lions-store.ru → Диеты от диетологов

Носорог. Мастерская П.Фоменко

Цель: ознакомить учащихся с жизнью и творчеством французского драматурга Э. Ионеско; дать понятие о «драме абсурда»; раскрыть символический смысл сюжета драмы «Носороги»; прокомментировать ключевые эпизоды драмы с выражением собственной оценки изображённого в них; воспитывать стремление к сохранению индивидуальности; обогатить духовно-нравственный опыт и расширить эстетический кругозор учащихся. оборудование: портрет Э. Ионеско, текст драмы «Носороги».

Прогнозируемые Результаты: учащиеся знают основные этапы жизни и творчества Э. Ионеско, содержание изучаемой драмы; определяют понятие «драма абсурда»; объясняют значение завязки действия; комментируют ключевые эпизоды драмы с выражением собственной оценки изображённого в них; формулируют проблемы, поставленные драматургом. тип урока: урок изучения нового материала. ХОД УРОКА I. Организационный этап II.

Актуализация опорных знаний Слушание нескольких творческих работ (см. Домашнее задание предыдущего урока) III. Постановка цели и задач урока . Мотивация учебной деятельности Учитель. Французский писатель Эжен Ионеско - известный драматург, один из ярчайших представителей театрального течения абсурдизма.

Драматические произведения Эжена Ионеско наполнены абстрактными образами, в большинстве своём воплощающими в себе идею неприятия тоталитаризма и угнетения личности. Несмотря на явную своеобразность и оригинальность образов, персонажей, идей и сюжетных линий, сам Ионеско заявлял, что его пьесы совершенно реальны.

реальны в такой же степени, как абсурдна жизнь, в этих пьесах изображённая. Этот авторский подход убедительно показывает нам, насколько философичны взгляды. В числе самых известных произведений писателя - пьесы «лысая певица», «Носороги», «Бескорыстный убийца», «Воздушный пешеход», «Бред вдвоём», «Жажда и голод», «человек с чемоданами».

авторству Э. Ионеско также принадлежит множество рассказов, эссе, воспоминаний, статей об искусстве. Многие из пьес Эжена Ионеско с трудом поддаются трактовке и могут с одинаковым успехом рассматриваться с совершенно разных точек зрения. тем не менее, каждое драматическое произведение Э. Ионеско посвящено жизни как таковой, её сложности, полноте и многообразию.

И сегодня на уроке вы убедитесь в этом. IV. Работа над темой урока 1. вступительное слово учителя - Французский драматург румынского происхождения Э.

Ионеско (1909-1994) вошёл в историю мировой литературы как ярчайший теоретик и практик «театра абсурда». термин «театр абсурда» ввёл мартин Эсслин в 1962 г. , желая дать название драматургии с алогичным бессмысленным сюжетом, представляющей зрителю совмещение несовместимого. многие литературоведы XX в.

видели истоки жанра в авангардистских литературных и философских направлениях, в частности в дадаизме. Главными основами дадаизма были пропаганда бессистемности и отрицание каких бы то ни было эстетических идеалов. театр абсурда как раз и стал новой, разрушающей театральные каноны силой, не признававшей никакие авторитеты.

театр абсурда бросал вызов не только культурным традициям, но и в какой-то степени политическому и социальному строю. События любой пьесы абсурда далеки от реальности и не стремятся к ней приблизиться.

Невероятное и невообразимое может проявляться как в персонажах, так и в окружающих предметах и происходящих явлениях. место и время действия в таких драматических произведениях, как правило, довольно сложно определить, тем более, что очерёдность и логика происходящего могут не соблюдаться.

логики нет ни в поступках персонажей, ни в их словах. авторами-абсурдистами создаются нелепые фантастические картины, поражающие, пугающие, а иногда и веселящие своим вопиющим несообразием. Иррациональность - вот к чему стремится театр абсурда. Эжен Ионеско считал термин «театр абсурда» не слишком подходящим. В своём выступлении, известном под названием «Есть ли будущее у театра абсурда?», он предлагал другой - «театр насмешки».

В нём, по мнению драматурга, нарушены все психологические и физические законы, а персонажи - просто паяцы. Большинство классических произведений Э. Ионеско считал не менее абсурдными, чем образцы новой драматургии, к которым принадлежали его пьесы. Ведь реализм в театре условен и субъективен, так как в любом случае является плодом фантазии и творчества писателя. 2. выступление учащихся с «литературными визитками» о жизни и творчестве Э.

ионеско (Учащиеся составляют хронологическую таблицу жизни и творчества Э. Ионеско.) - Эжен Ионеско - французский драматург, писатель и мыслитель, классик театрального авангарда. Эжен родился 26 ноября 1909 г. в городе Слатине, румыния; в раннем детстве родители увезли его во Францию. До одиннадцатилетнего возраста Эжен жил в деревне ла Шапель-антенез.

Жизнь в селе была счастливой для него, именно воспоминания о ней воплотились в творчестве повзрослевшего Ионеско. В 1920 г. Эжен переехал в Париж, но прожил там не более двух лет.

В возрасте тринадцати лет Ионеско вернулся в румынию, и до двадцати шести лет жил в Бухаресте. Влияние французской и румынской культур на мировоззрение будущего писателя и драматурга было противоречивым, двойственным.

Первым языком для Эжена стал французский. Воспоминания детства ярко и полно отразились в его произведениях. Однако последовавший в тринадцатилетнем возрасте переезд на родину в румынию привёл к тому, что Эжен стал забывать любимый французский. Первое стихотворение он написал на румынском языке, затем последовали французские и снова румынские стихи. Начальный этап литературного творчества Ионеско ознаменовался дерзким памфлетом «Нет!» в нигилистическом духе. В нём Эжен показал единство противоположностей, сперва осудив, а потом похвалив трёх румынских писателей.

В Бухарестском университете Эжен изучал французский язык и французскую литературу, чтобы обрести способность к письменному творчеству на французском. С 1929 г.

Эжен занялся преподаванием французского. В этот период начало зарождаться его литературное мастерство. В возрасте двадцати лет Э. Ионеско вернулся в Париж, в этот раз с намерением прожить там долго.

В 1938 г. он защитил в Сорбонне философскую докторскую диссертацию «О мотивах страха и смерти во французской поэзии после Бодлера». Ещё во времена учёбы в университете Бухареста Эжен столкнулся с проявлением националистических и профашистских настроений, царивших в молодёжном обществе. Своим творчеством Ионеско старался показать неприятие этой «модной» тенденции. молодой писатель ненавидел любое проявление тоталитаризма и идеологическое давление на людей. Эту идею он воплотил в пьесе «Носороги», ставшую затем одной из самых популярных.

В 1970 г. Эжен Ионеско стал членом французской академии Наук. На счету Эжена уже было тогда множество пьес, а также сборников рассказов, эссе и биографических воспоминаний: «Фотография полковника» (1962), «Крохи из дневника» (1967), «Прошлое настоящее, настоящее прошлое» (1968) и многие другие. В 1974 г.

Ионеско создал знаменитый роман «Отшельник». 28 марта 1994 г. Эжен Ионеско скончался в Париже от тяжелой и мучительной болезни. 3. аналитическая беседа что подтолкнуло драматурга к созданию драмы «Носороги»?

Какие другие толкования может иметь сюжет про «оносороже-ние»? Сжато перескажите сюжет этой пьесы-драмы («по цепочке»). В чём же заключается смысл массового «оносорожения» в произведении и сопротивление главного героя? что скрывает в себе метафора йонеско? Как проблема человеческого своеобразия связана с идеей пьесы? Прокомментируйте ключевые эпизоды драмы с выражением собственной оценки изображённого в них.

4. Проблемный вопрос (в парах) Как вы думаете, что имел в виду Э. Ионеско, когда утверждал: «театр абсурда будет жить всегда!

»? Согласны ли вы с его прогнозом? V. Рефлексия . Подведение итогов урока обобщение учителя - Действие драмы происходят в небольшом провинциальном городе, его жителей представляют содержатели лавки и кафе, Домашняя хозяйка, чиновники из конторы, издающей юридическую литературу, логик и некий Старый господин, вероятно, составляющие «интеллектуальную элиту».

Эжен Ионеско (Ионеску)

(1912, Румыния, г. Слатина -1994, Франция)

Французский драматург, прозаик и поэт. Живет во Франции с 1938 г. Его мать -француженка, отец - румын. В 1913 г. семья переезжает в Париж. В 1925 г. после развода родителей Эжен Ионеско вместе с отцом возвращается в Румынию. В 1935 г. Ионеско закончил филологический факультет университета в Бухаресте и затем преподавал французский язык в лицее. В 1938 г. он едет во Францию для подготовки диссертации «Темы греха и смерти во французской поэзии после Бодлера». Но диссертация так и не была написана, потому что началась война, и Франция была оккупирована немецкими войсками.
Эжен Ионеско говорил, что открыл для себя литературу в 11-12 лет благодаря Флоберу («Простое сердце», затем «Воспитание чувств»).
Начинает как поэт, и пишет стихи на румынском языке. Издает сборник стихов «Элегии для мельчайших существ» (1931). С 1930 г. выступает с критическими статьями -страсть к парадоксам. Сборник эссе «Нет» (1934). В 1949 г. пишет свою первую драму -экспериментальную, авангардистскую «антипьесу» «Лысая певица» (поставлена в 1950 г.). Показательно, что Эжен Ионеско не называет ни одного драматурга из тех, кто мог бы повлиять на него: «Я... не нуждался в чужом театре. Мне незачем было искать театр у кого-то другого, я считаю, что театр во мне самом». «Я искал театр вне театра, или вне «театральности» - т.е. я искал драматическую ситуацию в ее первобытной, глубинной подлинности». В результате все его пьесы имеют «неизменную общую основу, которую можно раскрыть непосредственно в самом себе».
В «Лысой певице» он открывает для себя абсурдность мира: бытие абсурдно, человек обречен на страдания, одиночество и смерть. Выход видит не в действии, как экзистенциалисты, а в высмеивании ужаса бессмысленного существования. Отсюда -трагический гротеск его первых пьес. В раннем творчестве Ионеско проблемы бытия, театрального искусства решались через язык и ставились через проблемы языка. «Лысая певица» - это пьеса абстрактная, где главный действующий герой - язык, а главная тема -автоматизм языка. В статье «Трагедия языка» Ионеско пишет об угрозе потери человеком индивидуальности, способности мыслить и быть самим собой. Выражение мысли - язык, но современный человек, потеряв самого себя, теряет и язык, который превращается в «разговор, ведущийся, чтобы ничего не сказать». В пьесе Смиты равны Мартинам, они взаимозаменяемы - в этом и комизм, и трагизм ситуации.
Эжен Ионеско считает, что «Лысая певица» «несет особую дидактическую нагрузку», это как бы средство борьбы с обывателем его же методами. Ионеско заостряет, предельно увеличивает обыденные жизненные ситуации, доводит повседневность до фантастики и абсурда, чтобы лучше была видна абсурдность повседневной жизни. Шоковый эффект (подобно «театру ужаса» Антонена Арго) достигается при превращении всех без исключения художественных элементов в свою противоположность. Ионеско на всех уровнях - стиль, сюжет, жанр, метод - выдерживает принцип оксюморона (напр., комическая драма, фантастический реализм). В результате односторонней точки зрения на пьесы Ионеско быть не может. Все его произведения порождают множество интерпретаций.
Пьесы Ионеско построены на мифологических и символических ситуациях, которые сочетаются с конкретно-историческим материалом. Его пьесы ориентируются, прежде всего, на подсознательные структуры психики и подчиняются ассоциативной логике сновидений. Некоторые пьесы написаны на основе его собственных снов. Например, пьеса «Воздушный пешеход» написана на основе сна о полете, который Ионеско понимает как сон о свободе и свете. Ионеско говорил, что источник его творчества - это внутренний подсознательный мир, и только затем реальный внешний, который является только видимостью. Идея: «чем индивидуальной, тем всеобщей». Человек = вселенной, а отношения в семье = законы общества. Реализация собственных страхов автора в страданиях героев помогает победить ад, присутствующий в душе каждого из нас.
В пьесах Ионеско часто разрушается иллюзия «четвертой стены», отделяющей актеров от зрителей. Для этого Ионеско использует хеппенинги («Картина», 1954, пост. 1955, опубл. 1958); прямое обращение к публике; реплики, разрушающие сценическую иллюзию. Например, «не падайте в обморок, дождитесь конца сцены» («Жак, или Подчинение», 1950-1953-1955). Персонажи могут упоминать имя Ионеско и названия его пьес («Носорог», «Приветствия», «Жертвы долга»); автор сам может появиться на сцене и изложить собственную теорию («Экспромт Альмы, или Хамелеон пастуха»).
Ранние пьесы Ионеско одноактные. Вторая пьеса Ионеско - комическая драма «Урок» была поставлена в 1951 г. (опубликована в 1953 г.). В этой пьесе Ионеско доводит до крайности, гиперболизирует положение о том, что значение слова зависит от контекста и субъекта речи. Главные герои пьесы - учитель математики и его ученица. Учитель превращается в убийцу, потому что «арифметика ведет к филологии, филология - к преступлению». Идея: язык обладает большой творческой энергией. Пословицы и поговорки - «Язык страшнее пистолета», «словом можно убить» и т.д. В этой пьесе впервые появляется одна из главных тем Ионеско - отрицание любого насилия - духовного, политического, сексуального.
В 1951 г. поставлена, в 1954 г. опубликована трагедия-фарс «Стулья». В этой пьесе также трагическое и комическое неразрывно связаны. Ситуация: два старика, супружеская пара, ждут прихода гостей и таинственного оратора, который должен возвестить некую истину. Коротая время в ожидании гостей, старик и старуха вспоминают прожитую жизнь, их воспоминания путаются, реальные события перемешиваются с фантазиями. В драме обыгрывается оппозиция «реальное - нереальное», где нереальное оказывается более живым, реальным, чем сама реальность. По ходу действия они выносят стулья для гостей, но гости так и не приходят, в том числе и потому, что многие из гостей были нереальными, только воображаемыми. В результате сцена заполняется пустыми стульями, перед которыми старики разыгрывают сцену приема гостей. Старики, так и не дождавшись гостей и оратора, кончают жизнь самоубийством. Они доверяют сказать истину за них и без них, но оратор оказывается глухонемым.
Пустота стоит в центре художественного мира Ионеско. С одной стороны, она, как чистый лист бумаги, хороша тем, что срывает в себе множество потенциальных возможностей. Как только пустота оказывается заполненной каким-нибудь одним вариантом, герои погибают, т.е. становятся такими, «как все». С другой стороны, пустота -универсальный символ смерти как «небытия». Все пьесы Ионеско аллегоричны. «Пустой стул» - аллегория-символ смерти.
Пьесы, в которых реализован прием «театра в театре», - «Жертвы долга» и «Амедей, или Как от него избавиться».
В 1953 г. поставлена, в 1954 г. издана пьеса «Жертвы долга». Драматург Шубер доказывает, что «нового театра» не существует, и тут же сам становится героем «новой драмы». Герой тонет в грязи, когда вспоминает прошлое, и поднимается на вершину, когда старается обрести себя - это универсальные архетипические ситуации и символы, часто встречающиеся в сновидениях.

В 1954 г. поставлена и опубликована комедия «Амедей, или Как от него избавиться». В этой пьесе главный герой - драматург Амедей. Его страхи вместо того, чтобы найти выражение в творчестве (т.е. сублимироваться), материализуются в реальной жизни. Герой не может освободиться от страхов и комплексов, которые мучают его в этой жизни, и в его квартире появляется разрастающийся труп - это его «скелет в шкафу». Он не может сохранить любовь - самое дорогое, чем он владел. Но, взлетая, он освобождается от покойника (и тягот жизни) и испытывает облегчение, покидая этот мир. Первоначально на этот сюжет Ионеско написал рассказ «Орифламма», который затем был переделан в пьесу «Амедей, или как от него избавиться». Такая ситуация возвращения к одному кругу тем и сюжетов характерна для Ионеско, и со временем тенденция восприятия своего творчества как единого интертекста только усиливалась. Так, рассказ «Фотография полковника» превратился в пьесу «Бескорыстный убийца», а рассказы «Воздушный пешеход», «Жертва долга», «Носорог» - в одноименные драмы.
«Амедей» - первая трехактная пьеса Ионеско. Также, начиная с «Амедея», действие в пьесе строится не на языковом, а на ситуационном абсурде. Фантастика становится более натуралистичной, появляются причинно-следственные связи между событиями и предметами, но вместе с тем использование мифологических архетипических ситуаций усиливается. Автор отказывается от идеи шокирования зрителя.
В 1958 г. опубликована, в 1959 г. поставлена пьеса «Убийца по призванию» («Бескорыстный убийца»),
В 1959 г. поставлена и опубликована пьеса ((Носороги» («Носорог»?). Об этой пьесе критики писали, что она является «первой понятной пьесой» Ионеско. Здесь представлена аллегория человеческого общества, и озверение людей - превращение их в чудовищ-носорогов - является прямым следствием тоталитарного устройства общества. Эта пьеса отсылает, с одной стороны, к ситуациям кошмарного сновидения и, с другой - к древней традиции превращений в литературе, и, в частности, из литературы XX века - к «Превращению» Кафки. Ионеско реализует принцип «фантастического реализма», когда достаточно всего одного сдвига, превращения и весь мир изменяется и начинает подчиняться абсурдной логике. В «Носороге» впервые появляется характер - главный герой Беранже, неудачник и идеалист и поэтому предмет насмешек жителей провинциального городка. Вместе с тем Беранже единственный в пьесе, кто сохраняет до конца свой человеческий облик. Он становится свидетелем того, как жители небольшого городка под влиянием заразы «массового психоза» превращаются в носорогов, в том числе и его любимая девушка Дэзи. Превращение в носорога сопровождается словами «надо идти в ногу со временем» - и герою даже становится стыдно, что он стоит в стороне от общего движения и не может достичь идеала. Идея активного сопротивления злу неприемлема для Ионеско. Он считает, что насилие всегда порождает ответное насилие. Чудовище «носорог» - символический образ диктатуры любого рода - политической или духовной - и в первую очередь -фашизма. Ионеско писал: «Носороги, несомненно, антинацистское произведение, но прежде всего это пьеса против коллективных истерий и эпидемий, скрывающихся под личиной разума и идей, но не становящихся от этого менее серьезными коллективными заболеваниями, которые оправдывают различные идеологии». В России имя Ионеско с 1967 г. и до конца 80-х гг. находилось под идеологическим запретом в связи с его критикой тоталитарных режимов.
В 60-е гг. становится заметной эволюция взглядов Ионеско и начинается условно «второй период» его творчества». В его произведениях появляются наброски положительной программы, что в принципе изначально не было свойственно «антидраме». По-прежнему автор и его герои не разделяют идеи прогресса, не принимают исторически сложившийся порядок вещей за единственно возможный и разумный и выступают за истину настоящего мгновения в противовес застывшему прошлому. Но уже автор хочет донести свою идею до зрителя, он переосмысляет задачи драматурга. В пьесе «Воздушный пешеход» (1963, поставлена и опубликована) драматург Беранже - сквозной герой пьес Ионеско - утверждает, что уже не может относиться к литературе только как к игре. Особенность этой пьесы также в том, что герои ранних пьес (буржуа «Лысой певицы») вводятся в текст в качестве второстепенных героев, т.е. как подчиненный элемент.
Пьесы 60-х гг. приближаются к экзистенциальной драме, содержательный элемент в них усиливается.
Центральная для творчества Ионеско тема смерти как постепенного умирания и разрушения личности реализована в пьесе «Король умирает». Главный герой - Беранже, который в этой пьесе стал монархом, но все равно остался маленьким человеком. В этой пьесе много литературных реминисценций: от Экклезиаста, древнеиндийского трактата о смерти до «Надгробных речей» Боссюэ. Главный источник - миф о необходимости умерщвления короля для спасения страны. Смерть как необходимый этап для последующего возрождения.
Опубликована в 1965 г., поставлена в 1966 г. пьеса «Жажда и голод», в третьем акте которой поставлен вставной спектакль с двумя клоунами. Образ библейской «духовной жажды». Эта пьеса - наиболее полное воплощение пессимистических идей Ионеско.
Центральный сюжет поздней драматургии Ионеско - поиск утраченного рая. Реминисценции из Данте, Гете, Ибсена, Метерлинка, Кафки, Пруста, Поля Клоделя.
В 1971 г. Ионеско избран членом Французской академии.
В 1972 г. поставлена и опубликована пьеса «Макбетт» на шекспировский сюжет.
В 1973 г. - пьеса «Этот потрясающий бордель». Прозаический источник этой пьесы - роман Ионеско «Одинокий» (1973). Образ борделя используется как метафора, с помощью которой описывается мир. Еще одна метафора: все мироздание - это только шутка Бога. Отношение к вере в Бога у самого Ионеско неоднозначно. С одной стороны, вера в Бога придает жизни смысл, но, с другой стороны, помещает жизнь в жесткие рамки и тем самым обессмысливает ее. Пьеса объединяет сквозные темы всего творчества Ионеско:
неприятие политики, апокалиптическое видение мира, ужас перед смертью. Герой избегает вообще каких-либо поступков. Для него бездействие - это единственный способ самосохранения. В такой принципиальной пассивности героя заключаются и сила, и его слабость. В пьесе соединяются персонажи, мотивы, приемы и целые эпизоды из предшествующих пьес Ионеско («Жажда и голод», «Носорог», «Новый жилец», «Бред вдвоем», «Бескорыстный убийца», «Воздушный пешеход» и др.).
В 1969 г. Ионеско, тогда уже известный драматург, в соавторстве с лингвистом М. Бенаму создал учебник французского языка. Диалоги и сценки из него он объединил в самостоятельную пьесу - «Упражнения в устной речи и французском произношении для американских студентов» (1974). Ионеско в своей пьесе точно соблюдает все требования учебника - постепенное усложнение фонетики и морфологии. Он разрабатывает универсальную и вместе с тем абсурдную картину бытия. Затем подобное экспериментальное соединение грамматики с правилами собственного творчества предпримет Ален Роб-Грийе в повести «Джин» (1981) - также учебнике французского языка для американских студентов.

Литература:
1. Ионеско Э. Носорог. - "Симпозиум", 1999.
2. Ионеско Э. Носорог: Пьесы и рассказы. - М., 1991.
3. Ионеско Э. Лысая певица: Пьесы. - М., 1990.

Министерство образования и науки Российской Федерации

АКДЕМИЯ МАРКЕТИНГА И СОЦИАЛЬНО-ИНФОРМАЦИОННЫХ ТЕХНОЛОГИЙ

Кафедра английской филологии.

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине: История зарубежной литературы

на тему: «ФУНКЦИЯ АБСУРДА В АНТИДРАМАХ ЭЖЕНА ИОНЕСКО»

Работа выполнена:

студенткой 4 курса

группы 03-зф-01

Дмитриевой М.Н.

Научный руководитель к.ф.н., доцент Блинова Марина Петровна

Краснодар, 2006

Введение………………………………………………………………..……3

1.Глава. Значение термина «абсурд». Абсурд и ХХ век…………...…….5

2.Глава. Проявление абсурдной реальности в пьесах Э.Ионеско……….12

2.1. Проявление абсурда в средствах коммуникации, речи................12

2.2. Критика системы образования и политических систем..……… 17

2.3.Бессмысленность и обыденность бытия……………... ……….. 24

Заключение………………………………………………………………… 28

Список использованной литературы………………………………………30

Введение.

Двадцатый, а теперь уже 21 век, по праву можно назвать веком абсурда, время, когда человечество ощущает бессмысленность и нелепость той жизни, которую они ведут. Невозможность найти в ней смысла, потому что старые ценности и традиции нарушены, а новые если и появились, то далеко не всех удовлетворяют. К примеру, Эжен Ионеско был противником какой-либо идеологии, особенно в некоторых своих антидрамах он критикует фашизм, хотя в середине века, пожалуй, Италия, Германия и др. свято верили в идеи фашизма и жили ими. Как бы странно это не звучало, но фашизм был неизбежен.

Новое время истории – научные открытия и технический прогресс; все бегут, спешат. Куда бегут? Зачем торопятся? На бегу, схватывая льющиеся потоки информации, мы не успеваем все это осознать и обдумать. Вот и получается, что наша жизнь: «Утро. Ноги. Тапки. Кран. Завтрак. Деньги класть в карман. Пиджак. Дверь. Работа. Транспорт. Крик. Начальник. Шум. Башка. Упасть. Лежать. Ноги. Руки. Дом. Кровать. Плохо. Ночь. Темно. Дурман. Утро. Ноги. Тапки. Кран», а в результате человек превращается в робота, живущего по шаблону и говорящего сплошными штампами и клише. А может все давно уже сказано и просто невозможно не повторяться? Или все же есть что сказать? Грустно все это и нелепо, а вот Ионеско так не считает. В ответ на то, что его театр называли «театром абсурда», он говорил: «Я бы предпочел называть этот театр «театром насмешки». Действительно, персонажи этого театра, моего театра, ни трагические, ни комические, они - смешные. У них нет каких бы то ни было трансцендентальных или метафизических корней. Они могут быть только паяцами, лишенными психологии, во всяком случае, психологии в том виде, как ее до сих пор понимали. И, тем не менее, они, конечно же, станут персонажами-символами, выражающими определенную эпоху». И действительно, читаешь трагедию жизни, а вместо того, чтобы плакать - смеешься тому, например, как приличной даме отрывают руки и ноги, и она такая растрепанная уходит со сцены.

Цель нашей работы - анализ пьес антидраматурга Эжена Ионеско. А задача - выявить функцию абсурда в его произведениях, а также способы создания абсурдных и комичных ситуаций. В первой главе мы охарактеризуем само понятие «абсурд», и ознакомимся с эстетикой «театра абсурда».

Глава 1. Значение термина «абсурд». Абсурд и ХХ век.

Итак, прежде чем приступать непосредственно к анализу антидрам Эжена Ионеско следует объяснить значение термина «абсурд», проследить историю возникновения этого понятия, узнать как трактуют его различные философские течения (экзистенциалисты, например).

Сам термин в европейские языки приходит из латыни: ab – «от», surdus – «глухой», ab-surdus – «неблагозвучный, нелепый, причудливый». Это мир наоборот, наизнанку, антимир. Понятие «абсурд» возникло еще у ранних греческих философов и означало в их построениях логический абсурд, когда рассуждение приводит рассуждающего к очевидной бессмыслице или противоречию. Абсурд противопоставлялся Космосу и Гармонии, в принципе, у античных философов абсурд сравнивался с Хаосом. Таким образом, под абсурдом понималось отрицание логики, несогласованность поведения и речи. Затем оно перекочевало в математическую логику. Также это понятие относилось к области музыки и акустики, и его значение связывалось с несообразным, неблагозвучным, нелепым или просто еле слышным звучанием. Кроме того, в латинском языке понятие абсурда начинает осмысляться как философско-религиозная категория.

Таким образом, понятие абсурда, начиная с античности, выступало в трех значениях. «Во-первых, как эстетическая категория, выражающая отрицательные свойства мира. Во-вторых, это слово вбирало в себя понятие логического абсурда как отрицание центрального компонента рациональности - логики, а в-третьих - метафизического абсурда (т. е. выход за пределы разума как такового). Но в каждую культурно-историческую эпоху внимание акцентировалось на той или иной стороне этой категории».

К примеру, Фридрих Ницше, рассуждая о роли хора в древнегреческой трагедии, поднимает проблему абсурда. Ницше проводит параллель между греческим хором и Гамлетом и приходит к выводу о том, что их объединяет способность с помощью рефлексии (рефлексия- «форма теоретической деятельности человека, направленная на осмысление своих собственных действий и их законов») раскрыть и познать в момент кризиса истинную сущность вещей. Вследствие этого познания человек оказывается в трагической ситуации утраты иллюзий, видя вокруг себя ужас бытия, который Ницше сравнивает с абсурдом бытия. Философ показывает, что абсурд порождает особый театрально-художественный прием «зритель без зрелища», «зритель для зрителя», который станет одним из основополагающих для эстетики театра абсурда, при этом абсурд еще не рассматривается им как искусство. Само же искусство, согласно Ницше, представляет собой «правдивую» иллюзию, сила воздействия которой способна обуздать ужас и, соответственно, абсурд бытия.

Все же огромное влияние на театр абсурда второй половины ХХ века оказала не конкретно философия Ницше, а учения об абсурде экзистенциалистов. Можно назвать представителей антитеатра последователями экзистенциализма, основными представителями которого были Мартин Хайдеггер, Альбер Камю и Жан-Поль Сартр. В интерпретации абсурда они опираются на концепции Кьеркегора и Ницше. Экзистенциалисты говорят об абсурдности человеческого существования, утраты смысла, об отчуждении личности не только от общества и истории, но и от себя самой, от своего места в обществе. Согласно экзистенциалистам человек стремится к согласию с миром, а этот мир остается либо равнодушным, либо враждебным. И получается, что человек, якобы соответствующий окружающей действительности, на самом деле ведет в ней неподлинное существование. Таким образом, абсурд, в понимании философов-экзистенциалистов, является разладом человеческого существования с бытием. Абсурдное сознание - это переживание отдельного индивида, связанное с острым осознанием этого разлада и сопровождающееся чувством одиночества, тревоги, тоски, страха. Окружающий мир стремится обезличить каждую конкретную индивидуальность, превратить ее в часть общего бытия. Поэтому человек ощущает себя «посторонним» в мире равнодушных к нему вещей и людей.

Конечно, Камю стремился не только дать определение понятию «абсурд», а показать результаты, к которым привела война и в какой ситуации оказалась Европа. Абсурд стал темой для дискуссий в европейских интеллектуальных кругах. Но в постоянный обиход слово абсурд внедрилось не только под влиянием философии экзистенциалистов, но и благодаря ряду театральных произведений, появившихся в начале 1950-х гг.

Это были представители театра абсурда Эжен Ионеско и Самюэль Беккет, а также Фернандо Аррабаль и другие. Первым теоретиком абсурда был Мартин Эсслин, в 1961г. Он опубликовал книгу «Театр Абсурда». Трактуя абсурд, Эсслин говорит о том, что человек не лишает действительность смысла, а, наоборот, вопреки всему человек пытается наделить смыслом нелепую действительность.

Абсурдное сознание появляется в период культурно-исторических кризисов, таким периодом и являлась эпоха постмодернизма. О.Буренина анализируя абсурд, описывает, как Ихаб Хасан классифицирует абсурд, он включает в себя несколько стадий: 1) дадаизм (Тристан Тцара) и сюрреализм; 2) экзистенциальный или героический абсурд, фиксирующий бессмысленность бытия по отношению к рефлексирующей личности (Альбер Камю); 3) негероический абсурд: человек здесь не бунтует, он бессилен и одинок. Эта стадия ведет к созданию театра абсурда (Самюэл Беккет); 4) абсурд-агностицизм, при котором смысловая неясность, многоплановость интерпретации выдвигается на первый план (Аллен Роб-Грийе); 5) игровой абсурд, разоблачающий претензии языка на истинность и достоверность, вскрывающий иллюзорность любого текста, организованного в соответствии с правилами«культурного кода» (Ролан Барт). Согласно этой парадигме, понятие абсурда четко обусловлено модернистским и постмодернистским сознанием. Принцип, объединяющий все эти стадии абсурда - художественная анархия; основной принцип организации текстов -смешение явлений и проблем разного уровня; самый характерный прием - самопародия.

Антидрама заняла промежуточное, переходное положение между модернизмом послевоенных лет и «антироманом». Как мы уже упоминали самыми известными «антидраматургами» были Э.Ионеско и С.Беккет, оба они писали пьесы на французском языке, неродном для них (Ионеско- румын, Беккет-ирландец). Но, как отмечал Сартр, именно это обстоятельство давало возможность доводить языковые конструкции до абсурда. То есть, заведомый недостаток в рамках эстетического направления парадоксально обернулся достоинством. Предтечей абсурдистов были гротескные комедии французского классика Альфреда Жарри, написанные на рубеже XIX и XX веков. Однако, для того, чтобы абсурдистские идеи отчуждения и ужаса заявили о себе на весь мир, человечеству необходимо было получить трагический опыт катастроф и потрясений первой половины ХХ столетия. Театр абсурда не появился сразу после окончания Второй мировой войны: сначала – шок, а потом – осознание всего, что произошло. Только после этого психика художника превратила итоги мировой катастрофы в материал для художественного и философского анализа.
Многочисленные пьесы театра абсурда определяются атмосферой всеобщего идиотизма и хаоса, можно сказать, что это основной инструмент для создания иной реальности в театре абсурда. Действие пьес зачастую происходят в небольших помещениях, совершенно изолированных от внешнего мира.
Термин «театр абсурда» принадлежит американскому критику Мартину Эсслину. Многие драматурги данное им определение отвергали, утверждая, что их произведения не более абсурдны, чем реальная действительность. Но, несмотря на бесконечные споры, жанр приобрёл популярность.

Основоположники «нового театра» считали бытие иррациональным и алогичным: в этом мире человек обречен на одиночество, страдания и смерть. Представители театра абсурда не принимали театр идейный, особенно театр Бертольда Брехта. Ионеско заявил, что «у него нет никаких идей перед тем, как начинает писаться пьеса». Его театр - «абстрактный или нефигуративный. Интрига не представляет никакого интереса. Антитематический, антиидеологический, антиреалистический. Персонажи лишены характеров. Марионетки».

В абсурдистских пьесах катарсис отсутствует, политическую идеологию Э. Ионеско отвергает, но пьесы были вызваны к жизни тревогой за судьбы языка и его носителей. Идея «Лысой певицы» и последующих его творений в том, чтобы зритель «словесный сор из сердца вытряс» и отторгал всякие шаблоны - поэтические, философские, политические как опасные средства нивелировки личности.

Источником «автоматической» речи, парализующей сознание людей, послужили фразы из учебника английского языка, состоявшему из бессмысленных банальностей и наборов слов. Речевые штампы и автоматические поступки, за которыми стоит автоматизм мышления – все это он увидел в современном буржуазном обществе, сатирически описывая его скудную жизнь. Герои этой пьесы – две супружеские пары, Смиты и Мартены. Они встречаются за ужином и ведут светский разговор, неся околесицу. Герои «Лысой певицы» – необычны, они – не люди в привычном смысле этого слова, а марионетки. Мир, населенный бездушными марионетками, лишенный какого бы то ни было смысла, – и есть главная метафора театра абсурда. Антипьеса «Лысая певица» старалась довести мысль об абсурдности мира не какими-то пространными рассуждениями, а действиями героев и их репликами в обычном общении. Желая убедить нас в том, что люди сами не знают, что хотят сказать, и говорят, чтобы ничего не сказать, Ионеско написал пьесу, в которой действующие лица говорили сущую нелепицу, по идее это и общением назвать нельзя. Чего только стоит чепуха, которую с серьезным видом несла Миссис Смит о бакалейщике Попеску Розенфельд:

«У миссис Паркер есть знакомый болгарский бакалейщик Попеску Розенфельд, он только что приехал из Константинополя. Большой специалист по йогурту. Окончил институт йогурта в Андринополе. Завтра же надо будет у него купить большой горшок болгарского фольклорного йогурта. Такие вещи редко встретишь у нас в окрестностях Лондона.

Мистер Смит щелкает языком, не отрываясь от газеты.

Йогурт прекрасно действует на желудок, почки, аппендицит и апофеоз».

Возможно, вложив в уста Миссис Смит тираду об институте йогурта, Ионеско тем самым хотел высмеять многочисленные и в большинстве своем бесполезные научные институты, которые подвергают анализу и исследованию все, что только есть в этом абсурдном мире.

Люди говорят, произносят красивые слова, не зная их смысла (причем здесь «аппендицит и апофеоз»), все потому, что их сознание настолько забито избитыми выражениями и штампами, перепутавшимися один с другим, что они употребляют их бессознательно, лишь бы что-то сказать. Та нелепица, что сидит в головах главных героев пьесы, очень четко отражена в самом конце, в 11 сцене, когда как будто в состоянии всеобщей истерии они начинают вытаскивать из памяти все слова и выражения, которые когда-либо знали:

«Мистер Смит. Хлеб это дерево, но и хлеб тоже дерево, и каждое утро на заре из дуба растет дуб.

Миссис Смит. Мой дядя живет в деревне, но повитухи это не касается.

Мистер Мартин. Бумага для письма, кошка для мышки, сыр для сушки.

Миссис Смит. Автомобиль ездит очень быстро, зато кухарка лучше стряпает.

Мистер Смит. Не будьте дураком, лучше поцелуйтесь со шпиком.

Мистер Мартин . Charity begins at home.

Миссис Смит. Я жду, что акведук придет ко мне на мельницу.

Мистер Мартин. Можно доказать, что социальный прогресс лучше с сахаром.

Мистер Смит. Долой сапожную ваксу!»

Главным в пьесе является то, что коммуникация становится невозможной, поэтому возникает вопрос: Нужно ли нам то средство с помощью которого осуществляется общение, т.е. язык? Персонажи Ионеско далеки от того, чтобы искать новый язык, замыкаются в безмолвии их собственного языка, ставшего бесплодным.

Произнося всякую нелепицу, бессвязно и невпопад отвечая на реплики собеседников, герои антипьесы доказывают то, что в современном обществе человек одинок, его не слышат другие, да и он не старается понять своих близких. Например, в начале пьесы Миссис Смит «обсуждает» со своим мужем проведенный вечер. На ее реплики Мистер Смит лишь «щелкает языком не отрываясь от газеты» , складывается впечатление, что Миссис Смит говорит в пустоту. Да и сами себя они, как кажется не слышат, поэтому их речь противоречива: «Мистер Смит. Черты лица у нее правильные, но красивой ее не назовешь. Она слишком высока и толста. Черты лица у нее неправильные, но она очень красива. Она маловата ростом и худа. Она учительница пения». Термин «потерянное поколение» Ионеско своим героям не приписывал, но все же они не могут связно ответить на вопрос, описать событие, потому что все потеряно: ценности разрушила война, жизнь нелогична и бессмысленна. Они сами не знают кто они такие, внутри они пусты. У экзистенциалистов есть два понятия «сущность» и «существование», так вот герои этой пьесы просто-напросто существуют, в них нет никакой сущности, подлинности. Пьеса начинается диалогом между Мистером и Миссис Смит, а заканчивается диалогом Мистера и Миссис Мартин, хотя разницы, в общем-то, никакой, они безлики и одинаковы.

Герои антипьесы совершают непонятные и невразумительные поступки. Они живут в абсурдной реальности: заканчивают «институт йогурта», а взрослая девушка служанка Мэри, смеясь и плача, сообщает, что купила себе ночной горшок, труп Бобби Уотсона через четыре года после смерти оказывается теплым, а хоронят его через полгода после смерти, причем Мистер Смит говорит, что «это был красивейший труп».

Один из приемов, которые использует Ионеско – это принцип нарушения причинно-следственных отношений. «Лысая певица» начинается нарушением причинной последовательности. Реплика госпожи Смит:

«О, девять часов. Мы съели суп, рыбу. Картошку с салом, английский салат. Дети выпили английской воды. Сегодня мы хорошо поели. А все потому, что мы живем под Лондоном и носим фамилию Смит».

И далее в пьесе этот прием систематически используется. Например, когда Мистер Смит заявляет: «Все в застое - торговля, сельское хозяйство и пожары…Год такой», - Мистер Мартен продолжает: «Нет хлеба, нет огня» , превращая, таким образом, то, что является простым сравнением, в абсурдную причинную связь. Искажение связи причины и следствия, парадокс - один из источников комизма. В седьмой сцене мы наблюдаем следующий парадокс:

Мистер Смит. Звонят.
Миссис Смит. Не стану открывать.
Мистер Смит. Но, может, все-таки кто-то пришел!
Миссис Смит. В первый раз - никого. Второй раз - никого. И откуда ты взял, что теперь кто-то пришел?
Мистер Смит. Но ведь звонили!
Миссис Мартен. Это ничего не значит.

Сущность парадокса состоит в неожиданном несовпадении вывода с посылкой, в их противоречии, что наблюдается в реплике Миссис Смит - "Опыт показал, что когда звонят, то никогда никого не бывает".

Отсутствие причинно-следственных связей приводит к тому, что факты и доводы, которые должны были бы удивить всякого, не вызывают никакой реакции со стороны собеседника. И наоборот, самый банальный факт вызывает удивление. Так, например, услышав рассказ Миссис Мартен о том, что она увидела нечто необыкновенное, а конкретно "Господина, прилично одетого, в возрасте пятидесяти лет", который всего на всего зашнуровывал ботинок, остальные приходят в восторг от услышанного и долго обсуждают это «необычайное происшествие». Кроме этого у героев пропадает память. "Память - это, в основном, коллекция событий, позволяющих восстанавливать следствие всякой вещи. Если мир детерминизма не может быть понятен без памяти, фиксирующей причинные отношения, мир индетерминизма, так, как его понимает Ионеско, исключает общую память" . Мистер и Миссис Мартен признают свою супружескую связь только после того, как они установили, что спят в одной и той же постели и имеют одного и того же ребенка. Господин Мартен подытоживает:

«Итак, дорогая мадам, нет никакого сомнения в том, что мы с вами встречались и вы моя законная супруга… Элизабет, я вновь тебя обрел!»

На протяжении всей пьесы персонажи «Лысой Певицы» несут всякую околесицу в унисон английским настенным часам, которые «отбивают семнадцать английских ударов». Сначала эти часы били семь часов, потом три часа, а затем интригующе молчали, а потом и вовсе «расхотели отчитывать время». Часы потеряли способность измерять время потому, что вообще исчезла материя, внешний мир утратил свойства реальности. Звонок звонит, но никто не входит - это убеждает персонажей пьесы в том, что никого и нет, когда звонят. Иными словами, сама реальность не способна дать знать о себе, ибо неизвестно, что она такое.

Все поступки, совершаемые персонажами «Лысой певицы», нелепости, повторяемые ими бессмысленные афоризмы - все это напоминает нам эпоху дадаизма, дадаистские спектакли начала ХХ века. Однако различие между ними заключается в том, что если дадаисты утверждали о бессмысленности мира, то Ионеско все же претендовал на философский подтекст. В нелепостях его «антипьес» мы видим намек на абсурдную реальность. Он сознавался в том, что пародировал театр, ибо хотел пародировать мир.

2.2. Критика системы образования и политических систем.

Одной из ведущих тем творчества Ионеско была тема разоблачения любых форм подавления личности. В «комической драме» «Урок» учитель оглупляет и морально калечит своих учеников, а, например, в «псевдодраме» «Жертвы долга» полицейский унижает драматурга, который доказывал, что «нового театра» не существует - характерно, что несчастного спасает поэт, сторонник иррационального театра.

8.Райан Пети «От Беккета к Стоппарду: Экзистенциализм, Смерть и Абсурд»

Взгляд на Ницше Н.Фёдоров. Статьи о Ницше.

Театр абсурда - тип современной драмы, основанный на концепции тотального отчуждения человека от физической и социальной среды. Такого рода пьесы впервые появились в начале 1950-х годов во Франции, а затем распространились по Западной Европе и США.

Термин театр абсурда впервые использован театральным критиком Мартином Эсслином, в 1962 написавшим книгу с таким названием. Эсслин увидел в этих произведениях художественное воплощение философии Альбера Камю о бессмысленности жизни в своей основе, что он проиллюстрировал в своей книге Миф о Сизифе. Считается, что театр абсурда уходит корнями в философию дадаизма, поэзию из несуществующих слов и авангардистское искусство 1910-20-ых. Несмотря на острую критику, жанр приобрёл популярность после Второй мировой войны, которая указала на значительную неопределённость человеческой жизни. Введённый термин также подвергался критике, появились попытки переопределить его как анти-театр и новый театр. По Эсслину, абсурдистское театральное движение базировалось на постановках четырёх драматургов - Эжена Ионеско, Сэмюэла Беккета, Жана Жене и Артюра Адамова, однако он подчёркивал, что каждый из этих авторов имел свою уникальную технику, выходящую за рамки термина абсурд.

Движение театра абсурда или нового театра, очевидно, зародилось в Париже как авангардистский феномен, связанный с маленькими театрами в Латинском квартале, а спустя некоторое время обрело и мировое признание. О возникновении новой драмы заговорили после парижских премьер Лысой певицы, 1950 Э.Ионеско и В ожидании Годо, 1953 С.Беккета. Характерно, что в Лысой певице сама певица не появляется, а на сцене находятся две женатые пары, чья непоследовательная, полная клише речь отражает абсурдность мира, в котором язык скорее затрудняет общение, нежели способствует ему. В пьесе Беккета двое бродяг ждут на дороге некоего Годо, который так и не появляется. В трагикомической атмосфере потери и отчуждения эти два антигероя вспоминают бессвязные фрагменты из прошлой жизни, испытывая безотчетное ощущение опасности.

В ожидании Годо - пьеса ирландского драматурга Сэмюэля Беккета. Написана Беккетом на французском языке между 9 октября 1948 и 29 января 1949 года, а затем переведена им же на английский. В английском варианте пьеса имеет подзаголовок трагикомедия в двух действиях.

Пьеса В ожидании Годо принадлежит к числу тех произведений, которые повлияли на облик театра XX века в целом. Бекетт принципиально отказывается от какого-либо драматического конфликта, привычной зрителю сюжетности, советует П.Холу, режиссировавшему первую англоязычную постановку пьесы, как можно больше затянуть паузы и буквально заставить зрителя скучать. Жалоба Эстрагона ничего не происходит, никто не приходит, никто не уходит, ужасно! является и квинтэссенцией мироощущения персонажей, и формулой, обозначившей разрыв с предшествующей театральной традицией.

Построена на повторах и параллелизмах = явный признак художественности. С одной стороны 2 бомжа обсуждают свои физ. недостатки. Но это драм. произв., пьеса = диалог персонажей - это не диалог, а некое сообщение вам. У драматурга несколько приемов нагнетания абсурда. Тут и путаница в последовательности событий, и нагромождение одних и тех же имен и фамилий, и неузнавание супругами друг друга, и рокировка хозяева-гости, гости-хозяева, бесчисленное повторение одного и того же эпитета, поток оксюморонов, явно упрощенное построение фраз, как в учебнике английского языка для начинающих. Словом, диалоги по-настоящему смешны. Нет кульминации, нет развития действия = антисюжет. Антихарактер героев нельзя различить. Антиречь антиязык, антикоммуникация. Разрыв между означающим и означаемым. 1-е название пьесы - Английский без труда, 1-ая же реплика - топик. Из-за разрыва означающего и означаемого люди разучиваются говорить и учатся делать это заново, потому и говорят топиками = конфликт на уровне языка, а не мироздания. Напряжение внутри заголовка - Лысая певица - внесценический персонаж, не имеющий значения. Заголовок - сгущенная аббривеатурность текста, антизаголовок. Антивремя: ремарки часы бьют ноль раз - антиремарка, т.к. призвана помогать режиссёру, но не выполняет этого. Антифинал: действие в конце начинается заново, персонажи меняются местами. То, что для нас абсурдно, для героев норма; то, что абсурдно для героев - для нас норма, т.е. под вопросом само понятие нормы, её устойчивость.

Эжен Йонеско - один из представителей «театра абсурда». Известный французский драматург Эжен Йонеско (1909-1994) не имел целью воссоздавать действительность. Произведения этого драматурга похожи на головоломку, так как ситуации, характеры и диалоги его пьес напоминают скорее ассоциации и образы сна, чем реальности. Но с помощью абсурда автор передает печаль за потерей идеалов, что и делает его пьесы гуманистическими. Эжен Йонеско был не только драматургом, но и эссеистом-философом. Часто его пьесы сопоставляют с экзистенциализмом, поскольку по своей сути они призваны передать абсурдность бытия и показывают человека в состояние выбора. Сюрреализм пьес Йонеско сопоставляют с законами цирковой клоунады, античного фарса. Типичным приемом его пьес является накопление предметов, которые грозятся поглотить актеров. Вещи приобретают жизнь, а люди превращаются в безжизненные предметы. Драма Э. Йонеско «Носороги» - одна из интереснейших пьес не только своего времени. Написанная в 1959 году, она отобразила существенные особенности развития человеческого общества (вне границ времени и пространства). В самом деле, в «Носорогах» разыгрывается драма одиночества личности, индивидуального сознания в столкновении с общественным механизмом. Йонеско утверждает, что идея имеет цену и смысл, пока она не пленила сознание многих, так как тогда она становится идеологией. А это уже опасно. Йонеско применяет своеобразную форму, гротескную картину преобразования людей в носорогов. Абсурдность событий, изображенных драматургом, подчеркивает остроту мысли автора, который выступает против обезличивания, лишения индивидуальности. Учитывая время написания пьесы, разумеется, волнует Йонеско проблема наступающего, воинствующего тоталитаризма. Муссолини, Сталин или Мао - всегда где-то найдется идол, которого обожествляют, которому поклоняется толпа. Но именно идол обращается к толпе, а не к человеку. Бог воспринимается индивидуально и делает нас лично ответственными за все, что делаем, то есть - неповторимыми. А Сатана обезличивает, делает толпой. Таким образом, от событий своего времени Йонеско делает шаг к обобщению обще этического характера. Сквозь видимый абсурд событий, описанных в «Носорогах», просвечиваются важные философские идеи: смысл бытия, способность человека противостоять злу, сохранять себя как личность. Идея противостояния злу показана через сопротивление пьяницы и неряхи Беранже общей массе.

Почему именно ему, а не изысканному правильному Жану, который знает, как жить, это удается? Ведь, на первый взгляд, Жан - это олицетворение всех добродетелей, олицетворение респектабельности и общественного признания. Тем не менее, все это - способ быть как все, иметь уважение общества, живя по правилам. Он не признает других людей и мыслей, и эта нетерпимость не дает ему видеть других, ощущать еще кого-то. Толерантное отношение к чужим идеалам, вкусам, вероисповеданию, нациям - свидетельство высокой культуры, миролюбивости. Именно этими чертами наделен Беранже. Для него внешний успех, к которому стремится Жан, несущественный. Но это и дает ему свободу самому решать, что есть зло, и самому бороться: «Я последний человек и буду им до самого конца! Я не сдамся!». Таким образом, средствами театра абсурда Эжен Йонеско предупреждает человечество об угрозе обезличивания и тоталитаризма. И в этом скрытый смысл пьесы «Носороги». Пьесы Йонеско имеют закодированный характер, для них существует термин «антипьесы». Персонажи часто ирреальные, гиперболизированные, каждый будто ведет свою линию. Именно поэтому спектакли по его пьесам иногда ставили по принципу фуги когда одна тема органически вплетается в другую, но их много и звучат одновременно. Сам драматург сознавался, что для него интересно было найти сценичность даже там, где ее нет. Яркой особенностью пьес Йонеско является также «обрезанная» концовка. Драматург считал, что конца пьесы не может быть, как не может быть конца жизни. Но концовки пьес нужны, так как зрителям нужно когда-то идти спать. Так вот не все ли равно, когда «отрезать» пьесу от зрителя. Абсурд - это непонимание каких-то вещей, законов мирового устройства. По мнению Йонеско, абсурд рождается из конфликта воли личности с мировой волей, из конфликта личности с самой собой. Поскольку разногласие невозможно подчинить логике, то и рождается абсурд. Причем это состояние абсурда кажется автору более убедительным, чем любая логическая система, так как она абсолютизирует одну идею, теряя другую. Абсурд - способ показать удивление перед миром, перед богатством и непонятностью его существования. Язык пьес Йонеско освобожден от обычных значений и ассоциаций благодаря парадоксам, часто юмористическим, клише, поговоркам и игры слов. Те слова, которые говорят герои, часто противоречат реальности и означают совсем противоположное. Йонеско считал, что театр - это зрелище, где человек смотрит на самого себя. Это ряд состояний и ситуаций с нарастающей смысловой нагрузкой. Цель театра - показать человеку его самого, чтобы освободить от страха перед обществом, перед государством, перед окружением.

Весомый вклад в развитие "театра абсурда" сделал румынский драматург Э. Ионеско.

"Он всегда оставался поэтом, потому что его одиночество осаждали трагические образы. Его театр наполнен символами, но образ всегда предшествовал значению".

Французский писатель Ж. Готье назвал его "не поэтом, не писатель, никак драматургом, а проказником, мистификатором, болтуном и лжецом".

Болгарский литератор А. Натев объяснил успех Ионеско изобретательностью и саморекламой.

Г. Бояджиев писал, что цель Э. Ионеско "цинично посмеяться над человеком... вырвать ее из современности.... убить в ней общественное начало, затянуть во мрак.... И оставить один на один с животным инстинктом".

Французский драматург Эжен Ионеско родился 26 ноября 1909 в г.. Слатине, неподалеку от Бухареста. Отец его был румыном, мать - француженкой. В 1913 году семья переехала в Париж, с которым Э. Ионеско-старший связывал надежду на успешную юридическую карьеру. Через 2 года, оставив жену с двумя детьми, он вернулся в Румынию, где начал заниматься адвокатской практикой, а через некоторое время у него появилась новая семья. Забота о первой семье легла на плечи матери, вынужденной браться за любую работу, чтобы прокормить детей. Мать стала для Ионеско прообразом человеческого одиночества.

Но, несмотря на трудности, детство оставило в его памяти впечатление непрерывного праздника - "праздники без причины". "Это, - вспоминал позже Ионеско - время чудес или чудесного; будто из тьмы вынырнул сияющий, новенький и вовсе странный мир. Детство закончилось в тот момент, когда вещи перестали быть странными. Как только мир начал казаться вам знакомым, как только вы привыкаете к собственному существованию, вы стали взрослыми ". Заповедным" райским уголком "стала для Эжена ферма" Мельница "в местности Ла Шапель-Антенез, где он провел два года, с 1917 по

1919. Наслаждаясь "абсолютной" полнотой жизни, чувствовал себя центром мироздания, неизменным и вечным. Сюда, желая хоть как-то вернуть "потерянный рай", он посетил и во взрослой жизни. Одна из таких поездок была связана со съемками фильма по автобиографическим романом "Одинокий", где автор сыграл роль главного героя.

"Праздник детства" закончилось в 1922 году, когда Эжен вместе с сестрой переехал в Бухарест. Жизнь в столице Румынии было омрачено постоянными конфликтами с отцом - эгоистичной и деспотичной человеком, который постоянно вмешивался в дела сына. Однако тринадцати годам, проведенным на румынской земле, писатель был обязан и всем своим творением, и привлечением к другой культурной традиции, и первыми шагами на литературном поприще.

Посещение бухарестского лицея требовало серьезно заняться изучением английского языка, которой к тому времени он практически не знал. По мере же погружения в стихию нового языка, юноша все больше отстранился от родной, так что к концу пребывания в Румынии разучился писать литературным языком. Еще одним преимуществом обучения в бухарестском лицее было знакомство будущего драматурга с другой политико-воспитательной системой, которая обеспечила ему стойкий иммунитет против любой идеологии. Писатель иронизировал: "В детстве я пережил большое потрясение. Во Франции, в сельской школе меня учили, что французская, которая была моим родным языком, лучшая язык в мире, а французы - храбрые, они всегда побеждали своих врагов. В Бухаресте я узнал, что мой язык - румынский, что румыны всегда побеждали своих врагов. Для этого оказалось, что не французы, а румыны лучшие. Большое счастье, что я не оказался за год в Японии ".

1929 Эжен поступил в Бухарестского университета, где вопреки воле отца, который хотел, чтобы сын стал инженером, изучал французскую словесность. Студентом начал публиковаться. Сборник элегий, выданный 1931 и написан на румынском языке, был первым и последним обнародованием стихотворных опытов. В университетскую время Э. Ионеско выступил и как литературный критик. Среди работ того времени выделились два эссе, в одном из которых автор отстаивал значимость румынской литературы, а в другом наоборот - упрекал ее за второстепенности. Итогом деятельности молодого критика стала книга статей, вышедшей в 1934 году под названием "Нет".

Найдя писать в Париже докторскую диссертацию на тему "Грех и смерть во французской литературе после Бодлера", писатель поспешно покинул Бухарест. Однако десять лет он провел в скитания между двумя родиной.

"75-летний драматург, - писал австрийский писатель Герхардт Рот, - жил в швейцарском городке Санкт-Галлен. Однажды он назначил мне свидание в местной типографии, где в течение десяти лет время от времени рисовал картины. Типография - разделено перегородками помещения, вымощен известью и освещенное неоном. На стенах - яркие картины Ионеско, напоминающие веселые детские рисунки. Сам драматург - в синем запятнанному халате - сидел перед стаканчиками с красками. Он говорил, что любит работать в типографии под ритмичный грохот машины рядом с рабочими, потому что не терпит одиночества. И добавил, что очень любит жизнь, любит людей, но своим творчеством приблизился к границе Молчание ".

Все произведения Э. Ионеско - сложные и непонятные, насыщенные философской проблематикой.

Появление "Лысой певицы" стала новым периодом жизни, заполненным профессиональной литературным трудом. Вслед за ней вышли произведения, прославившие эстетику "театра абсурда": "Урок" (1950), "Стулья" (1951), "Жертвы долга» (1952), "Этюд для четырех" (поч. 50-х), " бескорыстный убийца "(1957)," Носорог "(1959)," Воздушный пешеход »(1962)," Король умирает "(1962) и другие.

Пьеса "Лысая певица" - острая пародия на искусственный язык, на котором писали пособия для тех, кто изучал иностранные языки, вызвала 1950 шок среди парижской публики. Автор же сразу прославился как самый экспонент "театра абсурда". Диалоги в "Лысой певице» - это обмен банальностями, фразами, лишенными смысла. То, что было скрыто под поверхностью жизни - опустошенность будничного существования, изолированность, отчуждение человека в повседневности, где существование превращается в механическое, автоматизированное, неосмысленное, - якобы выводилось на поверхность самой абсурдности языка, структуры пьесы.

Следующая пьеса «Урок» (1951) - это сатира, кульминационный акт грубости.

"Стулья" (1952) - трагический фарс о паре пожилых людей, которая ждала визитеров, которые никогда не придут. Здесь сосредоточением главного внимания на предметах акцентировалось внимание на процессе дегуманизации современной жизни. Драматург, по его словам, изобразил ситуацию умирания, когда мир исчезал. Пустые стулья - сценическая метафора. Она соединила классическое экзистенциальное Ничто с известным экзистенциальным состоянием души. Кроме того, поскольку пустые стулья будто заполняли желанными посетителями - это еще и метафора иллюзий, которыми человек заполнял пустоту бытия, метафора жизненной гордости.

В произведении "Воздушный пешеход" главный герой - творец пьес Беранже - днем негаданно взлетел над землей. Гамма ощущений, возникшая во время этой "воздушной" прогулки, воскресила упоминания о его собственных "полеты". Это символический момент, потому что полет Беранже - символ того духовного подъема, в момент которого переродился мир, став ласковым и светлым, а человек - свободной от тошноты жизни и страха смерти. Полет возродил в Беранже ребенка, открыв в нем единство полноты и легкости.

В пьесе "Жертвы долга" какой Шуберт совершил необычную прогулку - он проложил путь и к вершине, и в бездну. Но и на дне пропасти герой нашел "чудо" - вогнеквитковий дворец, окруженный сказочными цветами и каскадами потоков, которые переливались.

Сюжет в драме "Король умирает", по словам драматурга, сотканный из его собственного опыта, стал "практическим курсом смерти". В начале произведения король Беранже Первый поставлен в известность о том, что в конце пьесы он умрет, робко сказал: "Яумру, когда захочу. Я король и решаю я". А в последней картине он, как примерный ученик, отдался смерти. В его жизни было две женщины: Мария и Маргарита. Любимая Мария поддерживала в короли затихающий огонь жизни. Маргарита, наоборот, с безразличием акушерки "перерезала пуповину", связывающую Беранже с миром. В борьбе двух жен за душу Беранже прослеживался фрейдистский поединок глубинных начал личности - Эроса и Танатоса, без сознательного стремления к любви и к смерти.

В других пьесах Э. Ионеско высмеивались ценности супружеской жизни, конфликты, возникавшие между родителями и детьми.

На родине и за рубежом вырос спрос на драмы художника. Автор получил многочисленные премии, в 1971 году был избран членом Французской академии.

Кроме трех десятков пьес, литературное наследие Ионеско включила прозу (сборник рассказов "Фотография полковника" (1962), роман "Одинокий"), дневниковые заметки "весне 1939 года", эссе, статьи, выступления. Но все же центральное место в его творчестве Йоско, по праву, принадлежали драматургии. Смерть художника 1994 в определенной степени стала итоговой чертой целой эпохи в развитии мирового театра.

Его пьесы существенно отличались от произведений других ггоедставникив "театра абсурда". Индивидуально-стилевые доминанты творчества Э. Ионеско:

o трагифарсовисть;

o фантасмагоричность;

o одновременность и перехреснисть двух и более диалогов с объединением их в определенных местах в один метадиалог;

o искусство предельно холодное и равнодушное к человеку;

o стимулирование активности зрителей только на разгадывание своих головоломок, загадок, туманной метафоричности системы, которая предусматривала множественность толкований;

o абсурдные ситуации как способ организации художественного материала;

o отсутствие персонажей с правдоподобной психологией поведения;

o неопределенность, безликость места действия произведений, нарушение временной последовательности;

o использование приема одновременного развертывания двух, трех, а иногда и больше диалогов, абсолютно далеких по теме разговора, что совпадали в определенных местах;

o важные проблемы - любовь, смерть, удивление, бред;

o стремление лишить своих "героев" любого намека на собственную психологию, сделать их взаимозаменяемыми, персонажами без характеров, марионетками, моделями, "архетип мелкой буржуазии";

o герои - это конформисты, которые существовали при всех условиях, в любые времена, при любой власти. Они двигались, мыслили чувствовали вместе.

Доминирующее место в творчестве Е. Ионеско принадлежало пьесе "Носороги".

В обществе XX века разработаны целые механизмы воздействия на человеческое сознание с целью управлять человечеством, манипулировать им, превращать людей в послушных кукол. Именно поэтому в настоящее время возникла необходимость в защите человеческой индивидуальности, в предупреждении о тех угрозах, которые ждали человека. Дух коллективизма неизменно действовал в одном направлении: он открыл личность в стихии безличного, убил индивидуальность, а, значит, и человека. Именно так - в тесной связи с потерей человеческого облика - изображен феномен массового обезличивания общества в пьесе "Носороги". Пьеса пронизана критикой деиндивидуализации, автоматизма, конформизма, мещанства и одновременно глубокой болью за человека и его внутренний мир.

Фантастически абсурдный сюжет повального превращения людей в носорогов, однако, имел вполне реальный корень в политической жизни Европы 30-х годов. В предисловии к драме Э. Ионеско отметил, что толчок к ее написанию дали впечатление французского писателя Дени де Ружмона, которые он принес с демонстрации нацистов во главе с Гитлером в Нюрнберге в 1936 году. "Дени де Ружмон, - рассказывал драматург - видел эту толпу, которую постепенно захватывала какая-то истерия. Издалека люди в толпе как сумасшедшие выкрикивали имя этой страшной человека. Гитлер приближался, и с его приближением нарастала волна этой истерии, которая захватывала все новых людей ". Этот рассказ очевидца действительно содержала в себе зародыш содержания "Носорогов". В ней распознавали две главные тематико-сюжетные линии пьесы - развитие коллективной истерии (в драме - эпидемии "оносороження") и иррациональный сопротивление одиночки массовому психозу (в драме он воплотился в образе Беранже).

Однако, кроме рассказа очевидца, толчком к написанию драмы "Носорог" стал эпизод из жизни самого автора. Он стал свидетелем массовой истерии на городском стадионе во время выступления Гитлера и чуть сам не подвергся ей. Увиденное вызвало у драматурга глубокие размышления. Конечно, на стадионе те, прежде всего нацисты, для которых все, что говорил Гитлер, было их убеждению, фанатичной верой. Но большинство, конечно, - это временно ослеплены люди, которых просто использовали, "насилуя" их сознание.

Таким образом, драма "Носороги" - произведение, прежде всего, антифашистский, Антиной-цистський. По признанию самого Ионеско, он, как свидетель зарождения фашизма в Румынии в 30-х годах, действительно стремился описать процесс пацификации страны.

"Меня, - делился своими сомнениями драматург, - поражает успех этой пьесы. А понимают ли ее люди так, как следует? Распознают ли в ней тот Чудовищные феномен омассовления, в котором я веду речь? А главное, все ли они являются личностями, обладающими душой, единственной и неповторной? "

Свою пьесу "Носорог" Э. Ионеско назвал трагифарсом. Именно с помощью фарсовых средств и приемов драматург подчеркнул трагический смысл существования. Основное средство - трагикомический гротеск, одновременно подчеркнул смысл страшного явления и обнажил комично абсурдную риса (превращения людей в носорогов).

Пьеса состояла из трех действий. В первом действии события происходили в Европе, в провинциальном французском городе, в котором "даже не было зоопарка". Однажды здесь начали происходить непонятные ужасные метаморфозы: люди превратились в носорогов, товстошкурих, равнодушных, самоуверенных, агрессивных. Сначала заметна обеспокоенность некоторых жителей. Как всегда, первыми забеспокоились журналисты. Люди, скрываясь от проблем, не думали о том, как предотвратить беду, а вели дискуссии относительно вида носорога - африканский он или азиатский.

Во втором действии ситуация осложнилась: появилась угроза массового оносороження, носорогами стали некоторые из сотрудников Беранже, а затем подробно, почти "реалистично", было изображено преобразования второго Жана.

В третьей абсурдная ситуация приобрела апогея: все, кто окружал Беранже, стали носорогами, рев носорогов звучал по радио, их изображения появились на картинах. И вот кульминация и одновременно финал произведения: абсурд стал нормой, норма - абсурдом. Все стали носорогами, и только один человек остался таким, каким был. И она не собиралась менять своих взглядов, изменять саму себя. И именно этот ее выбор внес в хаос определенный порядок: абсурд остался абсурдом, норма - нормой. Беранже сохранил свою человеческую сущность, следовательно, подтвердил способность человека противостоять злу, в данном случае - омасов-нию. Пусть он даже остался один, но мировой порядок сохранен.

В произведении сквозь видимый абсурд просвечивались скрытые философские проблемы:

o способности человека противостоять злу (в данном случае омасовленню)

o причины оносороження людей (по собственному убеждению, "заразился", втянули силой)

o человеческой склонности прятаться от неприятных очевидностей (носороги - это "миф", "мистификация", "иллюзия").

Для понимания многогранности проблем, поставленных в пьесе, в качестве литературно-художественного источники драматург назвал "Перевоплощение" Кафки.

Процесс "оносороження", превращение людей в пьесе прошел несколько этапов:

o появление одного носорога как реакция на него жителей города

o реакция жителей города на нескольких носорогов как на неоспоримую реальность, от которой никуда не деться;

o эпидемия "оносороження" большинства представителей города, искажения всех норм морали, мировоззренческих позиций.

Анализируя персонажей, драматург акцентировал внимание на внутреннем мире личности. Изобразив преобразования одного из центральных героев, Жана, автор с помощью "оносорожених" лозунгов воспроизвел динамику роста внутреннего чудовища и его последующего торжества над цивилизованной и гуманной частью личности. Превращен Жан провозгласил печально истины - культ первоначальной энергии, красоту силы, необходимость смести моральные барьеры и восстановить вместо них "законы джунглей".

Образы в произведении носили определенную смысловую нагрузку. Кан - сноб, который безоговорочно преклонялся перед модой, манерами, вкусами, прежде всего, что было принято в аристократической среде.

Ботар - человек, который все отрицала, скептик, ни во что не верил. Но такой скептицизм - это не следствие убеждений, а удобная жизненная позиция: особо не вмешиваться, не думать над жизненными явлениями. Столкнувшись с негативным явлением, осознав опасность, такие люди пытались во всем обвинить других. Дударь - антагонист Ботар. Он, наоборот, пытался понять логику явлений, теоретизировать их. Госпожа Беф - проявление слепой веры в того, кого любят. Логик - демагог в первоначальном, обнаженном виде. Его выражение "Все коты смертные. Сократ смертен" - стала формулой любой демагогии. Дези - пример человека, который не смог устоять перед силой, напором, какой-то степени и привлекательностью явления, стало массовым. Имея здоровые нравственные задатки, Дези все же слишком практична, переоценивали роль силы. Дези оскорбила г Папильйон, вызвала подавленное состояние тайно влюбленного в нее Дударя, ускорив их преобразования в носорогов.

Тем самым Э. Ионеско подчеркнул, что те или иные впечатления на бытовом уровне, например, неразделенная любовь, также очень часто влияли на решение человека что-то изменить в своей жизни.

Таким образом, только один из героев не поддался "оносороженню". Это Беранже, который имел устойчивые моральные принципы, которые для него несомненны, которым верил, пусть даже интуитивно, руководствуясь не теорией, а жизненной практикой. Герой имел ясный ум, не загроможден схоластикой, оторванной от реальности. Он не боялся рассуждать и высказывать мысли, которые не совпадали с мыслями обычных людей, то есть имел свободное и независимое мышление. Все это сделало его индивидуальностью, хотя и давалось герою очень нелегко.

Э. Ионеско предупреждал: "" Носорог "- антифашистская пьеса, но это еще и пьеса, направленная против тех эпидемий," одеваются в одежду "различных идей, не становясь при этом менее опасными эпидемическими заболеваниями". Но как каждый выдающееся произведение, пьеса "Носорог" побудило к более глубокому и широкому толкованию ее содержания, она - одновременно и обобщения, исследование процесса программирования, бомбежки любой нации определенной идеологической теории. Драматург раскрыл все этапы этого процесса от его появления до конца. Итак, произведение направлено против всех видов истерии, против попыток омасовлення, оносороження человека, хотя в реальной жизни бывало очень нелегко отличить правду от демагогии. По тональности пьесы чувствовалось, что автор воспринимал это явление не только как позор нации, но и как ее беду, трагедию. И он стремился проникнуть еще глубже, до уровня обычной, обычного человека и отыскать причины ее неспособности сопротивляться попыткам повлиять на его сознание.