выросший из искусства Возрождения классицизм XVII века развивался одновременно с барокко, отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в этот период наибольшее развитие получил во Франции. Поздний классицизм, связанный с Просвещением, приблизительно с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с венской классической школой.

Сложные взаимоотношения классицизма и барокко ещё в начале XX века породили дискуссию: многие музыковеды, прежде всего в Германии, рассматривают барокко как единый стиль европейской музыки между Возрождением и Просвещением - приблизительно до середины XVIII века, до И. С. Баха и Г. Ф. Генделя включительно. Во Франции, на родине классицизма, некоторые музыковеды, напротив, склонялись к чрезмерно расширительному толкованию этого понятия, рассматривая стиль барокко как одно из частных проявлений классицизма.

Периодизация эпох осложнена тем обстоятельством, что в различных национальных культурах музыкальные стили получали распространение в разное время; бесспорным является то, что в середине XVIII века классицизм восторжествовал практически повсеместно. К этому направлению принадлежат, в частности, реформаторские оперы К. В. Глюка, ранняя венская и мангеймская школы. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы - с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена.

Классицизм как художественное направление сложился во Франции в первой половине XVII века: возникший ещё в эпоху Возрождения интерес к античной культуре, породивший в различных видах искусства подражания античным образцам, в абсолютистской Франции превратился в нормативную эстетику, основанную на «Поэтике» Аристотеля и дополнившую её рядом специальных жёстких требований.

Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты, с симфонии.

В музыке к концу XVII--XVIII вв. начинает складываться тот язык, на котором потом заговорит вся Европа. Первыми были немецкие композиторы Иоган Себастьян Бах (1685--1750) и Георг Фридрих Гендель (1685--1759) Гриненко Г.В. Хрестоматия по истории мировой культуры.- М.: 1998, с.-398..

Великий немецкий композитор и органист Бах работал во всех музыкальных жанрах, кроме оперы. Он непревзойденный мастер симфонии. Его оркестровая музыка включает концерты для клавишных инструментов и скрипки, оркестровые сюиты. Значительна музыка Баха для клавира и органа, его фуги и хоралы.

Как и Бах, Гендель, использовал библейские сюжеты для своих произведений. Наиболее известные его произведения -- оратории "Израиль в Египте", "Мессия". Гендель написал более 40 опер, а также органные концерты, сонаты, сюиты.

Огромное влияние на музыкальное искусство Европы оказала венская классическая школа и ее виднейшие мастера -- Гайдн, Моцарт и Бетховен. Венские классики переосмыслили и заставили зазвучать по-новому все музыкальные жанры и формы.

"Отцом симфонии" называют Йозефа Гайдна (1732--1809), учителя Моцарта и Бетховена. Им было создано более 100 симфоний. В основе многих из них -- темы народных песен и танцев, которые композитор разрабатывал с удивительным искусством. Вершина его творчества -- "12 Лондонских симфоний", написанных во время триумфальных поездок композитора в Англию в 90-х гг. Гайдн написал множество замечательных квартетов и клавирных сонат, свыше 20 опер, 14 месс, большое количество песен и других сочинений, довел до классического совершенства симфонию, квартет сонату. В конце творческого пути он создал две монументальные оратории -- "Сотворение Мира" и "Времена года", в которых выражены мысли о величии мироздания человеческой жизни.

Вольфганг Амадей Моцарт (1756--1791) еще в детстве поражал незаурядными способностями: был виртуозом-исполнителем, сочинял в большом количестве музыку. Необыкновенные способности Вольфганга развивались под руководством его отца -- скрипача и композитора Леопольда Моцарта. С 1781 г. Моцарт живет в Вене, здесь наступает расцвет его творческого гения. В операх "Похищение из Сераля", "Свадьба Фигаро", "Дон Жуан", "Волшебная флейта" Моцарт с изумительным мастерством создает разнообразные и живые человеческие характеры, показывает жизнь в ее контрастах, переходя от шутки к глубокой серьезности, от веселья -- к тонкой поэтической лирике.

Эти же качества присущи и его симфониям, сонатам, концертам, квартетам, в которых он создает высшие классические образцы жанров. Вершинами классического симфонизма стали три его симфонии (всего Моцартом было написано около 50): "Ми бемоль мажор" (№39) -- жизнь человека полна радости, игры, веселого танцевального движения; "Соль минор" (№40) -- глубокая лирическая поэзия движения человеческой души, драматичность ее стремлений; "До-мажор" (№41), названная современниками "Юпитер", - обнимает весь мир с его контрастами и противоречиями, утверждая разумность и гармоничность его устройства.

Музыка Моцарта являет высочайшее достижение классицизма по совершенству мелодий и форм.

"Музыка должна высекать огонь из людских сердец", -- говорил Людвиг Ван Бетховен (1770--1827), чье творчество принадлежит к высшим достижениям человеческого гения. Человек республиканских взглядов, он утверждал достоинство личности художника-творца. Бетховен вдохновлялся героическими сюжетами. Таковы его единственная опера "Фиделио" и увертюры "Эгмонт", "Леонора", "Кориапан", фортепианная соната №23. Завоевание свободы в результате упорной борьбы -- вот главная идея его творчества.

Вся зрелая творческая жизнь Бетховена связана с Веной, где он уже юношей восхитил своей игрой Моцарта, занимался у Гайдна, здесь прославился как пианист. Стихийная сила драматических столкновений, возвышенность философской лирики, сочный, порой грубоватый юмор -- все это мы можем встретить в бесконечно богатом мире его сонат (всего им написаны 32 сонаты). Лирико-драматические образы Четырнадцатой ("Лунной") и Семнадцатой сонат отразили отчаяние композитора в самый тяжелый период жизни, когда Бетховен был близок к самоубийству из-за потери слуха. Но кризис был преодолен: появление Третьей ("Героической") симфонии ознаменовало победу человеческой воли. В период с 1803 по 1813 гг. он создал большинство симфонических произведений. Разнообразие творческих исканий поистине безгранично. Композитора привлекали и камерные жанры (вокальный цикл "К далекой возлюбленной"). Бетховен стремится проникнуть в сокровенные глубины внутреннего мира человека.

Апофеоз его творчества -- Девятая ("Хоральная") симфония и Торжественная месса. Девятая симфония включает отрывок из шиллеровской "Оды к радости", избранной гимном Европы.

Век Просвещения. 18 век в истории не случайно называют эпохой Просвещения: научное знание, ранее бывшее достоянием узкого круга ученых, вышло за пределы университетов и лабораторий в светские салоны Парижа и Лондона 18 век в истории не случайно называют эпохой Просвещения: научное знание, ранее бывшее достоянием узкого круга ученых, вышло за пределы университетов и лабораторий в светские салоны Парижа и Лондона

Иоганн Себастьян бах Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 в Эйзенахе, маленьком тюрингском городке в Германии, где его отец Иоганн Амброзиус служил городским музыкантом, а дядя Иоганн Кристоф – органистом. Счастливое детство кончилось для него в девятилетнем возрасте, когда он потерял мать, а через год и отца. Сироту взял на воспитание в свой скромный дом старший брат, органист в ближнем Ордруфе; там мальчик снова пошел в школу и продолжил занятия музыкой с братом. В Ордруфе Иоганн Себастьян провел 5 лет. Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 в Эйзенахе, маленьком тюрингском городке в Германии, где его отец Иоганн Амброзиус служил городским музыкантом, а дядя Иоганн Кристоф – органистом. Счастливое детство кончилось для него в девятилетнем возрасте, когда он потерял мать, а через год и отца. Сироту взял на воспитание в свой скромный дом старший брат, органист в ближнем Ордруфе; там мальчик снова пошел в школу и продолжил занятия музыкой с братом. В Ордруфе Иоганн Себастьян провел 5 лет.

Иоганн Себастьян Бах В 1702 в возрасте 17 лет Бах вернулся в Тюрингию и, послужив немного в качестве «лакея и скрипача» при Веймарском дворе, получил место органиста Новой церкви в Арнштадте, городе, где Бахи служили как до, так и после него, вплоть до Благодаря блестяще прошедшему испытательному выступлению, ему сразу назначили жалованье, намного превосходившее то, которое платили его родственникам. В 1702 в возрасте 17 лет Бах вернулся в Тюрингию и, послужив немного в качестве «лакея и скрипача» при Веймарском дворе, получил место органиста Новой церкви в Арнштадте, городе, где Бахи служили как до, так и после него, вплоть до Благодаря блестяще прошедшему испытательному выступлению, ему сразу назначили жалованье, намного превосходившее то, которое платили его родственникам.

Иоганн Себастьян Бах Он оставался в Арнштадте до 1707, покинув город в 1705, чтобы присутствовать на знаменитых «вечерних концертах», которые проводил в Любеке, на севере страны, блестящий органист и композитор Дитрих Букстехуде. Очевидно, в Любеке была настолько интересно, что Бах провел там четыре месяца вместо четырех недель, которые испросил в качестве отпуска. Последовавшие неприятности по службе, а также недовольство слабым и необученным арнштадтским церковным хором, которым он был обязан руководить, заставили Баха искать новое место. Он оставался в Арнштадте до 1707, покинув город в 1705, чтобы присутствовать на знаменитых «вечерних концертах», которые проводил в Любеке, на севере страны, блестящий органист и композитор Дитрих Букстехуде. Очевидно, в Любеке была настолько интересно, что Бах провел там четыре месяца вместо четырех недель, которые испросил в качестве отпуска. Последовавшие неприятности по службе, а также недовольство слабым и необученным арнштадтским церковным хором, которым он был обязан руководить, заставили Баха искать новое место.

Иоганн Себастьян Бах 1723 году живет с семьей в Лейпциге. Здесь он создает свои лучшие произведения году живет с семьей в Лейпциге. Здесь он создает свои лучшие произведения. На его художественное развитие оказало воздействие знакомство с творениями выдающихся итальянских мастеров, особенно Антонио Вивальди, чьи оркестровые концерты Бах перекладывал для клавишных инструментов: подобная работа помогла ему овладеть искусством выразительной мелодии, усовершенствовать гармоническое письмо, развить чувство формы. На его художественное развитие оказало воздействие знакомство с творениями выдающихся итальянских мастеров, особенно Антонио Вивальди, чьи оркестровые концерты Бах перекладывал для клавишных инструментов: подобная работа помогла ему овладеть искусством выразительной мелодии, усовершенствовать гармоническое письмо, развить чувство формы.

Вольфганг Амадей Моцарт Австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца Л. Моцарта. Первые сочинения появились в С 5-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. Австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца Л. Моцарта. Первые сочинения появились в С 5-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии.

Вольфганг Амадей Моцарт Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры.

Людвиг Ван Бетховен Основные произведения 9 симфоний 11 увертюр 5 концертов для фортепиано с оркестром Концерт для скрипки с оркестром 16 струнных квартетов 6 трио для струнных, духовых и смешанных составов 6 юношеских сонат для фортепиано 32 сонаты для фортепиано (сочинены в Вене) 10 сонат для скрипки и фортепиано 5 сонат для виолончели и фортепиано 32 вариации (до минор) Багатели, рондо, экосезы, менуэты и другие пьесы для фортепиано (около 60) Опера Фиделио Торжественная месса Обработки народных песен (шотландских, ирландских, валлийских) Около 40 песен на слова различных авторов

Людвиг Ван Бетховен Бетховен родился в Бонне, предположительно 16 декабря 1770 (крещен 17 декабря). В его жилах кроме немецкой текла и фламандская кровь: дед композитора по отцу, тоже Людвиг, родился в 1712 в Малине (Фландрия),. В восемь лет маленький Бетховен дал первый концерт в городе Кёльне. Концерты мальчика состоялись и в других городах. Отец, видя, что не может больше ничему научить сына, перестал с ним заниматься, а когда мальчику исполнилось десять лет, забрал его и из школы Бетховен родился в Бонне, предположительно 16 декабря 1770 (крещен 17 декабря). В его жилах кроме немецкой текла и фламандская кровь: дед композитора по отцу, тоже Людвиг, родился в 1712 в Малине (Фландрия),. В восемь лет маленький Бетховен дал первый концерт в городе Кёльне. Концерты мальчика состоялись и в других городах. Отец, видя, что не может больше ничему научить сына, перестал с ним заниматься, а когда мальчику исполнилось десять лет, забрал его и из школы

В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски - круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы.

Главное достижение русского Просвещения - расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму .

Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки . По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором . Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах . Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта .

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза . Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria , называлась «Цефал и Прокрис» .

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами» , поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» - за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар-тесному концерту приходит новое художественное явление - ду-ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции - от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.

Русский духовный хоровой концерт

В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец - полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).

Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.

В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.

Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала - церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.

Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso , то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения.В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.

Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

Максим Созонтович Березовский(1745-1777)

М. С. Березовский - выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему , однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открываетновый этап - эпоху русского классицизма.

Имя Березовского называется в числе родоначальниковклассического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.

Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости» . Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.

И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему ( I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами ( II часть - «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема - молитва надежды («Боже мой, не удалися» - III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.

Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут...», которая является вершиной в развитии всего цикла.

Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825)

Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро - медленно - быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.

Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).

Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера - Концерт № 32 , отмеченный П.И. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим...». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть - короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Сборники русских песен

Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.

Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова и Ивана Прача («Собрание народных русских песен с их голосами»).

В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику(«О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.

Песни из этих сборников использовались как любителями музы-ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво-их произведений - опер, инструментальных вариаций, сим-фонических увертюр.

К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова» . О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно .

Русская национальная композиторская школа

С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы . Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, гдерасцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе - основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.

Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды . Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).

По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни - поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.

Русская комическая опера

Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.

Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.

Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях . Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник - колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского . Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).

Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров - Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же - Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.

Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыгралВасилий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) -один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.

Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчествеЕвстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе» .(1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова - И. Прача.

В другом своем сочинении - мелодраме «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) - Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.

В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.

Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).

Бытовая вокальная лирика

Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора - городской песни .Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту - новойманере исполнения: ее мелодия сопро-вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин-струмента.

В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки - «российская песня» . Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты . Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.

Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II , образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов , автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759).По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.

Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).

В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра - Федор Дубянский и Осип Козловский . Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз-витую фортепианную партию, более сложную форму,можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).

В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма . Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».

Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).

Камерно-инструментальная музыка

В 70-80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.

Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.

Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы - ме-нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы - и вариа-ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы - композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог.Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.

В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом.С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.

Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.

Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.

Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочиненийкомпозитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалосьврукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.

Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками. капелле, ввоенных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.

Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчиваетсявеселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.

На почтовой станции - подставе -собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг - вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.

Мелодрама - театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.

Эпоха Просвещения и оперное искусство 18 века.

Новый этап развития сознания человека - Эпоху Просвещения - подготовили многие события. Великая промышленная революция в Англии и Великая французская революция послужили провозвестником нового порядка вещей, при котором движущей силой развития общества выступают научные и культурные идеи, а главным субъектом исторических преобразований, его зачинщиком является интеллигенция. С тех пор ни одного крупного события в Европе не проходило без руководящей роли или непосредственного участия именно этого слоя населения Просвещение создало новый тип людей - интеллигентов, людей науки и культуры Они рекрутировались из всех слоев общества, но прежде всего из третьего сословия, вышедшего на арену истории и заявившего о себе и в искусстве. Утверждение просветительных идей шло во многом от имени этого сословия. Подход к жизни и мировосприятие определял разум. Разумный подход к жизни одновременно призывал к добродетелям человека и создавал человека практичного и предприимчивого. Рассудительность, честность, трудолюбие и великодушие - вот основные достоинства положительного героя просветительской драмы и романа.

Основные события того времени - Французская революция и Декларация независимости США, открытие новой планеты Уран и музыка Бетховена, Гайдна, Моцарта, оперы Глюка и эволюционная теории развития и множества видов Ламарка и многое другое.

В разных странах эпоха Просвещения наступила не в одно и то же время. Первой в новую эру вступила Англия - в конце XVII века. В середине XVIII века центр нового мышления переместился во Францию. Просвещение явилось завершением мощного революционного всплеска, захватившего ведущие страны Запада. Правда, то были мирные революции: промышленная - в Англии, политическая - во Франции, философско-эстетическая - в Германии. За сто лет - с 1689 по 1789 год - мир изменился до неузнаваемости.

Важнейшими представителями культуры Просвещения являются: Вольтер, Ж.-Ж. Руссо, Ш. Монтескье, К.А. Гельвеций, Д. Дидро во Франции, Дж. Локк в Великобритании, Г.Э. Лессинг, И.Г. Гердер, И.В. Гете, ф. Шиллер в Германии, Т. Пейн, Б. Франклин, Т. Джефферсон в США, Н.И. Новиков, А.Н. Радищев в России.

В своих высших проявлениях буржуазная культура в XVIII столетии выразила себя через научную идеологию. В философии Просвещение выступало против всякой метафизики, способствуя развитию естествознания и вере в социальный прогресс. Эпоху Просвещения называют еще именами великих философов: во Франции - веком Вольтера, в Германии - веком Канта, в России - веком Ломоносова и Радищева. Просвещение во Франции связано с именами Вольтера, Жан-Жака Руссо, Дени Дидро, Шарля Луи Монтескье, Поля Анри Гольбаха и др. Целый этап просветительского движения Франции связан с именем великого французского писателя и философа Ж.-Ж. Руссо (1712-1778). В "Рассуждениях о науках и искусствах" (1750) Руссо впервые сформулировал главную тему своей социальной философии - конфликт между современным обществом и человеческой природой. О нём мы ещё вспомним в разговоре об опере.

Философия Просвещения в Германии формировалась под влиянием Христиана Вольфа (1679-1754), систематизатора и популяризатора учения Г. Лейбница.

Огромное воздействие на целую эпоху в истории культуры Германии и на развитие европейской культуры в целом оказало немецкое литературное движение 70-80-х годов XVIII века "Буря и натиск" ("Sturm und Drang"; название по одноименной драме Ф. М. Клингера), заявившее о стремлении изменить моральные и общественные нормы.

Великий немецкий поэт, драматург и теоретик искусства Просвещения Фридрих Шиллер наряду с Г. Э. Лессингом и И. В. Гете явился основоположником немецкой классической литературы. Особая роль в становлении немецкого Просвещения принадлежит великому поэту и писателю Иоганну Вольфгангу Гете. Искусство, в том числе и музыка, всегда выражало идеи эпохи.

"Нет ничего выше и прекраснее, чем давать счастье многим людям!" - Людвиг ван Бетховен.

Ответом на всё, что происходило в мире, в искусстве появились новые направления. Эпоху Просвещения характеризует противостояние двух стилей-антагонистов - классицизма, основанного на рационализме и возвращении к идеалам античности и возникшего как реакция на него романтизма, исповедующего чувственность, сентиментализм, иррациональность. Барокко, классицизм и романтизм проявили себя во всем - от литературы до живописи, скульптуры и архитектуры, а рококо - в основном только в живописи и скульптуре.

Барокко как художественному стилю, развившемуся в Европе в 1600 - 1750 гг., присущи выразительность, пышность, динамика. Искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей, подчеркивало драматичность душевных переживаний человека в современном мире. Высочайшими достижениями представлена барочная культура в изобразительном искусстве (Рубенс, Ван Дейк, Веласкес, Рибера, Рембрандт), в архитектуре (Бернини, Пюже, Куазевокс), в музыке (Корелли, Вивальди).

Во французском искусстве 18 в. ведущим направлением стало рококо. Всё искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства - игривого, насмешливого, вычурного, дразнящего чувства. Не случайно происхождение термина "рококо" возводят к слову "раковина" (фр. rocaille).

Основное же направление - Классицизм, относимый исследователями к культуре Нового Времени, как стиль и мировоззрение сформировался под эгидой идей, свойственных эпохе Возрождения, но сузив и несколько изменив основные критерии. Классицизм апеллировал не к античности в целом, а непосредственно к древнегреческой классике - наиболее гармоничному, соразмерному и спокойному периоду в истории древнегреческой цивилизации. Классицизм заметнее всего был взят "на вооружение" абсолютистскими государствами; руководителям которых импонировала идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Государственные власти претендовали на разумность данного общественного устройства, хотели, чтобы в нем видели объединяющее, героически-возвышенное начало. Идеи "долга", "служения" стали важнейшими в этике и эстетике классицизма. Он, в противовес барокко, актуализировал другую сторону гуманистических идеалов - стремление к разумному, гармоническому строю жизни. Закономерно, что в эпоху национального сплочения, преодоления феодальной раздробленности подобная идея жила в самих недрах народного сознания. Зарождение классицизма обычно связывают с французской культурой. В эпоху Людовика XIV этот стиль обретает строгие, незыблемые формы.

Духовная музыка этого периода - музыка печали, но это не вселенская скорбь барокко, а светлая грусть классицизма. Если в мессах барокко звучание плотно и насыщено густыми полифоническими линиями голосов, то в музыке классицизма звучание легко и прозрачно - только щемящие диссонансы и меланхолический минор иногда омрачают его. Духовная музыка композиторов-классиков - это по сути музыка светская, музыка нового классического века. Джованни Перголези (умер очень молодым, в 26 лет) был первым, кто услышал и понял, какой она должна быть.. Stabat Mater - его последнее сочинение, которое больной композитор мог адресовать самому себе. Свет и надежда, проглядывающие сквозь печаль Stabat Mater, еще раз напоминают об известном выражении, которым философы ХХ века характеризовали век Просвещения: "Классицизм - это мужество невозможного".

В прочих жанрах философия эпохи Просвещения также нередко находила отражение. Например, по указаниям Моцарта в пьесу "Похищение из сераля" были внесены многочисленные изменения, настолько значительные, что либреттист Бретцнер дважды протестовал в газетах против ее якобы искажения. Решительно изменился образ Селима; небольшая по объему, его роль приобрела важный идейный смысл. У Бретцнера Селим узнает в Бельмонте своего пропавшего сына и отпускает пленников на свободу. У Моцарта магометанин, "дикарь", дитя природы дает христианам урок высокой морали: он отпускает на волю сына своего кровного врага, говоря о радости платить благодеянием за причиненное зло. Такой поступок был совершенно в духе просветительской философии и идеалов Руссо.

Оперное искусство 18 века
С тех пор, как появилась, опера не знала перерывов в своем развитии. Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж.Руссо. Руссо занимался также музыкой, и если в философии он призывал вернуться к природе, то в оперном жанре ратовал за возвращение к простоте. В 1752, за год до прошедшей с успехом парижской премьеры Служанки-госпожи Перголези, Руссо сочинил собственную комическую оперу Деревенский колдун, за которой последовали язвительные Письма о французской музыке, где главным предметом нападок стал Рамо. Идея реформы носилась в воздухе. Расцвет разных видов комической оперы был одним из симптомов; другим явились Письма о танце и балетах французского хореографа Ж. Новера (1727-1810), в которых развивалась идея балета как драмы, а не просто зрелища. Человеком, который воплотил реформу в жизнь, стал К.В.Глюк (1714-1787). Подобно многим революционерам, Глюк начинал свой как приверженец традиции. В течение ряда лет он ставил одну за другой трагедии в старом стиле и обращался к комической опере скорее под давлением обстоятельств, чем по внутреннему побуждению. В 1762 он познакомился с Р. ди Кальцабиджи (1714-1795), другом Казановы, которому было суждено вернуть оперные либретто к идеалу естественной выразительности, выдвинутому Флорентийской камератой. Оперное искусство разных стран обладает своими особенностями. Италия. После Монтеверди в Италии один за другим появились такие оперные композиторы, как Кавалли, Алессандро Скарлатти (отец Доменико Скарлатти, крупнейший из авторов произведений для клавесина), Вивальди и Перголези.

Расцвет комической оперы. Из Неаполя берет свое начало еще один вид оперы - опера-буффа (opera-buffa), возникшая как закономерная реакция на оперу-сериа. Увлечение этим видом оперы быстро охватило города Европы - Вену, Париж, Лондон. От своих прежних властителей - испанцев, которые правили Неаполем с 1522 по 1707, город получил в наследство традицию простонародной комедии. Порицаемая строгими педагогами в консерваториях, комедия, однако, увлекала студентов. Один из них, Дж. Б. Перголези (1710-1736), в возрасте 23 лет написал интермеццо, или маленькую комическую оперу Служанка-госпожа (1733). И прежде композиторы сочиняли интермеццо (их обычно играли между актами оперы-сериа), однако творение Перголези имело сногсшибательный успех. В его либретто речь шла не о подвигах древних героев, а о вполне современной ситуации. Основные персонажи принадлежали к типам, известным по "комедии дель арте" - традиционной итальянской комедии-импровизации со стандартным набором комических амплуа. Жанр оперы-буффа получил замечательное развитие в творчестве таких поздних неаполитанцев, как Дж. Паизиелло (1740-1816) и Д. Чимароза (1749-1801), не говоря уже о комических операх Глюка и Моцарта. Франция. Во Франции на смену Люлли пришел Рамо, господствовавший на оперной сцене всю первую половину 18 века.

Французской аналогией оперы-буффа явилась "комическая опера" (opera comique). Такие авторы, как Ф. Филидор (1726-1795), П. А. Монсиньи (1729-1817) и А. Гретри (1741-1813), приняли близко к сердцу перголезиевскую насмешку над традициями и выработали собственную модель комической оперы, которая в соответствии с галльскими вкусами предусматривала введение разговорных сцен вместо речитативов. Германия. Считается, что в Германии опера была менее развита. Дело в том, что многие немецкие оперные композиторы работали за пределами Германии - Гендель в Англии, Гассе в Италии, Глюк в Вене и Париже, в то время как немецкие придворные театры были оккупированы модными итальянскими труппами. Зингшпиль, местный аналог оперы-буффа и французской комической оперы, начал свое развитие позже, чем в латинских странах. Первым образцом этого жанра стал "Черт на свободе" И. А. Хиллера (1728-1804), написанный в 1766, за 6 лет до моцартовского Похищения из сераля. По иронии судьбы великие немецкие поэты Гёте и Шиллер вдохновляли не отечественных, а итальянских и французских оперных композиторов.

Романтизм соединился с зингшпилем в Фиделио - единственной опере Л. ван Бетховена (1770-1827). Убежденный сторонник идеалов равенства и братства, выдвинутых Великой французской революцией, Бетховен выбрал сюжет о верной жене, избавляющей от тюрьмы и казни несправедливо осужденного мужа. Композитор необычайно тщательно отделывал оперную партитуру: он закончил Фиделио в 1805, сделал вторую редакцию в 1806 и третью - в 1814. Однако оперный жанр ему не удавался; до сих пор не решено: то ли Бетховену удалось все-таки преобразить зингшпиль в замечательную оперу, то ли Фиделио - это грандиозный провал.

Немецкий композитор Георг Филипп Телеман (1681-1767) сыграл видную роль в развитии оперного театра. Главной чертой его оперного творчества является стремление к музыкальной характеристике персонажей инструментальными средствами. В этом смысле Телеман являлся непосредственным предшественником Глюка и Моцарта. За свою более чем 70-летнюю творческую деятельность Телеман создал во всех известных в то время музыкальных жанрах и в различных стилях существовавшей в 18 веке музыки. Одним из первых он отходит от стиля так называемого "немецкого барокко" и начинает сочинять в "галантном стиле", подготовляя почву для возникающего нового направления музыкального искусства, которое приведёт к классическому стилю венской школы. Он написал более 40 опер. Австрия. Опера в Вене разделилась на три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell" arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями, задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации силы своего голоса.

Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех направлениях, хотя традиция opera seria увядала. Французская революция завершила дело, начатое памфлетами Руссо. Как ни парадоксально, но диктатура Наполеона стала последним взлетом оперы-сериа. Появились такие произведения, как Медея Л. Керубини (1797), Иосиф Э. Мегюля (1807), Весталка Г. Спонтини (1807). Постепенно уходит и комическая опера, а на смену ей в творчестве некоторых композиторов появляется новый тип оперы - романтическая.