Картины эпохи Возрождения. Творчество итальянских художников эпохи Возрождения

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения - это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов .
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек - главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины «Пять мастеров флорентийского Возрождения». Начало 16 века. Лувр, Париж.

14 век. Проторенессанс. Главный ее герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.

Джотто. Оплакивание Христа. Фрагмент

Джотто. Поцелуй Иуды. Фрагмент

Джотто. Святая Анна

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто - это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
Между иконой и реализмом Возрождения».
Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески «Святой Петр на кафедре»). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура - в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако, сами подумайте. 19 картин. И он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагмент фрески "Страшный суд"

Микеланджело. Фрагменты фрески «Страшный суд» в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески «Сотворение Адама». 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вообще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его «Пьету».

Микеланджело. Давид

Микеланджело. Пьета Палестрины

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова «Красота спасёт мир» Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы - не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен.

6. Тициан (1488-1576 гг).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид.

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называя «Королём живописцев и живописцем королей».
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников 19 века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

***
Художники эпохи Возрождения - это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Renaissance - в переводе с французского означает "Возрождение". Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

Изначально термин "Возрождение" означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием "гуманизм", согласно которой человек считается высшей ценностью.

периода Ренессанса

Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

Интернациональная (придворная) готика

Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

Период Предвозрождения (Проторенессанс)

Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII - начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода - Джотто, Пьетро Лоренцетти.

Раннее Возрождение

В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

Высокое Возрождение, или "Золотой век"

С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был "универсальным человеком" и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение "Мадонна в скалах" наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая "Джоконда" выполнена с использованием техники "смуффато", создающая иллюзию дымки.

Позднее Возрождение

В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции - Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

Живопись эпохи Возрождения

Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности - объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.

По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи

XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.

Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.

Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.

Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.

Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников.

Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.

Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). На его фресках фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем. Его холмы и деревья уходят в даль, образуя естественную воздушную среду. Жизнь людей и природы связывается в еденное целое, в единое драматическое действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи.

Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и боле консервативное течение. Художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был брат Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455).

Характерная черта живописи позднего Кватроченто - многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.

Один из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.

В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина - «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.

Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.

Если искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.

Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличии от искусства ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни.

Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.

Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 - 1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам.

Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху.

Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи - через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.

Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.

Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.

Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль утвердил и популяризовал его. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину».

Творчество Рафаэля отличают качества классики - ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса. Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. Для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.

Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.

Историческая заслуга искусства Рафаэля в том, что он связал в одно целое два мира - мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.

Скульптура эпохи Возрождения

Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более но чужд трагическому мироощущению Микеланджело. Микеланджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.

ХV век - время расцвета в Италии монументальной скульптуры. Она выходит из интерьеров на фасады церквей и гражданских зданий, на площади города, становится частью городского ансамбля.

Одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело - пятиметровая статуя Давида на площади во Флоренции, символизирующая победу юного Давида над великаном Голиафом. Открытие памятника превратилось в народное торжество, потому что флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина и защитника республики.

Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. С этим стремлением увековечить образ реального современника связано развитие жанра скульптурного портрета, надгробного монумента, портретной медали, конной статуи. Эти скульптуры украшали площади городов, изменяя их облик.

Скульптура Ренессанса возвращается к античным традициям пластики. Памятники античной скульптуры становятся объектом изучения, образцом пластического языка. Скульптура раньше живописи отходит от средневековых канонов и встает на новый путь развития. Может быть, это объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых храмах. При сооружении больших соборов создавались мастерские, которые обучали скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку. Мастерские скульпторов были ведущими центрами художественной жизни, играли большую роль в изучении античности и анатомии человеческого тела. Достижения скульптуры Раннего Возрождения оказывали большое влияние на живописцев, которые воспринимали живого человека сквозь призму пластики. Скульпторы Ренессанса добиваются полного значения человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды, в которую прятала фигуры средневековая готика. Путь, который проделала Эллада в три века, в эпоху Возрождения совершен тремя поколениями мастеров.

ВНИМАНИЕ: ПОД КАТОМ ОЧЕНЬ БОЛЬШОЙ ТРАФИК
Может, модераторы смогут разбить на несколько?
Заранее благодарю.
РЕНЕССАНС
Итальянское Возрождение

АНДЖЕЛИКО Фра Беато
ДЖОТТО ди Бондоне
МАНТЕНЬЯ Андреа
БЕЛЛИНИ Джовани
БОТТИЧЕЛЛИ Сандро
ВЕРОНЕЗЕ Паоло
да ВИНЧИ Леонардо
ДЖОРДОНЕ
КАРПАЧЧО Витторе
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ
РАФАЭЛЬ Санти
ТИЦИАН

Возрождение, или Ренессанс -
(фр. Renaissance, итал. Rinascimento) -
эпоха в истории культуры Европы,
пришедшая на смену культуре Средних веков и
предшествующая культуре нового времени.
Примерные хронологические рамки эпохи - XIV-XVI века.
Отличительная черта эпохи возрождения - светский характер культуры
и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь,
к человеку и его деятельности).
Появляется интерес к античной культуре,
происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

С классической полнотой Возрождение реализовалось в Италии,
в ренессансной культуре которой различают периоды предвозрожденческих
явлений рубежа 13 и 14 вв. (Проторенессанс), Раннее Возрождение (15 в.),
Высокое Возрождение (конец 15 – 1-я четверть 16 вв.),
Позднее Возрождение (16 в.).
В эпоху Раннего Возрождения средоточием новаторства
во всех видах искусства стала флорентийская школа,
архитекторы (Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, Б. Росселлино, и др.),
скульпторы (Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, А. Росселлино,
Дезидерио да Сеттиньяно и др.), живописцы (Мазаччо, Филиппо Липпи,
Андреа дель Кастаньо, Паоло Уччелло, Фра Анджелико,
Сандро Боттичелли и др.) которой создали пластически цельную,
обладающую внутренним единством концепцию мира,
распространившуюся постепенно по всей Италии
(творчество Пьеро делла Франческа в Урбино, Витторе Карпаччо,
Ф. Коссы в Ферраре, А. Мантеньи в Мантуе, Антонелло да Мессина
и братьев Джентиле и Джованни Беллини в Венеции).
В период Высокого Возрождения, когда борьба за гуманистические
ренессансные идеалы обрела напряженный и героический характер,
архитектура и изобразительное искусство были отмечены широтой
общественного звучания, синтетической обобщенностью и мощью образов,
полных духовной и физической активности.
В постройках Д. Браманте, Рафаэля, Антонио да Сангалло достигли
своего апогея совершенная гармония, монументальность и ясная соразмерность;
гуманистическая наполненность, смелый полет художественного воображения,
широта охвата действительности характерны для творчества крупнейших
мастеров изобразительного искусства этой эпохи – Леонардо да Винчи,
Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне, Тициана.
С 2-й четверти 16 в., когда Италия вступила в пору политического кризиса
и разочарования в идеях гуманизма, творчество многих мастеров
приобрело сложный и драматический характер.
В архитектуре Позднего Возрождения (Микеланджело, Дж. да Виньола,
Джулио Романо, В. Перуцци) возрос интерес к пространственному развитию
композиции, подчинению здания широкому градостроительному замыслу;
в получивших богатую и сложную разработку общественных зданиях, храмах,
виллах, палаццо ясная тектоника Раннего Возрождения сменилась
напряженной конфликтностью тектонических сил (постройки Я. Сансовино,
Г. Алесси, М. Санмикели, А. Палладио).
Живопись и скульптура Позднего Возрождения обогатились
пониманием противоречивости мира, интересом к изображению
драматического массового действия, к пространственной динамике
(Паоло Веронезе, Я. Тинторетто, Я. Бассано);
небывалой глубины, сложности, внутреннего трагизма достигла
психологическая характеристика образов в поздних произведениях
Микеланджело и Тициана.

Венецианская школа

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии
с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы-
областей материка, прилегающих к Венеции).
Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала,
особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению
чувственной полноты и красочности бытия.
Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху
Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина,
открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи,
создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне,
величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах
присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие.
В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 в.
виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам
и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом,
тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания
(живопись Паоло Веронезе и Я. Тинторетто).
В 17 в традиционный для Венецианской школы интерес к проблемам колорита
в работах Д.Фетти, Б. Строцци и др. сосуществует с приемами живописи барокко,
а также реалистическими тенденциями в духе караваджизма.
Для венецианской живописи 18 в. характерен расцвет
монументально-декоративной живописи (Дж. Б. Тьеполо),
бытового жанра (Дж. Б. Пьяццетта, П. Лонги),
документально - точного архитектурного пейзажа - ведуты
(Дж. А. Каналетто, Б. Белотто) и лирического,
тонко передающего поэтическую атмосферу повседневной жизни
Венеции городского пейзажа (Ф. Гварди).

Флорентийская школа

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ
эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция.
Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 в.,
способствовал расцвет гуманистической мысли
(Ф. Петрарка, Дж. Боккаччо, Лико делла Мирандола и др.),
обратившейся к наследию античности.
Родоначальником Флорентийской школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто,
придававший своим композициям пластическую убедительность и
жизненную достоверность.
В 15 в. основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции
выступили архитектор Ф. Брунеллески, скульптор Донателло,
живописец Мазаччо, за которыми последовали архитектор Л.Б. Альберти,
скульпторы Л. Гиберти, Лука делла Роббиа, Дезидерио да Сеттиньяно,
Бенедетто да Майано и др.
В архитектуре Флорентийской школы в 15 в. был создан новый тип
ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки,
отвечающей гуманистическим идеалам эпохи.
Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 в. характерны
увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному
построению человеческой фигуры
(произведения А. дель Верроккьо, П. Уччелло, А. дель Кастаньо и др.),
а для многих ее мастеров – особая одухотворенность и интимно-лирическая
созерцательность (живопись Б. Гоццоли, Сандро Боттичелли,
Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо и др.).
Искания мастеров 15 в. завершили великие художники Возрождения
Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания
Флорентийской школы на новый качественный уровень. В 1520-е гг.
начинается постепенный упадок школы, несмотря на то,
что во Флоренции продолжал работать ряд крупных художников
(живописцы Фра Бартоломмео и Андреа дель Сарто, скульптор А. Сансовино);
с 1530-х гг. Флорентийская школа становится одним из главных центров
искусства маньеризма (архитектор и живописец Дж. Вазари,
живописцы А. Бронзино, Я. Понтормо).
В 17 веке Флорентийская школа приходит в упадок.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой
в Италии время с 1420 по 1500 года.
В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается
от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы,
заимствованные из классической древности.
Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее
и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры,
художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются
образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений,
так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания
классической древности, в других странах оно долго держалось
традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании,
Возрождение наступает только в конце XV столетия,
и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия,
не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения - время самого пышного развития его стиля -
принято называть «Высоким Возрождением»,
оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год.
В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции
перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II,
человека честолюбивого, смелого и предприимчивого,
привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии,
занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой
другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках,
Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла:
в нём создаётся множество монументальных зданий,
исполняются великолепные скульптурные произведения,
пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи;
при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку,
помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга.
Античное изучается теперь более основательно,
воспроизводится с большей строгостью и последовательностью;
спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты,
которая составляла стремление предшествовавшего периода;
припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический
отпечаток ложится на все создания искусства.
Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности,
и они, с большой находчивостью и живостью фантазии,
свободно перерабатывают и применяют к делу то,
что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.

Позднее Возрождение

Третий период Возрождения,
так называемый период «позднего Ренессанса»,
отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников
совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать
и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности
утрировкой и вычурностью форм.
Признаки этого стремления, породившего стиль барокко,
а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в
предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине
великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным
творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения
к принципам и формам античного искусства; но теперь направление
это делается всеобщим.

****************************************************

АНДЖЕЛИКО, ФРА БЕАТО -
(Фра Джованни да Фьезоле) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(ок. 1400–1455), итальянский живописец флорентийской школы.
В его произведениях сочетались глубокое религиозное содержание и изысканность стиля;
готическая живописная традиция и черты нового искусства Ренессанса.
Фра Анджелико, в миру носивший имя Гвидо ди Пьеро (Guido di Piero),
родился в местечке Виккьо в Тоскане около 1400. В документе, относящемся к 1417,
он уже упоминается как художник; известно также,
что до 1423 во Фьезоле он вступил в доминиканский орден, получив имя фра Джованни да Фьезоле,
а впоследствии был настоятелем монастыря Сан Марко во Флоренции.
Многие произведения, приписывавшиеся раннему периоду творчества Фра Анджелико,
теперь считаются работами его учеников, вариациями на темы его композиций.
Одна из первых крупных работ художника – триптих Линайуоли из монастыря
Сан Марко во Флоренции (1433–1435), в центральной части которого представлена Богоматерь с Младенцем
на троне, а на боковых створках двое святых. Фигура Богоматери показана традиционно,
а в изображении стоящих святых заметно влияние живописи Мазаччо, с ее тяжелой и жесткой моделировкой лиц.
В 1430–1440-е годы Фра Анджелико одним из первых обратился к использованию нового типа алтарного образа,
ставшего очень популярным в эпоху Возрождения, – sacra conversazione (святое собеседование).
С 1438 по 1445 художник расписал фресками флорентийский монастырь Сан Марко.
Этот монастырь, переданный доминиканскому ордену папой Евгением IV, был перестроен архитектором
Микелоццо по заказу герцога Козимо Медичи. Тематика росписей связана с доминиканским орденом,
его историей, уставом, особо почитаемыми святыми.
Примером могут служить фрески клуатра (Мертвый Христос; Христос в образе странника,
которого принимают два доминиканских монаха; Св. Петр Мученик (главный святой доминиканцев);
Св. Доминик, стоящий на коленях у Распятия).
В зале капитула Фра Анджелико написал большую композицию Распятие с двумя разбойниками
по сторонам от Христа и толпой святых всех эпох христианства, собравшихся у подножия креста.
Их скорбные лики обращены к земле, ни один не смотрит вверх на Христа;
художник изобразил Распятие не как историческое событие, а как мистический образ,
живущий в человеческом сознании.
Фрески монастыря Сан Марко наполняет дух Подражания Христу – мистического религиозного трактата,
написанного каноником-августинцем Фомой Кемпийским.
Каждая келья тоже была украшена фресками, которые предназначались для назидания братии,
например композиция Осмеяние Христа. Настроению этих фресок соответствуют простота и
спокойная сдержанность живописи.
Последние десять лет жизни Фра Анджелико провел в Риме, где он украсил фресками капеллу
папы Николая V (1445–1448). Сюжетами росписей стали фрагменты житий св. Лаврентия и св. Стефана.
По замыслу это были скорее повествовательные сцены, чем молитвенные образы.
В них использованы сложные архитектурные фоны, в построении которых чувствуется знание
мастером античного искусства, а в точно выверенных перспективных построениях видно влияние
Мазаччо и Брунеллески.

Коронование Девы Марии

Мучение свв. Космы и Дамиана

*********************************************

Джотто ди Бондоне - родился в 1266 или 1267 г.
в деревне Веспиньяно недалеко от Флоренции в семье мелкого землевладельца.
Предположительно в возрасте 10 лет Джотто начал учиться живописи
в мастерской Чимабуэ, известного флорентийского живописца.
Джотто был гражданином Флоренции, хотя работал также в Ассизи, Риме, Падуе,
Неаполе и Милане. Его талант художника и практическая деловая хватка обеспечили
ему солидное состояние. Несмотря на то, что мастерская Джотто процветала,
история сохранила всего лишь несколько полотен, подписанных его именем,
да и те, по мнению специалистов, скорее всего принадлежат кисти его помощников.
Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса,
прежде всего, склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры,
предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
Его живопись воплощает в себе идею человечности и несет первые зачатки гуманизма.
В 1290-99 гг. Джотто создал росписи Верхней церкви Сан-Франческо в Ассизи -
25 фресок, живописующих сцены из Ветхого Завета, а также эпизоды из жизни Франциска Ассизского
(«Чудо источника»). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью,
наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам.
Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон,
Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей:
с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами,
правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами.
Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции.
Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения
передается мимикой лица, жестами, позой.
Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж,
интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.
В каждой композиции художник изображает лишь один момент действия,
а не последовательность различных сцен, как это делали многие его современники.
В начале 1300-х гг. художник посетил Рим.
Знакомство с позднеантичной живописью и произведениями П. Каваллини
способствовало становлению его творческого метода.
Творческие достижения Джотто получили дальнейшее развитие в росписях капеллы Скровеньи
(капеллы дель Арена) в Падуе, выполненных им в 1304-06 гг.
Расположенные на стенах капеллы в 3 яруса,
фрески живописуют сцены из жизни Иоакима и Анны
(«Иоаким среди пастухов», «Жертвоприношение Иоакима», «Сон Иоакима», «Встреча у Золотых Ворот»),
Девы Марии и Христа («Рождество», «Поклонение волхвов», «Бегство в Египет»,
«Избиение младенцев», «Крещение Христа», «Воскрешение Лазаря»,
«Иуда, получающий плату за предательство», «Поцелуй Иуды»,
«Несение креста», «Распятие», «Оплакивание Христа», «Воскресение»),
а также сцены Страшного Суда.
Эти росписи - главное произведение и вершина творчества художника.
В 1300-02 гг. Джотто выполняет росписи в церкви Бадия во Флоренции.
К 1310-20 гг. исследователи относят знаменитый алтарный образ «Мадонна Оньиссанти».
Композиция не подписана, однако исследователи единодушно приписывают ее Джотто.
В 1320-е гг. Джотто создает росписи капелл Перуцци и Барди
во флорентийской церкви Санта-Кроче на темы житий Иоанна Крестителя,
Иоанна Евангелиста и Франциска Ассизского
(«Стигматизация св. Франциска», «Смерть и вознесение св. Франциска»).
В 1328-33 гг. Джотто при посредстве многочисленных учеников делал росписи при
неаполитанском дворе короля Роберта Анжуйского, который пожаловал художнику титул «придворного».
С 1334 г. Джотто руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре
и городских укреплений во Флоренции, чем снискал широкое признание среди
современников и граждан Флоренции. Джотто приписывают проект кампанилы
(колокольни) флорентийского собора (начата в 1334 г., строительство продолжено
в 1337-43 гг. Андреа Пизано, завершено около 1359 г. Ф. Таленти).
Джотто был дважды женат и имел восемь детей.
В 1337 г. Джотто умер.

1.Иоаким удаляется в пустыню

2.Мадонна с младенцем

3.Скорбящий ангел 1

4.Св. Клара из Ассизи

5.Стигматизация св. Франциска

6.Св. Стефан

7.Рождество Христовo

8.Рождество Богородицы

9.Введение Марии во храм

10.Пьета, фрагмент

11.Богоматерь с младенцем на троне

12.Евангелист Иоанн на Патмосе

МАНТЕНЬЯ АНДРЕА -
(Mantegna, Andrea) (ок. 1431–1506),
один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.
Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 в.:
увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей,
передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу
как средство создания на плоскости иллюзии пространства.
Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции
и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.
Мантенья родился ок. 1431; между 1441 и 1445 он был записан в цех живописцев в Падуе
как приемный сын Франческо Скварчоне, местного художника и антиквара,
в мастерской которого работал до 1448.
В 1449 Мантенья приступил к созданию фресковой декорации церкви Эремитани в Падуе.
В 1454 Мантенья женился на Николозе, дочери венецианского живописца Якопо Беллини,
сестре двух выдающихся мастеров 15 в. – Джентиле и Джованни Беллини.
Между 1456 и 1459 он написал алтарный образ для церкви Сан Дзено в Вероне. В 1460,
приняв приглашение маркиза Мантуи Лодовико Гонзага, Мантенья обосновался при его дворе.
В 1466–1467 он посетил Тоскану, а в 1488–1490 Рим,
где по просьбе папы Иннокентия VIII украсил фресками его капеллу.
Возведенный в рыцарское достоинство, занимая высокое положение при дворе,
Мантенья прослужил семейству Гонзага до конца жизни. Умер Мантенья 13 сентября 1506.
16 мая 1446 Мантенья и три других художника получили заказ на роспись капеллы Оветари
в падуанской церкви Эремитани (разрушенной во время Второй мировой войны).
Мантенье принадлежит большая часть работы по созданию фресок (1449–1455),
и именно его художественный стиль доминирует в ансамбле.
Сцена Святой Иаков перед Иродом Агриппой в капелле Оветари представляет образец стиля
раннего периода творчества Мантеньи.
В других живописных произведениях Мантеньи этого времени, таких, как картина Моление о чаше
(Лондон, Национальная галерея), в жесткой линеарной манере исполнены не только человеческие фигуры,
но и пейзаж, где каждый камень и былинка тщательно исследованы и прописаны художником,
а скалы испещрены изломами и трещинами.
Алтарный образ церкви Сан Дзено (1457–1459) в Вероне является живописной интерпретацией
знаменитого скульптурного Алтаря св. Антония, созданного Донателло
для базилики Сант Антонио (Санто) в Падуе. Триптих Мантеньи имеет обрамление,
выполненное в высоком рельефе и имитирующее элементы классической архитектуры.
Одним из самых замечательных образцов пространственно-иллюзионистической живописи
Мантеньи является роспись Камеры дельи Спози в палаццо Дукале в Мантуе, законченная в 1474.
Квадратное помещение визуально трансформировано фресками в легкий, воздушный павильон,
как будто закрытый с двух сторон написанными на стенах занавесями, а с двух других сторон открывающий
изображение двора Гонзага и пейзажную панораму на дальнем плане.
Свод Мантенья разделил на компартименты и поместил в них в обрамлении богатого антикизированного
орнамента изображения бюстов римских императоров и сцен из классической мифологии.
В верхней части свода написано круглое окно, через которое видно небо;
богато одетые персонажи глядят вниз с балюстрады, данной в сильном перспективном сокращении.
Этот фресковый ансамбль замечателен не только как один из первых в новом европейском искусстве
примеров создания на плоскости иллюзорного пространства, но и как собрание очень остро и точно
трактованных портретов (членов семьи Гонзага).
Цикл монохромных картин Триумф Цезаря (1482–1492) был написан по заказу Франческо Гонзага
и предназначался для украшения дворцового театра в Мантуе; эти картины плохо сохранились
и в настоящее время находятся во дворце Хэмптон-Корт в Лондоне.
На девяти больших холстах изображена длинная процессия с огромным количеством античных скульптур,
доспехов, трофеев. Ее движение достигает кульминации в торжественном прохождении перед Цезарем-победителем. Картины отражают обширные знания Мантеньи в области античного искусства и классической литературы.
В этом цикле и в Мадонне делла Витториа (1496, Париж, Лувр), написанной в память о военной победе Гонзага,
искусство Мантеньи достигло наибольшей монументальности. Формы в них объемны, жесты убедительны и ясны,
пространство трактовано широко и свободно.
Для студиоло (кабинета) Изабеллы д"Эсте, жены Франческо Гонзага, Мантенья написал две композиции
на мифологические темы (третья осталась незаконченной): Парнас (1497) и Минерва,
изгоняющая пороки (1502, обе в Лувре). В них заметно некоторое смягчение стиля Мантеньи,
связанное с новым пониманием пейзажа. Фресковая декорация Капеллы Бельведера,
выполненная Мантеньей для папы Иннокентия VIII в 1488, была, к несчастью, утрачена при
расширении Ватиканского дворца во время понтификата Пия VI.
Несмотря на то, что только семь гравюр могут считаться несомненно принадлежащими руке Мантеньи,
влияние мастера на развитие этого вида искусства огромно. Его гравюра Мадонна с Младенцем показывает,
насколько органично стиль художника может существовать в графической технике,
с присущей ей упругостью и остротой линии, фиксирующей движение резца гравера.
Другие гравюры, приписываемые Мантенье, – Битва морских богов (Лондон, Британский музей)
и Юдифь (Флоренция, галерея Уффици).

1.Распятие, 1457-1460.

2.Мадонна с Младенцем.
1457-59. Фрагмент

3.Моление о чаше.
Около 1460

4.Портрет кардинала Карло Медичи.
Между 1450 и 1466

5.Камера дельи Спози.
Окулюс. 1471-74

6.Камера дельи Спози. Фрагмент северной стены.

7.Камера дельи Спози. Фрагмент восточной стены.

8.Битва морских божеств.
1470-е гг.

9.Св. Себастьян.
Около 1480

10.Мадонна в скалах.
1489-90

12.Мадонна делла Виттория.
1496

13.Парнас.
1497, Лувр, Париж

14.Самсон и Далила. Около 1500
Национальная галерея, Лондон

****************************

БЕЛЛИНИ Джованни -
Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев,
основоположников искусства Возрождения в Венеции.
Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71)
при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики
(“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан).
В его рисунках, полных живых наблюдений
(зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии),
отразился интерес к проблемам перспективы, влияние А.Мантеньи и П.Уччелло.
С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини,
связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины,
(“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, –
обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516),
второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы, заложивший
основы искусства Высокого Возрождения в Венеции.
Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини
(“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х год
сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам
созвучен одухотворённый пейзаж (так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици;
“Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны”
(“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488,
Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных,
словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций,
спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов.
В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией
ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505,
церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку
(портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон;
портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

1."Св.Георгий и дракон" Деталь Алтаря, 1470

2."Греческая мадонна"
1460

3."Портрет кондотьера"
1480

4."Пир богов"
1514

5."Распятие"
1501-1503

6."Мадонна с младенцем"
1480

7."Добродетель"
1500

8."Св.Иероним, читающий на природе"
1460

9."Преображение"
1485

10."Моление о чаше"
(Агония в саду) Ок.1470

11."Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

12."Аллегория Чистилища" (лев.фр.)
1490-1500, Галерея Уффици

13."Четыре Аллегории
Упорство и Судьба", 1490

14. "Аллегория Чистилища" (прав.фр)
1490-1500, Галерея Уффици

15."Четыре Аллегории
Благоразумие и Лживость", 1490

16."Обнаженная молодая женщина с зеркалом"
1505-1510, Музей истории искусств, Вена

****************************

Боттичелли Сандро -
[собственно Алесандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445–1510), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.
Принадлежал к Флорентийской школе, около 1465–1466 учился у Филиппо Липпи;
в 1481–1482 работал в Риме. Ранним работам Боттичелли свойственны
ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям
(“Поклонение волхвов”, около 1476–1471,). С конца 1470-х годов, после сближения Боттичелли
с двором правителей Флоренции Медичи и кругом флорентийских гуманистов,
в его творчестве усиливаются черты аристократизма и утонченности, появляются картины
на античные и аллегорические темы, в которых чувственные языческие образы проникнуты
возвышенной и вместе с тем поэтической, лирической одухотворенностью
(“Весна”, около 1477–1478, “Рождение Венеры”, около 1483–1485, – обе в Уффици).
Одушевленность ландшафта, хрупкая красота фигур, музыкальность легких, трепетных линий,
прозрачность изысканных, словно сотканных из рефлексов красок создают в них атмосферу
мечтательности и легкой грусти.
В выполненных Боттичелли в 1481–1482 фресках в Сикстинской капелле в Ватикане
(“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона” и др.)
величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с
внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик, свойственной,
наряду с поисками тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души,
и станковым портретам мастера (портрет Джулиано Медичи, 1470-е, Бергамо;
портрет молодого человека с медалью, 1474, галерея Уффици, Флоренция).
В 1490-е годы, в эпоху потрясших Флоренцию социальных брожений и мистико-аскетических
проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма
и религиозной экзальтации (“Клевета”, после 1495, Уффици), однако его рисунки
к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека)
при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов.

1."Портрет Симонеты Веспуччи" Ок.1480

2."Аллегория Добродетели"
1495

3."История Лукреции"
Ок.1500

4."Портрет молодого человека с медалью"

5."Мистическое Рождество"
Ок.1500

6."Наказание Корея, Дафана и Абирона"

7."Св. Августин Блаженный"
Ок.1480

8."Благовещение"
Ок.1490

9."Мадонна Магнификат"
1486

10."Мадонна с гранатом"
1487

11. "Поклонение волхвов"
Алтарь Заноби 1475

12."Клевета"
1495

13."Венера и Марс"
1482-1483

14."Весна" 1477-1478
Галерея Уффици, Флоренция

15."Мадонна с книгой" 1485
Музей Польди-Пеццоли, Милан

16."Афина Паллада и Кентавр" 1482
Галерея Уффици, Флоренция

17."Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

18.Фреска Сикстинской капеллы
(деталь) 1482 Рим, Ватикан

19."История Настаджо дельи Онести"
Ок.1485 Прадо, Мадрид

****************************

ВЕРОНЕЗЕ Паоло -(Veronese; собственно Кальяри, Caliari) Паоло (1528–1588),
итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения.
Учился у веронского живописца А.Бадиле; работал главным образом в Венеции, а также в Вероне, Мантуе, Виченце, Падуе, в 1560, возможно, посетил Рим. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются у него с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном.

1."Нахождение Моисея"
1580

2."Искушение святого Антония"
1567

3."Умерщвление св.Юстинии"
1573

4."Портрет Даниеле Барбаро"
1569

5."Христос и самаритянка" (фрагмент)
1582

6."Голгофа"
1570-е

7."Марс и Венера"
1570-е

8."Аллегория любви. Измена"
1570

9."Святая Лючия"
1580

10."Христос в Эммаусе"
1570-е

11."Казнь святых Марка и Марциллиана"
1578

12."Пир в доме Симона"
Ок.1581

13."Ангелы"
(фрагм."Женщина из Зебедии и Христос")

14."Купание Сусанны"
1570-е, Лувр, Париж

15. "Не прикасайся ко мне!" 1570-е
Художественный музей, Гренобль

16."Купание Вирсавии" 1570-е
Музей изящных искусств, Лион

****************************

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер.
Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения,
Леонардо да Винчи сложился как мастер,
обучаясь во Флоренции у А. дель Верроккьо.
Методы работы в мастерской Вероккьо, где художественная практика
сопрягалась с техническими экспериментами,
а также дружба с астрономом П.Тосканелли способствовали
зарождению научных интересов молодого да Винчи.

1."Мадонна с прялкой" 1501

2."Дева и младенец с св.Анной"
Ок.1507

3."Вакх"
1510-1513

4."Иоанн Креститель"
1513-1517

5."Леда и лебедь"
1490-1500-е

6."Мадонна с гвоздикой" 1473

7."Портрет Беатриче д"Эсте"
1490-е

8."Портрет Джиневры Бенчи"
1476

9."Благовещение"
1472-1475

10."Тайная вечеря"
(центральный фрагмент) 1495-1497, Милан

11.Реставрационная версия фрески "Тайная вечеря"
(центральный фрагмент)

12."Мадонна Литта"
Ок.1491, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Дама с горностаем" 1485-1490
Национальный музей, Краков

14."Портрет музыканта" 1490
Пинакотека Амброзиана, Милан

15. "Мона Лиза" (Джоконда)
1503-1506, Лувр, Париж

16."Мадонна Бенуа" 1478
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Портрет неизвестной"
Ок.1490, Лувр, Париж

18."Мадонна в скалах" Ок. 1511
Национальная галерея, Лондон

****************************

ДЖОРДЖОНЕ -
(Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510),
итальянский живописец, один из основоположников
искусства Высокого Возрождения.
Учился, вероятно, у Джованни Беллини,
был близок к кругу венецианских гуманистов,
славился также как певец и музыкант.
Наряду с композициями на религиозные темы
(“Поклонение пастухов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты,
именно в его творчестве получившие преобладающее значение.

1."Гроза"
1505

2."Воин со своим оруженосцем"
1509

3."Мадонна на троне
и святые" 1505

4."Мадонна на фоне пейзажа"
1503

5."Три возраста жизни"
1510

6."Мадонна с книгой"
1509-1510

7."Нахождение Моисея"
1505

8."Поклонение пастухов"
Ок.1505

9."Портрет Антонио Броккардо"

10."Сельский концерт"
1510

11."Портрет старухи"
Ок.1510

12."Церера"
Ок.1508

13."Портрет юноши"
Ок.1506

14."На закате"
1506

15."Мадонна с младенцем и святые"
1510

16."Юдифь" Ок.1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Лаура" 1506
Музей истории искусств, Вена

18."Спящая Венера"
Ок.1510, Дрезденская галерея

19."Три философа" 1508
Музей истории искусств, Вена

****************************

КАРПАЧЧО Витторе -
(Carpaccio) Витторе
(около 1455 или 1456 - около1526),
итальянский живописец Раннего Возрождения.
Учился у Джентиле Беллини; работал в Венеции.
Легендарные священные события Карпаччо трактовал как реальные сцены,
развернутые в пространстве современной ему Венеции,
включал в них городские пейзажи и интерьеры, многочисленные жанровые детали,
ярко воссоздающие быт горожан (циклы картин из жизни Св.Урсулы, 1490-1495,
Галерея Академии, Венеция, а также Св.Георгия и Св.Иеронима, 1502-1507,
Скуола ди Сан-Джорджо дельи Скьявони, Венеция).
Стремление к созданию целостной картины мироздания уживается в произведениях
Карпаччо с увлекательный повествовательностью,
поэтической и несколько наивной свежестью деталей.
Тонко передавая эффект смягчения световоздушной средой
звучания локальных цветовых пятен,
Карпаччо подготовил колористические открытия венецианской школы живописи XVI века.

1."Прибытие паломников
в Кельн"
1490

2."Мадонна, Иоанн Креститель и святые"
1498

3."Лев святого Марка"
(фрагмент)
1516

4."Диспут св.Стефана"
Житие св.Стефана
1514

5."Спаситель и четыре апостола"
1480

6."Святой Георгий, поражающий дракона"
1502-1508

7."Апофеоз святой Урсулы"
1491

8."Умерщвление десяти тысяч"
1515

9."Крещение селенитов св. Георгием"
1507

10."Молодой рыцарь" 1510,
Собрание Тиссен-Борнемиса, Мадрид

11."Аллегория. Страсти Христовы"
1506, Метрополитен, Нью-Йорк

12."Встреча паломников с Папой"
1493, Галерея Академии, Венеция

13."Чудо Святого Креста"
1494, Галерея Академии, Венеция

****************************

МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонаротти -
(Michelangelo Buonarroti; иначе Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони)
(1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт
.В искусстве Микеланджело с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные,
полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса
гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи.
Микеланджело учился во Флоренции в мастерской Д.Гирландайо (1488-1489) и
у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489-1490),
однако определяющее значение для творческого развития Микеланджело имело его знакомство
с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча,
изучение памятников античной пластики.
Творчество Микеланджело,
ставшее блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения,
сыграло огромную роль в развитии европейского искусства,
во многом подготовило становление маньеризма,
оказало большое влияние на сложение принципов барокко.

1.Роспись свода Сикстинской капеллы

2.Люнеты (пророки и папы)

3.Деталь росписи «Сотворение Адама»

4.Деталь «Пророки Иеремия и Исайя»

5.Деталь росписи «Сотворение Евы»

6.«Святое семейство» 1506

7.Сикстинская капелла
"Потоп"

8.Сикстинская капелла
"Ливийская сивилла"

9.Сикстинская капелла
"Отделение света от тьмы"

10.Сикстинская капелла
"Грехопадение"

11.Сикстинская капелла
"Эритрейская сивилла"

12.Сикстинская капелла
"Пророк Захария"

****************************

РАФАЭЛЬ Санти -
(собственно Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), итальянский живописец и архитектор.
В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились
гуманистические представления Высокого Возрождения
о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром,
характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты.
Рафаэль, сын живописца Джованни Санти, ранние годы провел в Урбино,
в 1500-1504 учился у Перуджино в Перудже.
Произведения этого периода отмечены тонкой поэзией
и мягким лиризмом пейзажных фонов.
Искусство Рафаэля, оказавшее громадное влияние на европейскую живопись XVI-XIX
и, отчасти, XX веков, на протяжении столетий сохраняло для художников и зрителей
значение непререкаемого художественного авторитета и образца.

1."Мадонна Грандука"
1504

2."Мадонна дель Импанната"
1504

3."Мадонна в зелени"
Ок.1508

4."Святое семейство под дубом"
1518

5."Алтарь св.Николаса"
(фрагм.) 1501

6."Битва св.Георгия с драконом"
1502

7."Три грации"
1502

8."Сон рыцаря"
1502

9."Триумф Галатеи"
1514

10."Мадонна Ансидеи"
Ок.1504

11."Несение креста"
1516

12."Св.Михаил и дракон"
1514

13."Адам и Ева"
1509-1511

14."Иоанна Арагонская"
1518

15."Дама с единорогом"
Ок.1502

16."Портрет Маргариты Лути"
1519

17."Портрет Бальтазара Кастильоне" 1515

18."Мадонна Каниджани" 1508
Старая пинакотека, Мюнхен

19."Мадонна Конестабиле" 1502-1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

20."Видение Иезекииля" 1515
Палаццо Питти, Флоренция

21."Сикстинская Мадонна" 1514
Картинная галерея, Дрезден

****************************

ТИЦИАН -
(собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio),
(1476/77 или 1480-е годы - 1576),
итальянский живописец эпохи
Высокого и Позднего Возрождения.
Учился в Венеции у Джованни Беллини,
в мастерской которого сблизился с Джорджоне;
работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге.
Тесно связанный с венецианскими художественными кругами
(Джорджоне, Я.Сансовино, писатель П.Аретино и др.),
выдающийся мастер венецианской школы живописи,
Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения.
Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью,
широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи.
Живописная техника Тициана оказала исключительное влияние на дальнейшее,
вплоть до ХX века, развитие мирового изобразительного искусства.

1."Светская любовь"
(Тщеславие) 1515

2."Диана и Каллисто"
1556 - 1559

3."Бахус и Ариадна"
1523-1524

4."Похищение Европы"
1559 - 1562

5."Грехопадение"
1570

6."Флора"
1515

7."Иоланта"
(La Bella Gatta)

8."Федериго Гонзага из Мантуи"
1525

9."Венера с зеркалом" 1555

10."Даная и амур"
1546

11."Любовь земная и небесная"
1510

12."Портрет молодой женщины"
Ок.1530, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Кающаяся Мария Магдалина"
1560-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

14."Диана и Актеон" 1556
Нац. галерея Шотландии, Эдинбург

15. "Вакханалия"
1525, Музей Лувр, Париж

16."Венера Урбинская"
1538, Уффици, Флоренция

17."Венера и Адонис"
1554, Прадо, Мадрид

****************************

При взгляде на картины эпохи Возрождения , нельзя не восхититься четкостью линий, прекрасной цветовой палитрой и, что самое главное, невероятной реалистичностью передаваемых образов. Современные ученые долго ломали голову, как же мастерам того времени удавалось создавать такие шедевры, ведь письменных свидетельств о тонкостях и секретах техники исполнения не осталось. Английский художник и фотограф Дэвид Хокни утверждает, что он разгадал тайну художников Ренессанса, умевших писать «живые» картины.

Если сравнить разные временные периоды в истории живописи, то становится ясно, что в эпоху Возрождения (рубеж XIV-XV вв.) картины «вдруг» стали гораздо реалистичнее, чем ранее. Глядя на них, кажется, что персонажи вот-вот вздохнут, а на предметах заиграют солнечные зайчики.

Вопрос напрашивается сам собой: неужели художники эпохи Возрождения внезапно научились лучше рисовать, а картины стали получаться объемнее? На этот вопрос попытался ответить известный художник, график и фотограф Дэвид Хокни (David Hockney ).

В этом исследовании ему помогла картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» . На полотне можно отыскать немало любопытных деталей, а ведь оно написано в 1434 году. Особое внимание привлекает зеркало на стене и подсвечник под потолком, который выглядит удивительно реалистично. Дэвид Хокни сумел раздобыть подобный подсвечник и попытался его нарисовать. К большому удивлению художника, изобразить этот предмет в перспективе оказалось довольно сложно, да еще и блики света нужно передать так, чтобы было ясно, что это блеск металла. Кстати, до эпохи Ренессанса никто не брался за изображение бликов на металлической поверхности.

Когда трехмерная модель подсвечника была воссоздана, Хокни убедился, что на картине Ван Эйка его изобразили в перспективе с одной точкой схода. Но загвоздка состояла в том, что XV веке не было камеры-обскуры с линзой (оптическое устройство, при помощи которого можно создать проекцию).

Дэвид Хокни ломал голову, как же Ван Эйку удалось добиться такой реалистичности своих полотен. Но однажды он обратил внимание на изображение зеркала на картине. Оно было выпуклое. Стоит отметить, что в те времена зеркала были вогнутые, т. к. мастера еще не умели «приклеивать» оловянную подкладку к плоской поверхности стекла. Чтобы получить зеркало в XV веке, в стеклянную колбу заливали расплавленное олово, а затем отсекали верх, оставляя вогнутое блестящее дно. Дэвид Хокни понял, что Ван Эйк использовал вогнутое зеркало, через которое он смотрел, чтобы максимально реалистично нарисовать предметы.

В 1500-х годах мастера научились делать большие качественные линзы. Их вставили в камеру-обскуру, что позволило получить проекцию любого размера. Это стало настоящей революцией в технике реалистичного изображения. Вот только большинство людей на картинах «стали» левшами. Все дело в том, что прямая проекция линзы при использовании камеры-обскуры зеркальна. На картине Питера Геррица ван Роэстратена (Pieter Gerritsz van Roestraten) «Признание в любви (Буйный повар)», написанной около 1665-1670 гг., все персонажи – левши. Мужчина и женщина держат бокал и бутылку в левой руке, старик на заднем плане грозит им тоже левым пальцем. Даже обезьянка использует левую лапку, чтобы заглянуть женщине под платье.

Чтобы получить правильное, пропорциональное изображение, нужно было точно уставить зеркало, в которое направляется линза. Но не у всех художников получалось это сделать идеально, да и качественных зеркал тогда было немного. Из-за этого на некоторых картинах видно, как были не соблюдены пропорции: маленькие головы, большие плечи или ноги.

Использование художниками оптических устройств ни в коем случае не умаляет их таланта. Благодаря достигнутой реалистичности картин Ренессанса, современные обыватели теперь знают, как выглядели люди и бытовые предметы того времени.

Средневековые художники старались не только достичь реалистичности в своих картинах, но и зашифровать в них особые символы. Так, великолепный шедевр Тициана