Картины времен ренессанса. Великие итальянские художники

Народы Европы стремились к возрождению сокровищ и традиций, утраченных из-за бесконечных истребительных войн. Войны уносили с лица земли и людей, и то великое, что люди создавали. Идея возродить высокую цивилизацию древнего мира вызвала к жизни философию, литературу, музыку, подъем естественных наук и - более всего – расцвет художества. Эпоха потребовала сильных, образованных, не боящихся никакой работы людей. Именно в их среде стало возможно появление тех немногих гениев, которых называют «титанами Возрождения». Тех самых, кого мы зовем только по имени.

Эпоха Возрождения была прежде всего итальянской. Поэтому не удивительно, что именно в Италии искусство в этот период достигло наивысшего подъема и расцвета. Именно здесь насчитываются десятки имен титанов, гениев, великих и просто талантливых художников.

МУЗЫКА ЛЕОНАРДО.

Какой счастливец! – скажут о нем многие. Был наделен редким здоровьем, прекрасен собою, высок, синеглаз. В юности носил белокурые локоны, гордою статью напоминал Донателлова святого Георгия. Обладал неслыханной и отважной силой, мужской доблестью. Дивно пел, на глазах слушателей сочинял мелодии и стихи. Играл на любом музыкальном инструменте, более того сам их создавал.

Для искусства Леонардо да Винчи современники и потомки никогда не находили иных определений, чем «гениальное», «божественное», «великое». Те же слова относят к его научным откровениям: он придумал танк, экскаватор, вертолет, подводный корабль, парашют, автоматическое оружие, водолазный шлем, лифт, решил сложнейшие проблемы акустики, ботаники, медицины, космографии, создал проект круглого театра, придумал на столетие раньше, чем Галилей, часовой маятник, нарисовал нынешние водные лыжи, разработал теорию механики.

Какой счастливец! – скажут о нем многие и станут вспоминать его любимых князей и королей, искавших с ним знакомства, зрелища и праздники, которые он придумывал как художник, драматург, актер, архитектор, а веселился на них, как дитя.

Однако был ли счастлив неуемный долгожитель Леонардо, чей всякий день дарил людям и миру провидения и озарения? Он предчувствовал ужасную судьбу своих творений: разрушение «Тайной вечери», расстрел памятника Франческа Сфорца, низкую торговлю и гнусные кражи его дневников, рабочих тетрадей. Всего только шестнадцать живописных работ сохранилось до наших дней. Немногие скульптуры. Но множество рисунков, закодированных чертежей: как герои современной фантастики, он менял деталь в своей конструкции, словно бы затем, чтоб другой не мог ею воспользоваться.

Леонардо да Винчи творил в разных видах и жанрах искусства, однако наибольшую славу ему принесла живопись.

Одной из самых ранних живописных работ Леонардо является «Мадонна с цветком» или «Мадонна Бенуа». Уже здесь художник выступает как подлинный новатор. Он преодолевает рамки традиционного сюжета и придает изображению более широкий, общечеловеческий смысл, каковыми являются материнская радость и любовь. В этом произведении отчетливо проявились многие особенности искусства художника: четкая композиция фигур и объемность форм, стремление к лаконичности и обобщению, психологическая выразительность.

Продолжением начатой темы стало полотно «Мадонна Литта», где ярко проявилась еще одна особенность творчества художника – игра на контрастах. Завершением темы явилась картина «Мадонна в гроте», в которой отмечено идеальное композиционное решение, благодаря которому изображенные фигуры Мадонны, Христа и ангелов сливаются с пейзажем в единое целое, наделенное спокойным равновесием и гармонией.

Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария Делла Грацие. Эта работа поражает не только общей композицией, но и точностью. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов, но делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт. Этот взрыв вызван словами Христа: «Один из вас предаст меня». В этом произведении Леонардо в полной мере использовал прием конкретного сопоставления фигур, благодаря которому каждый персонаж предстает как неповторимая индивидуальность и личность.

Второй вершиной творчества Леонарда стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве. При его создании великий мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж. Это произведение относится к числу редчайших шедевров искусства.

Все, кто видел в Москве привезенную из Лувра «Джоконду», помнят минуты своей полной глухоты возле этого небольшого холста, напряжения всего лучшего в себе самом. Джоконда казалась «марсианкой», представительницей неизвестного – должно быть, будущего, а не прошлого человеческого племени, воплощением гармонии, о которой не устал и никогда не устанет мечтать мир.

Еще много можно рассказать о нем. Удивляясь, что это не вымысел и не фантазия. Вот, к примеру, можно вспомнить, как он предложил передвинуть собор Сан-Джованни, - работа такая поражает и нас, жителей ХХ столетия.

Леонардо говорил: «Хороший художник должен уметь писать две главные вещи: человека и представление его души. Или это сказано о «Коломбине» из петербургского Эрмитажа? Некоторые исследователи именно ее, а не луврский холст называют «Джокондой».

Мальчик Нардо, так звали его в Винчи: незаконнорожденный сын буквоеда-нотариуса, считавший лучшими существами на Земле птиц и лошадей. Любимый всеми и одинокий, сгибавший стальные шпаги и рисовавший повешенных. Придумавший мост через Босфор и идеальный город, более прекрасный, чем у Корбюзье и Нимейера. Певший мягким баритоном и заставлявший улыбаться Мону Лизу. В одной из последних тетрадей этот счастливец записал: «Мне казалось, что я учусь жить, но учился я умирать». Однако следом подытожил: «Хорошо прожитая жизнь - долгая жизнь».

Можно ли не согласиться с Леонардо?

САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ.

Сандро Боттичелли родился во Флоренции в 1445 году в семье дубильщика кожи.

Первой по времени оригинальной работой Боттичелли считается «Поклонение волхвов» (около 1740 года), где уже вполне сказалось главное свойство его первоначальной манеры – мечтательность и тонкая поэтичность. Он был одарен прирожденным чувством поэтичности, но явственный налет созерцательной грусти сквозил у него буквально во всем. Даже святой Себастьян, терзаемый стрелами мучителей, смотрит у него задумчиво и отрешенно.

В конце 1470-х годов Боттичелли сблизился с кругом фактического правителя Флоренции Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. В роскошных садах Лоренцо собиралось общество людей, наверное, самых просвещенных и талантливых во Флоренции. Там бывали философы, поэты, музыканты. Царила атмосфера преклонения перед красотой, причем ценилась не только красота искусства, но и красота жизни. Прообразом идеального искусства и идеальной жизни считалась античность, воспринятая, однако, через призму позднейших философских наслоений. Без сомнения, под влиянием этой атмосферы была создана первая большая картина Боттичелли «Примавера (Весна)». Это – похожая на сновидение, изысканная, дивно красивая аллегория вечного круговорота, постоянного обновления природы. Ее пронизывает сложнейший и прихотливый музыкальный ритм. Фигура Флоры, убранной цветами, танцующих граций в райском саду представляли собой еще не виданные в то время образы красоты и потому производили особенно пленительное впечатление. Молодой Боттичелли сразу же занял выдающееся место среди мастеров своего времени.

Именно высокая репутация молодого живописца обеспечила ему заказ на библейские фрески для Ватиканской Сикстинской капеллы, которые он создал в начале 1480-х годов в Риме. Он написал «Сцены из жизни Моисея», «Наказание Корея, Дафана и Авирона», проявив удивительное композиционное мастерство. Классическое спокойствие античных строений, на фоне которых Боттичелли развернул действие, резко контрастирует с драматическим ритмом изображенных характеров и страстей; движение человеческих тел сложно, запутано, насыщено взрывчатой силой; создается впечатление сотрясаемой гармонии, беззащитности видимого мира перед стремительным напором времени и человеческой воли. Фрески Сикстинской капеллы впервые выразили глубокую тревогу, жившую в душе Боттичелли, которая со временем крепла. В этих же фресках сказался удивительный талант Боттичелли-портретиста: каждое из множества написанных лиц совершенно своеобразно, неповторимо и незабываемо…

В 1480-х годах, вернувшись во Флоренцию, Боттичелли продолжал неутомимо работать, однако умиротворенная ясность «Примеры» оставалась уже далеко позади. В середине десятилетия он написал свое знаменитое «Рождение Венеры». Исследователи отмечают в поздних работах мастера несвойственный ему прежде морализм, религиозную экзальтацию.

Может быть, более значительны, чем поздняя живопись, рисунки Боттичелли 90-х годов – иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. Он рисовал с очевидным и нескрываемым восторгом; видения великого поэта любовно и тщательно переданы совершенством пропорций многочисленных фигур, продуманной организацией пространства, неистощимой находчивостью в поиске зрительных эквивалентов поэтического слова…

Несмотря ни на какие душевные бури и кризисы Боттичелли до самого конца (он скончался в 1510 году) оставался великим художником, властелином своего искусства. Об этом ясно свидетельствует благородная лепка лица в «Портрете молодого человека», выразительная характеристика модели, не оставляющая сомнения в ее высоких человеческих достоинствах, твердый рисунок мастера и его доброжелательный взгляд.

Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в., а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

Проторенессанс

Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Яркие представители раннего Возрождения

Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

Доменико Гирландайо - это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» - на фото ниже).

Высокое Возрождение

Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» - на первом фото).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

Северное Возрождение

Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа - второй.

На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

Французское Северное Возрождение

Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленского диптиха" мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

Немецкое и голландское Северное Возрождение

Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого - Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.

При взгляде на картины эпохи Возрождения , нельзя не восхититься четкостью линий, прекрасной цветовой палитрой и, что самое главное, невероятной реалистичностью передаваемых образов. Современные ученые долго ломали голову, как же мастерам того времени удавалось создавать такие шедевры, ведь письменных свидетельств о тонкостях и секретах техники исполнения не осталось. Английский художник и фотограф Дэвид Хокни утверждает, что он разгадал тайну художников Ренессанса, умевших писать «живые» картины.

Если сравнить разные временные периоды в истории живописи, то становится ясно, что в эпоху Возрождения (рубеж XIV-XV вв.) картины «вдруг» стали гораздо реалистичнее, чем ранее. Глядя на них, кажется, что персонажи вот-вот вздохнут, а на предметах заиграют солнечные зайчики.

Вопрос напрашивается сам собой: неужели художники эпохи Возрождения внезапно научились лучше рисовать, а картины стали получаться объемнее? На этот вопрос попытался ответить известный художник, график и фотограф Дэвид Хокни (David Hockney ).

В этом исследовании ему помогла картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» . На полотне можно отыскать немало любопытных деталей, а ведь оно написано в 1434 году. Особое внимание привлекает зеркало на стене и подсвечник под потолком, который выглядит удивительно реалистично. Дэвид Хокни сумел раздобыть подобный подсвечник и попытался его нарисовать. К большому удивлению художника, изобразить этот предмет в перспективе оказалось довольно сложно, да еще и блики света нужно передать так, чтобы было ясно, что это блеск металла. Кстати, до эпохи Ренессанса никто не брался за изображение бликов на металлической поверхности.

Когда трехмерная модель подсвечника была воссоздана, Хокни убедился, что на картине Ван Эйка его изобразили в перспективе с одной точкой схода. Но загвоздка состояла в том, что XV веке не было камеры-обскуры с линзой (оптическое устройство, при помощи которого можно создать проекцию).

Дэвид Хокни ломал голову, как же Ван Эйку удалось добиться такой реалистичности своих полотен. Но однажды он обратил внимание на изображение зеркала на картине. Оно было выпуклое. Стоит отметить, что в те времена зеркала были вогнутые, т. к. мастера еще не умели «приклеивать» оловянную подкладку к плоской поверхности стекла. Чтобы получить зеркало в XV веке, в стеклянную колбу заливали расплавленное олово, а затем отсекали верх, оставляя вогнутое блестящее дно. Дэвид Хокни понял, что Ван Эйк использовал вогнутое зеркало, через которое он смотрел, чтобы максимально реалистично нарисовать предметы.

В 1500-х годах мастера научились делать большие качественные линзы. Их вставили в камеру-обскуру, что позволило получить проекцию любого размера. Это стало настоящей революцией в технике реалистичного изображения. Вот только большинство людей на картинах «стали» левшами. Все дело в том, что прямая проекция линзы при использовании камеры-обскуры зеркальна. На картине Питера Геррица ван Роэстратена (Pieter Gerritsz van Roestraten) «Признание в любви (Буйный повар)», написанной около 1665-1670 гг., все персонажи – левши. Мужчина и женщина держат бокал и бутылку в левой руке, старик на заднем плане грозит им тоже левым пальцем. Даже обезьянка использует левую лапку, чтобы заглянуть женщине под платье.

Чтобы получить правильное, пропорциональное изображение, нужно было точно уставить зеркало, в которое направляется линза. Но не у всех художников получалось это сделать идеально, да и качественных зеркал тогда было немного. Из-за этого на некоторых картинах видно, как были не соблюдены пропорции: маленькие головы, большие плечи или ноги.

Использование художниками оптических устройств ни в коем случае не умаляет их таланта. Благодаря достигнутой реалистичности картин Ренессанса, современные обыватели теперь знают, как выглядели люди и бытовые предметы того времени.

Средневековые художники старались не только достичь реалистичности в своих картинах, но и зашифровать в них особые символы. Так, великолепный шедевр Тициана

Renaissance - в переводе с французского означает "Возрождение". Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

Изначально термин "Возрождение" означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием "гуманизм", согласно которой человек считается высшей ценностью.

периода Ренессанса

Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

Интернациональная (придворная) готика

Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

Период Предвозрождения (Проторенессанс)

Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII - начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода - Джотто, Пьетро Лоренцетти.

Раннее Возрождение

В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

Высокое Возрождение, или "Золотой век"

С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был "универсальным человеком" и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение "Мадонна в скалах" наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая "Джоконда" выполнена с использованием техники "смуффато", создающая иллюзию дымки.

Позднее Возрождение

В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции - Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

Несомненным достижением эпохи Возрождения стала геометрически правильная конструкция картины. Художник выстраивал изображение с помощью разработанных им приемов. Главное для живописцев того времени было соблюсти пропорции объектов. Даже природа подпадала под математические приемы высчитывания пропорциональности изображения с другими объектами на картине.

Другими словами, художники в эпоху Ренессанса стремились передать точное изображение, например, человека на фоне природы. Если сравнивать с современными приемами воссоздания на каком-то полотне виденного образа, то, скорее всего, фотография с последующей корректировкой поможет понять, к чему стремились художники Ренессанса.

Живописцы эпохи Возрождения считали, что они имели право исправлять недоработки природы, т.е., если человек имел некрасивые черты лица, художники исправляли их таким образом, что лицо становилось милым и привлекательным.

Леонардо да Винчи

Эпоха Возрождения стала таковой благодаря многим творческим личностям, которые жили в ту пору. Известный на весь мир Леонардо да Винчи (1452 – 1519) создал огромное количество шедевров, стоимость которых исчисляются в миллионы долларов, а ценители его искусства готовы созерцать его картины на протяжении долгого времени.

Начинал свое обучение Леонардо во Флоренции. Первое его полотно, написанное около 1478 года, - «Мадонна Бенуа». Далее были такие творения как «Мадонна в гроте», «Мона Лиза», упомянутая выше «Тайная вечеря» и еще масса других шедевров, написанные рукой титана эпохи Ренессанса.

Строгость геометрических пропорций и точное воспроизведение анатомического строения человека – вот чем характерна живопись Леонарда да Винчи. По его убеждениям искусство изображать на холсте те или иные образы является наукой, а не просто каким-то увлечением.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483 - 1520) известный в мире искусства как Рафаэль создавал свои произведения в Италии. Его картины проникнуты лиризмом и изяществом. Рафаэль – это представитель эпохи Ренессанса, который изображал человека и его бытие на земле, любил расписывать стены соборов Ватикана.

Картины предавали единство фигур, пропорциональные соответствия пространства и образов, благозвучие колорита. Чистота Богородицы явилась основой для многих картин Рафаэля. Его самое первое изображение Богоматери – это Сикстинская мадонна, которая была написана известным художником еще в 1513 году. Портреты, которые были созданы Рафаэлем, отражали идеальный человеческий образ.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли (1445 - 1510) также является художником эпохи Ренессанса. Одной из первой его работ была картина «Поклонение волхвов». Тонкая поэтичность и мечтательность были его первоначальными манерами в области передачи художественных образов.

В начале 80-х годов XV века великий художник расписывал стены Ватиканской капеллы. Фрески, сделанные его рукой, поражают до сих пор.

Со временем его картинам стали присущи спокойствие строений античности, живость изображенных персонажей, гармоничность образов. Кроме того, известно увлечение Боттичелли рисунками к известным литературным произведениям, которые также добавили только славы к его творчеству.

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело Буонаротти (1475 – 1564) – итальянский художник, который также творил в эпоху Возрождения. Чем только не занимался это известный многим из нас человек. И скульптурой, и живописью, и архитектурой, а также еще и поэзией. Микеланджело, как и Рафаэль и Боттичелли, занимался росписью стен храмов Ватикана. Ведь только самые талантливые живописцы тех времен привлекались к такой ответственной работе, как нанесение изображений на стены католических соборов. Более 600 квадратных метров Сикстинской капеллы ему пришлось покрыть фресками с изображениями различных библейских сюжетов. Самое известное произведение в подобном стиле известно нам как «Страшный суд». Смысл библейского сюжета выражен полно и ясно. Такая точность в передаче образов характерна для всего творчества Микеланджело.